Iconic Animation Studios와 게임 변화의 타임라인

애니메이션은 엔터테인먼트와 문화적 표현에 중요한 힘이 되었습니다. 이 방식의 스토리를 형성하고 세대를 통해 경험해 왔습니다. 손으로 그려진 플립북에서 현실적인 디지털 세상으로, 중간은 기술 및 narrative 컨벤션을 도전하는 데 헌신적인 스튜디오의 비전을 통해 지속적으로 진화했습니다. 이 문서는 게임 변화의 작품을 강조하고 지구 산업에 미치는 영향을 지속시키는 상징적인 애니메이션 스튜디오의 타임라인을 추적합니다.

애니메이션 스토리텔링의 새벽

영화 시대를 넘어 애니메이션의 뿌리는 19 세기의 zoetrope와 praxinoscope captivating 청중과 같은 광학 장난감과 함께 확장되었습니다. 그러나 상업 예술 형태로 그림을 옮기는 전용 생산 주택의 형성이었습니다. 초기 스튜디오는 기초 기술 - cel 애니메이션, 동기화 된 사운드 및 문자 중심 스토리 텔링을 구축했습니다. 수십 년 동안 매체를 정의 할 것입니다.

Winsor McCay와 프로토 스튜디오 시대

공식 스튜디오가 등장하기 전에, Winsor McCay와 같은 개별 예술가는 애니메이션의 잠재력을 보여줍니다. 그의 1914 짧은 Gertie the Dinosaur] 성격과 상호 작용하는 성과로 캐릭터를 사용, 애니메이션 별을 위해 청사진을 설치. 맥케이의 작품, 종종 작은 팀의 조수로 생산, 애니메이션은 감정적인 무게와 달의 깊이를 수행 할 수, 스튜디오 시스템에 대한 접지 워크를 놓.

월트 디즈니 스튜디오 (1923)

월트와 로이 오 디즈니에 의해 설립 된 스튜디오는 ]Steamboat Willie의 출시 후 혁신과 동의가되었다. 완전히 동기화 된 사운드 트랙이있는 최초의 만화 중 하나로서, 그것은 세계로 Mickey 마우스를 도입하고 놀라운 소리와 이미지의 동력 리더를 전시했다. 스튜디오의 relentless 추적은 멀티 비행기 카메라, Technicolor 통합, 디즈니 (FLT)의 첫 번째 영화 의 미래에 대한 자세한 내용을 보려면 다음을 방문하십시오. [FLT:]

플레시스 스튜디오 (1921)

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롯데 레이거와 유럽 Silhouette Pioneers

1920년대 중 독일의 Silhouette 애니메이션과 함께 큰 상업 스튜디오가 아니지만, 롯데 레이거의 작품은 핵심 기술이 적용된 것을 나타냅니다. 그녀의 특징 Prince Achmed]의 모험은 가장 오래된 애니메이션 기능 중 하나이며, 복잡한 종이 인물과 백라이트를 사용하여. 이 초기 실험은 기능 길이 스토리텔링과 멀티 비행기 카메라와 같은 설정에서 미리 설정된 디즈니의 혁신을 소유하고 있습니다.

애니메이션의 황금 시대 (1930s-1950s)

이 십년간 동안, 애니메이션은 본격적인 엔터테인먼트 산업으로 성숙. 이론적 단편은 라이브 액션 영화로 예상되고, 스튜디오는 가장 기술적으로 천식과 전형적으로 날카로운 콘텐츠를 생산하기 위해 치열하게 경쟁했다. 캐릭터 로터는 확장, 스토리텔링은 더 정교한, 그리고 지상 워크는 시대 장벽을 넘어 애니메이션 기능을 위해 놓여 있었다.

워너 브라스. 애니메이션 (1930)

The Leon Schlesinger-produced cartoons under the Warner Bros. 기치는 zany 개성과 급속한 화가에 의해 정의된 집 작풍을 소개했습니다. Bugs Bunny, ]Daffy Duck], Porky Pig]는 Tex Avery와 같은 감독에 의해 형성되었습니다. Bob은 Bobte와 같은 감독과 감독의 감독과 감독의 감독을 맡고 있으며, Bobte와 같은 감독이 감독을 맡고 있습니다.

메트로폴 곤돌리 마커 스튜디오

MGM의 애니메이션 유닛은 Tex Avery와 William Hanna와 Joseph Barbera의 도착에 의해 강화되었으며 대부분의 상징적 인 연극적 반바지 중 일부를 생산했습니다. Tom과 Jerry 1940 년에 데뷔했으며 virtuoso 물리적 오미와 immaculate 문자 디자인을 통해 수많은 아카데미 상을 수상했습니다. Avery의 자신의 반바지는 [Red abs]][Red Hoodal Pushy]의 핸드 캐스트 후드가 험악한 후드가 되었는지 여부를 나타냅니다.

윌리엄 한나와 조셉 바베라는 강한 목소리 행동, 재생 배경 및 최소 운동을 강조하는 생산 모델을 갖춘 TV를 정복했습니다. 플린트스톤 (1960)은 첫 번째 단편 애니메이션 sitcom이되었으며 ]Scooby-Doo, 어디 있습니다! (1969)는 미스터리-LTLT-LT:7]의 프랜차이즈를 시작 ]FLT:7]

영화의 동료 (1962)

영화는 액션 모험과 슈퍼 히어로 시리즈에 알려져있다, 종종 운동에 대한 상세한 로토스코핑과 애니메이션 스탬프를 사용하여. HE-Man과 우주의 마스터] (1983) 도덕적 교훈과 함께 환상을 혼합, 이전 같은 쇼 Fat Albert와 Cosby Kids tackled 소셜 이슈를 직접. 그들의 접근은 초연의 이야기를 재생하는 데 도움이되는 드라마의 개발 및 재고의 개발에 대한 몇 년 동안.

일본의 TV 애니메이션의 상승

미국 스튜디오는 서쪽으로 지배했지만, 일본은 자신의 애니메이션 텔레비전 인프라를 구축했다. Osamu Tezuka의 Mushi Production은 Astro Boy] (1963), 미국의 첫 인기 애니메이션 일본 시리즈를 공기에 만들었습니다. 제한된 애니메이션 스타일, 단단한 예산에 의해 구동되고 compelling 이야기 아크에 초점을 맞추고, 결국 명백한 애니메이션 미적으로 진화. 이 교차 문화 교환은 나중에 세계 애니메이션에 대한 폭력 교환.

디지털 르네상스 (1980s-1990s)

강렬한 창의력과 기술적인 upheaval의 기간, 이 십년간은 그것의 한계에 밀어넣고 그 후에 컴퓨터 생성한 이미지로 reimagined를 보았습니다. 스튜디오 경쟁은 아이들과 성인 둘 다에 호소한 야심한 영화의 파를 연료를 공급하고, 심각한 영화 예술 모양으로 생기는 생기를 세웠습니다.

Pixar 애니메이션 스튜디오 (1986)

Lucasfilm의 컴퓨터 부문으로 시작된 것은 세계에서 가장 영향력있는 CGI 스튜디오로 바뀌었습니다. Pixar의 첫 번째 기능인 Toy Story (1995)는 첫 번째 전적으로 컴퓨터 애니메이션 영화였으며, 그 중반의 쓰레기를 교체했습니다. ]라는 철학을 가진 것은 왕이며, 스튜디오는 감성적인 재봉 ]]를 통해 디지털 방식으로 제작되었습니다.]:7]:7]:7]:7:7:7:7:7:7:7:7]

드림웍스 애니메이션 (1994)

스티븐 스펠버그, 제프리 캐츠버그, 그리고 데이비드 Geffen, DreamWorks SKG는 빠르게 Antz](1998)와 그 팝 컬리지 현상 Shrek](2001)로 마크를 만들었습니다. 후자의 유머, 성인 참조 및 골절-공정-테스 프레미스는 Osmena의 자체적인 특징을 보여 주었다.](2010). 그 후자의 유머, 성인 참조, 그리고 골절-공정-테스 프레미스는 다음과 같은 기능을 갖는 것을 보여 주었다.

스튜디오 Ghibli (1985)

미야자키와 이사오 다카하타가 공동 창업한 이 일본 스튜디오는 아름다운 손으로 그리는 애니메이션과 깊이 레이어링된 narratives와 함께 동시 출연했습니다. 내 이웃 토토로 (1988)과 ]Spirited Away] (2001)와 같은 영화는 최고의 애니메이션 기능 Oscar-weave 환경, Girulica의 전통적 인물을 위한 디지털 화려함을 전적으로 전해 주었습니다.

아드만 애니메이션 (1972)

영국 스튜디오 아드만은 정지 모션 찰흙 애니메이션과 구별되는 마법사와 함께 틈새를 새겼습니다. Wallace & Gromit] 시리즈를 시작으로 ]A Grand Day Out(1989), 기능 Chicken Run(2000) 전시된 통증을 겪고 있는 프레임-마을을을을 위한 디지털 방식으로 제작된 디지털 방식으로 제작된 디지털 방식으로 제작된 작품이 갖춰진 디지털 방식으로 제작되었습니다.

21세기와 그 이상: 글로벌 중개

새로운 밀레니엄은 애니메이션 기술, 배포, 문화적 영향력의 다양화를 가속화했습니다. 디지털 시대에서 태어난 스튜디오는 스트리밍, 글로벌 협업 및 모든 동시 스타일과 관객을 대상으로 콘텐츠를 제작하는 데 성공하는 놀라운 렌더링 능력을 활용했습니다. 기능 영화, TV 시리즈 및 대화형 미디어 사이의 라인은 흐르기 위해 계속됩니다.

블루 스카이 스튜디오 (1987–2021)

Blue Sky Studios는 원래 시각 효과 집, ]Ice Age 프랜차이즈와 함께 명성을 얻은 것입니다. 2002년 초창기 도입된 Scrat, acorn-chasing antics가 CGI에서 캐릭터 중심의 신체적 코미디가 된 saber-toothed Squirrel의 사향을 소개했습니다. 스튜디오의 독점적 인 인 인 인 인 인 인 은 원래의 모피와 독특한 세트 조각을 사용하여 컴퓨터의 빠른 확장에 기여합니다.

라카 스튜디오 (2005)

오레곤 기반 라카는 멈 모션에서 불완전의 아름다움을 구현, 급속한 프로토 타이핑과 3D 인쇄 교체 얼굴을 통합하여 탁월한 얼굴 표현을 달성. Coraline] (2009), ]ParaNorman (2012), KuboLT와 두 개의 문자열을 갖는 것은 비정상적인 영화의 촉감과 비판을 제공.]]:2]:2:2:2:2:2:2:2]

조명 엔터테인먼트 (2007)

밝은 색상, 고 에너지 영화에 대 한 알려진, 조명은 금 Despicable Me 시리즈와 그것의 휴식 문자, 민들. 조명의 비즈니스 모델은 예산 의식 생산에 초점을 맞추고 (프랑스 스튜디오 맥 그프와 함께 작동) 넓은 국제 유머, 모든 시간의 가장 높은-그로스 애니메이션 영화의 일부에 결과. 그들의 접근 방식은 현대 스튜디오에서 현대 모델을 만들 수 있는 방법을 설명합니다.

소니 사진 애니메이션 (2002)

소니의 그림 애니메이션은 CGI spectacles와 함께 시작 Open Season]과 Surf's Up 하지만 진정한 지상파와 목소리를 발견 Spider-Man: Into the Spider-Verse (2018). 영화 결합된 스타일리시한 2D-books-D-T-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-

카툰 네트워크 스튜디오와 프레더레이터 르네상스

TV 애니메이션은 2000 초에 제작자 주도 쇼와 창의적인 서지 경험. 만화 네트워크 스튜디오 생성 Dexter의 실험실, Powerpuff Girls], 나중에 ]]]]]Adventure Time], 어떤 episodic 애니메이션 스토리텔링이 될 수 있는지 확장. 프레드러레이터 스튜디오 유사한 개념]],]]]]

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