動畫既是一种藝術形式,也是一种業務, 也由一小撮先進的工作室所深刻塑造, 其愿景和技术突破為之後的一切打下了基础。 從影片的手畫閃光片到今天的超現實化數位世界, 這些老牌的動畫工作室都創造了遠遠超過屏幕的傳承。 其持续影響力贯穿於現代故事、人物設計以及動畫家使用的工具。 這點點點研究了工作室的持久影響, 探索了動畫的歷史、其簽名創意, 以及它們仍然對一個不断发展的媒體至关重要的方式。

動畫電影的早期建筑師

早在電腦製作的影像成為主流之前, 幾家企業工作室就將動畫從新奇的作品變成了合法的叙事藝術。 這些公司並非只是製造卡通, 而是發明了介质的語法。 它們的贡献包括動畫的12個原理、同步音效的使用以及建立特长動畫片。

而在沉默的時代,布雷製作公司和巴雷工作室等工作室是第一個將這部作品工業化的作品之一,用組合線法發表短片。 然而,1923年華特迪士尼動畫工作室的到來,使這部作品不可挽回地改變了地貌。 迪士尼不懈追求現實主義和情感共振,因此产生了一些里程碑,如1928年的《威利號》,它展示了把動畫和完全同步的音軌相结合的威利。 工作室的《花和樹 》 ( 1932年)是第一部以全彩色三弦Technicolor(三弦)的商用影片,而《雪白和七矮人》(1937年)證明了觀眾眾眾將坐落到一個具有特長的卡通,而這則是許多人稱為“迪斯尼的瘋狂的作品,直到它成為了批判判性的金融勝利的勝利 。

泰米特·坦瑟(Termite Terrace)以工作室日落大道的糟糕情況命名, 發起了完全不同的感知。 德克斯·艾弗里、查克·瓊斯和鮑勃·克蘭佩特等導演拒絕了迪士尼追求的信仰,支持夸大物理、第四壁破碎的游戏和爵士樂的節奏。 洛尼·坦澤斯()和梅里·梅洛迪斯(Merrie Melodys)的人物—布格斯·邦奇(Bunny),達菲·達克(Ducky),波基·皮奇(Porky Pig)的作品正是因为他们不服從現實際的規則。 迪士尼的幻與沃納的無政府喜劇建立了兩极,仍然确定了動畫优先。

跨大西洋,几十年後,英國布里斯托爾的亞德曼動畫刻出了精心的止動藝術家的名聲。 1972年,亞德曼由彼得·洛德和大衛·斯普羅克斯頓創立,向全世界介紹了愛奶酪的發明者華萊士和他的沉默、智慧的狗格羅米。 它們的短篇《創造的慰藉》和特著《雞肉跑跑 》 表明,粘土可以以鲜明的视觉溫暖來提供深刻的人類故事。 亞德曼對物理模型和实际效果的承诺,在數位工具更加便宜和更快時,仍然保持了重要的傳統。

改變中間的革命技術

維特工作室不僅僅是他們所獲得的榮耀,

多飛機相機和深度

迪士尼在1930年代發明多飛機相機,讓藝術家可以獨自拍攝七層的藝術作品,从而形成令人信服的深度幻覺。 第一部使用它電影《老磨坊》(1937年)的觀眾對它的浸泡環境感到震驚。 之後,它又在1942年的《斑比》中完美地完成了森林序列的技術,讓世界感受到了只有二維畫是不可能做到的空间現實。 分层原理在今天的堆積軟體中仍然至关重要,從Adobe After Effect到主要工作室使用的節點系統。

停止動畫與取代動畫

威利斯·奧布萊恩在「金剛」(1933年)的作品率先為實體演講片發表了止動感,而雷·哈里豪森的動畫过程卻在模特動畫和現實演員之間帶來了新的整合。 奧布萊恩等工作室後來精细地修改了替代動畫—用不同的口形或完整的木偶部分來模擬言論和表情。 在《聖誕節前夜》(由蒂姆·伯頓旗下的亨利·塞利克(Henry Selick)和奧爾曼的 中,這段过程要求有超乎寻常的耐心,但產生了一種手動的感覺,即數位影像常常缺乏。

移到電腦動畫

迪士尼的「Tron」(1982年)是活動和CGI的勇氣混合, 工作室也為傳統畫作的電影投入大量資金, 以「小美人魚」(1989年)為首, 最後在「寶麗與寶麗」(1991年)中演绎了美麗的集成舞廳。

東日本的Toei Animation等工作室在1948年創立,开发了將成為動畫標誌的技術。 虽然很多動畫工作室出于必要而依靠有限的動畫,但Toei在「Dragon Ball 」 和「One Piec”等長期系列作品上的工作卻完善了一種動畫、速度線和戲劇性攝像角度的风格,這些動畫片都影響了全球動畫。 由Hayao Miyazaki和Isao Takahata共同創辦的Tudio Ghibli等老牌動畫室仍然致力于手绘美,常常使用水彩背景和小心的性格運動,它會重新想起早年的迪斯尼,但具有鲜明的東方敏度。

永恆故事的藝術

獨自技術不能保證長壽。 最持久的老工作室在构建對儿童和成年人都講話的叙事方面都非常出色。 他們對性格、主題和情感建構的態度已經成為了業務的藍圖。

字符

迪士尼的「九老男人 ” , 包括法蘭克·湯瑪斯、奧利·約翰斯頓、米爾特·卡爾和馬克·戴維斯在内的動畫家核心群組,把吸引力的原理編成法典。人物需要令人信服,不管是英雄還是壞人。 結果是皮諾曹等人物的名單,他們從木偶變成真正的男孩,學習無私,或者莫格利,在人類世界和丛林之间被撕裂。 相比之下,沃納兄弟公司(Warner Brothers ) 發明了「 荒謬的」 : 典型: 總是比聰明的權威人物更聰明的騙子。 邦克斯的無聊信心和文化流利使他成為了代代代人所未料到的英雄。 如此强调強壯的、可記憶的人物,如今是所有動畫媒體形式,从星期六的漫画到流動畫系列中都標都標準。

分層的 萬年主题

古老的演播室最偉大的遺產之一是相信動畫可以處理嚴重的問題。 班比(Bambi)處理了損失和生命的周期; 水船下行 (1978年),雖然是由Nepenth Productions製作,但還是借鉴了經典的手畫動畫來探索死亡和獨裁主義。 在日本,Studio Ghibli的《萤火蟲之戰》提供了一幅令人痛心的戰爭對孩子的影響肖像。最近,迪士尼-皮克斯的"上台"(2009年)以一無言的愛和悲傷之情的溫暖情開幕,使觀眾眾眾目所感動,使中間的勇氣大開,並將動畫當作正經電影。 維特蘭的工作室證明你不需要活的演員來传达深刻的損失、喜樂或道德的複雜情。

通用的考古型態和神話

許多經典動畫的特徵都建在神話和民俗的骨頭上。 來自兄弟會的「雪白 ” ; “ 獅王”重複了「哈姆雷特」的叙事結構和約瑟夫·坎貝爾(Joseph Campbell)概述的英雄之旅。 使用通用故事框架可以讓這些電影超越文化和世代的界限。1940年迪士尼電影(如《幻想》)把動畫和古典音樂混在一起,在與活管弦樂團重新筛选時仍然能感覺到新鮮。 維特蘭工作室理解到,如果與動畫的無限影射力相接合,那么古典的演講故事能力就創造了持久的共振力。

保存遺產和培育新人才

許多人建立了确保歷史知識不失的檔案、博物館和培训計畫。 人們在研究研究如何避免歷史學的傳統,以及如何研究歷史學。

沃爾特·迪士尼動畫研究圖書館收藏了6500多万項動畫藝術,從概念草圖到最后背景。 舊金山的瓦爾特迪尼家庭博物館[ 提供演播室進化的公開展品。 类似地,沃納兄弟也保持了广泛的動畫档案,而動畫藝術和科學學院等組織也努力恢復硝酸膠片上不断恶化的早期卡通畫。 Aardman和Laika虽然是新人,但分享了破解停止動態技術的幕后紀錄片,并啟發了嗜好家。

導演一直是動畫工作室的構造的一部分。 20世纪30年代的迪士尼訓練項目吸引了全國各地的藝術家,教他們如何畫人生、解剖學和運動原理。 如今,老牌工作室和藝術學校合作,提供實習。像CTN動畫博览會等活動的投資审查程序常常包括迪士尼和華納兄弟的招生者。甚至退休的動畫家們也积极教訓:Glen Keane,他動畫了阿里爾和Beast,現在給他們提供了主級,并開發了交互式影片“Duet ” , 使傳統技術與新技术相接合。

合作和交叉投影

迪士尼在取得之前就和皮克斯合作,讓迪士尼的電腦動畫學習在2000年代重新啟動迪士尼自己的產品。 沃納兄弟公司和世界各地的工作室合作,共同進行了「Animaniacs」復興和DC宇宙動畫電影等項目。法國工作室Les Armateurs共同製作的「貝爾維爾三部曲 ” , 表明歐洲的動畫情緒可以與古典卡通感融合。

電視台上,老實工作室有經營權的人物和與亞洲合作伙伴共同製作的系列,讓「辛普森一家」(海外動畫,但由Gracie Films和20電視公司創意)等節目得以維持全球製作管道。 日本工作室的TMS Entertainment(由Warner Bros公司合約的《蝙蝠俠:動畫系列》和《Tiny Toon探險》)成為了西方和東部技術的桥梁。 這種合作加速了藝術思想的交流,并确保了手畫美學的存活,即使數位工具占主导地位。

影響現代地物動畫

古老的演播室的DNA在今天的每部大型動畫發表中都可以看到。 迪士尼和皮克斯電影仍然以1930年代的開發式人物動畫為特色。 洛尼·圖內斯的瘋狂能量可以被DreamWorks的"Shrek"系列和Illumination的"可惡的我"所感受到,其中流行文化的引用和喜劇的時刻是至關重要的。 萊卡的"科拉琳"和"庫博和兩條弦"中的奇幻和哥特魅力的停止-動動性融合是哈利豪森的"Dynamation"和Aardman的性格作品的直系后代。

即便手畫特徵的重现 — — Netflix的《Klaus》 (2019)和Cartoon Saloon的《狼行者》 (2020) — — 也欠了那些拒絕讓這隻手隻死在後方的老工作室的債。 那些電影的導演都公然引用迪士尼的黃金時代和1950年代的圖像大膽(United Productions of America)的卡通片為主要影響力。 當索尼攝影作品的動畫作品《蜘蛛俠:進入蜘蛛俠》混合了CGI的作品,它用平面的、醒目的刷子和污名的畫面來呼應華納和UPA等工作室的先進方法。

數位邊界與傳統的保護

Paradoxically, the digital era has amplified the importance of veteran studios. The tools now widely available—Toon Boom Harmony, Blender, Moho—were often developed with input from experienced animators who wanted to replicate the feel of traditional media. The 12 principles of animation remain the core curriculum of every online course and university program. Rigging systems in 3D software allow characters to deform and squash in ways that mimic hand-drawn action, a technique refined at studios like Disney and Pixar.

尼特拉特電影的變化是造成大规模復原工程的威脅。 校園電影档案室[和加州大學電影與電視档案室,常常与工作室合作,拯救了數以千計的短片。 迪士尼的「灰姑娘 」 ( 1950年)在Blu-ray發行時逐個進行了數位修复,而華納兄弟公司則在精心清理了Tex Avery的「紅熱騎士 ” 。 这些努力可以保證,新一代人可以研究主人們的精細作品,把過去和未來联系起来。

全球拓展和文化适应

動畫一直是一种全球語言,老實工作室是全球首個獲得粉絲的美國公司。 二战期间,迪士尼和華納卡通被運往海外,以招待軍隊,以及後來引入外国市场,以取悅美國幽默。 如今,影響力雙向流逝。 迪士尼在全球发行多年的Ghibli工作室電影啟發西方動畫家們接受慢速和环境主题。 法日合作製作的「幻想家 ” (2010年) , 以未製作的雅克·塔蒂劇本为基础,在愛丁堡發行,由西爾文·肖梅(Sylvain Chomet)执导,体现了老實工作室所幫助的跨文化授粉碎。

中國的上海動畫電影工作室等工作室曾出演令人驚訝的洗墨動畫,引起国际注意。 雖然目前業務重心於CGI,但西方先驅和中國動畫家的歷史技術交流丰富了兩種傳統。 目前全球票房的特点是動畫片的特色,很容易穿越邊境,原因主要是視覺和古老的故事故事基礎由工作室奠定,而工作室的影响力是無限的。

活的遺產

古老的動畫工作室的影響力不是過去的遺產,而是一個能适应科技和品味的變化的活力。 流動平台比以往更需要動畫內容, 演藝家和導演們也常轉而看經典的靈感。 全世界工作室都以不同動畫风格為特色的《愛、死亡和機器》等系列的成功,如果沒有被證明的動畫能吸引成年人,探索黑暗的哲學主题的先進作品,那就將是不可想象的。

現代動畫製作的結構是早期工作室建立的,它把電影制作視為團體運動。 在皮克斯公司著名的「腦力信任」概念, 和迪士尼的故事會合, 沃特自己會在迪士尼批判和完善序列。 演員的表演激勵了角色的表現, 演員和動畫家之间的关系在華納兄弟會上得到了完善。 這種方式已經成為了業務的標準。

迪士尼最近以「Paperman」和「Feast」的2D和3D混合體表现出了即使在近一個世紀後仍愿意實驗的意識。 沃納兄弟。 動畫繼續製作喜劇短片和宏大的直視電影,拓展了愛戴的超級英雄神話。 奧爾曼在遊戲發展和現實化的推測中都發現,用黏土木偶建造的演播室可以在數位沙盒中玩,而不失去其身份。

其遺傳的真正衡量标准是,迪士尼或吉布利等工作室的名字不僅代表一個品牌;它會引來一定的質量,某种信任,即觀眾會受到智慧和尊重。這項名譽是數十年来所赢得的,是用痛苦的框框框架設計的。 随着新的工具民主化,讓獨立的創作者可以夢想大局,這些老牌机构的影響就成了共同的文化词汇 — — 一套參考和标准,所有動畫家都有意或无意地將它們帶入他們的作品。

從燈盒、筆筆到石碑、畫場的旅程很長, 但工艺品的心卻不變:把生命注入無生命體, 讓觀眾相信一個動畫的世界,