動畫的外觀上布滿了一團糟的畫面,其中一團糟的畫面是一團糟的畫面,它創造了童年、先進的视觉故事故事,然后從製作的焦點中消失了。 它們的故事不只是藝術勝利和技术突破的紀錄;它們是觀眾的快速變化、發展中的分配模式以及公司策略如何造就或打破文化机构的案例研究。 歷史概觀可以追蹤20世紀早期的手畫奇觀,透過CGI革命,以及流民和全球合作完全重畫地圖的時代。

動畫金色時代( 1920年代-1960年代)

20世纪20年代末至60年代的這段时期被广泛稱為動畫的黃金時代 — — 即藝術形式從新鮮的發展到大众娛樂,以及工作室建立的角色在一個世紀后仍然不可磨滅。 這個時代的定義是技術精靈、特色鲜明的房屋風格和激烈的票房霸權競爭。

突破式工作室及其創意

迪士尼在一系列的愛麗絲·喜劇片和奧斯華德的幸運兔子短片之后, 重新重新定义了媒體, 其作品是1928年的《威利號船 》 ( Steamboat Willie), 這是第一部完全同步的動畫片。 華特迪士尼家庭博物館指出[, 科技跳樓使米奇老鼠一夜之间發起情緒, 證明了動畫可以帶有音樂、對話和效果的同樣的經驗。 迪士尼隨著第一部長長的全天性特徵, “雪白和七矮人” (1937), 一個巨大的賭博彩, 付出了英俊的代價。 工作室的多片攝像同時期推出的多片攝影機, 使飛往永不蘭的「彼得潘」和森林景色的畫面的節序子有深度和情感的序子。

沃納兄弟走過完全不同的路。在20世纪30年代,其Schlesinger Productions的單位在Dex Avery、Chuck Jones和Bob Clampett的混亂天才下被称为Termite Terrace。 Looney Tunes和Merrie Melody系列讓世界Bugs Bunny、Daffy Duck、Porky Pig和Elmer Fudd 都擁有一套仍然影响今天喜劇節奏的短片。 迪士尼的真人造型和那些角色不同,都是颠覆性的、自我感知覺的和城市的。 Britannica的帳號 强调了Warner如何强调喜劇演才(尤其是Mel Blanc)和刮刮刮的時刻。

由Max和Dave Fleischer兄弟創建, 工作室率先翻拍- 追蹤直播影片, 以取得像生命般的動靜。 這個技術讓小丑科科和Betty Boop的"流動"發出無常的超現實的動向。 當他們於1933年獲得了Popeye的權利, 便將成人漫畫角色變成流行文化的現象, 常常推動性別和滑稽的界限。 動畫世界網详细介绍了工作室的立體化过程, 3D背景系統, 使用小型集, 預期的多行星效果, 并給他們"超人" 系列的作品提供了一個富含錢的、電影化的文字,現代代CGI仍努力模仿。

連主要工作室的動畫單位,如[MGM(由威廉·漢娜和約瑟夫·巴貝拉(他創作湯姆和傑里)的家)和[UPA[],都以鲜明的圖像设计和在“Gerald McBoing-Bing”和“Magoo先生”中有限的動畫打破了自然主義,促成了具有形狀多样性的市場。 這種多元性得到了一個有利可圖的短模式的支持:在主要功能前播放的卡通,提供了稳定的工作和收入管道。

演播室的競爭讓大家大為進步,如Technicolor、原著樂團的合唱曲目以及越來越精密的叙事曲目。 全世界的觀眾都受到吸引;這部卡通片也成了合法藝術形式。

基礎上的裂痕:傳統動畫的衰落

战后的繁荣使得動畫工作室一直持續不斷的發展,20世纪50年代的演播室也開始在60年代落幕。 戏剧短片、故事片和新聞片的生態生態很興旺,在新科技、經濟現實和文化潮流的壓力下迅速分化。

電視與星期六的崛起

唯一最破壞力的就是電視。 随着家庭搬到郊外, 留在家裡做娛樂, 電影的習慣改變了。 劇情短片成了展覽者不必要的支出, 以及主要功能蒸發之前卡通片的曾經可依靠的收入。 工作室改用舊短片來改裝電視, 但最後必須制作适合小屏幕的新内容。 Hanna-Barbera由前MGM董事於1957年建立, 掌握了 的藝術, 限制動畫 的作品, 是一种成本效率高的方法, 重用背景, 最大限度降低人物運動, 以及强调智慧對話, 過於流動。 它們的創作, 如「 佛林特斯頓 、 尤吉熊 、 捷森 、 周六早上和黄金時段。 雖然在商业上很成功, 但這方法表明全動畫的技術已衰退; 工作室不能再為每周播出節制提供了。

經濟轉移與工作室關閉

經濟變得殘酷。在工事罢工和經濟管理不善之后,Fleischer Studios在1942年被派拉蒙吸收,改名为Famous Studios。它繼續制作Popeye和超人短片,但創意的火花暗淡,而這個單片最终在20世纪60年代后期被關閉。沃納兄弟公司在1963年以成本上升和戏剧短片市场衰落为由关闭了自己的動畫工作室;它只會零星地重新開放有限项目。即使是迪士尼,Behmoth,也跌倒了。在1966年華特·迪士尼逝世后,特效片司機部失去了其有远见的領袖。 影片如《阿里斯托克特》和《羅賓漢》保持了基准魅力,但缺乏前几十年的風險故事和技術雄心。 到了20世纪80年代初期,工作室的演員正在耗盡其才華力,而且成本高昂的黑暗幻想“黑卡爾德隆”(1985年)差點使分裂的分裂者差點地殺了。

變更味道與新競爭

觀眾也正在成熟。 20世纪60年代和70年代,日本動畫的第一波進步,即「如來電」和「星球之戰 」 , 引入了不同视觉語法的串連式動作冒险。 与此同时,像Ralph Bakshi這樣的獨立聲音用電影如「Fritz the Cat」(1972)和旋轉形的「魔戒之王」(1978)推動了面向成年人的動畫,證明了動畫可以處理複雜的、常是過份的主旨。 大型演播室, 困住,為年輕的觀眾提供票價值,突然失去聯繫。 曾經最偉大的戏剧動畫管道已經崩潰,金色時代似乎永遠不會恢復。

偉大的復活:動畫文艺复兴(1980年代-2000年代)

和手畫動畫的讣告一樣, 演绎著才華、科技和故事野心的合力也激起了巨大的回潮。 此次復興不仅使媒體復活, 也大大拓展了它的可能性。

迪士尼文艺复兴(1989-1999)

迪士尼在杰弗里·卡岑伯格和霍華德·阿什曼和阿倫·門肯的歌寫團的领导下,回到了百老匯式的音樂劇,配有精密的叙事,一位女主角也积极追求她的夢想。影片的成功為十年的破碎者奠定了基础:「寶貴與野獸」(1991年)成為了學院最佳畫像獎提名的第一部動畫片;「阿拉丁」(1992年)和「獅王」(1994年)打破了票房記錄。 History.com 抓住了這場演出如何振兴了整個工作室,把其動畫區轉換成當代最有利可圖的好萊坞引擎。 克魯西里,迪士尼也開始使用電腦動畫製作系統(CAPS),它數色和合成的手畫畫,既保留了古典的外觀,又大幅提高了制作速度和視力。

皮克斯革命和CGI 霸主

迪士尼恢復了2D的威望, 海岸上一個小型的、以電腦為主的工作室正在準備使它變老。 Pixar Animation Studios 來自盧卡斯菲爾姆的電腦分局, 由Steve Jobs培育, 一直在編製尖端動畫短片。 1995年, 它發行了第一部完全用電腦影像製成的、具有特长的影片《玩具故事》, 影片是地震事件。 Pixar的官方歷史 强调了工作室的專業Renderman軟件如何讓人能夠有前所未有的纹理、照明和相機動態, 而它的故事第一和故事确保了科技服務於情感,而不是顯影。 影片的批判性和商业上的勝立刻改變了業的運作。 在下十年中, Pixar在另一部杰作—《虫生命》、 “ 蒙斯特斯公司、 探索尼奧斯、 —— —— —— —— —— ——

新電源的崛起

迪士尼文艺复兴和皮克斯的升級引發了更大的創意爆炸。 由杰弗里·卡岑伯格、史蒂文·斯皮爾伯格和大衛·吉芬共同創辦,1994年由杰弗里·卡岑伯格和迪士尼共同創辦,以更諷刺性的、流行文化的語氣直接挑战皮克斯和迪士尼。 由Hayao Miyazaki和Isao Takahata創建的《Shrek》(2001年) , 以不刻板的手畫風格獲得了國際的榮耀, 并發動了大型的特许。 与此同时, 藍天工作室 , 以其標題冰河年代探險而發動, 成為了Fox 的可靠打擊手。 。 由 Higio Ghio和Isao Takahata 創辦的 , , 以 的手畫像 的 Moononononoke 和 和 的

電視動畫也重新激起:"辛普森一家"(1989年至今)成為了美國最久經營的首發時段劇本系列,而Nickelodeon和Cartoon Network則催生了一代由創作人推动的点击,如「Rugrats 」 、 「海绵宝宝平面板 」 、 「Dexter的實驗室 」 。 1990年代后期的動畫潮把「Pokémon 」 和 「Dragon Ball Z 」等系列帶入了西方的客廳, 进一步分散了市場,但也使市場更加丰富。

科技 重塑工業(2000年代-目前)

20世纪90年代的文藝复兴是重塑失去的榮耀,新的千年是技术和商業快速、常是无情的轉變的時代。 動畫的工具、發行渠道和经济模型都大為改變,以至于「音效工作室」的定義正在改變之中。

數位工具革命

軟體套件是瑪雅、東皋、布蘭德和專有製作人, 製作人可以讓小組人達到特質質質的影像。 然而, 民主化也加速了传统2D功能的衰落。 迪士尼在「遠處的家」(2004年) 的表現不佳後, 關閉了手畫動畫的功能, 而2D電視系列的戲劇化市場卻蒸發了。 業務幾乎完全轉至了CGI, 動畫捕捉, 以及日益地, 即超現實引擎, 使得虛擬製技術能被保留給活動阻擋器。 這些工具模糊了動畫和活動電影拍攝的線線, 從「正規格書」(2016年) 的攝影真動物到「 蜘蛛病毒」 (2018年) 的拼音混合體。

流動戰爭和直通消费內容

另一種地震變遷是流動平台的崛起。 CNBC 報導, 訂閱模式重塑了動畫, 從一間戲劇第一的企業到一間直接供點播的大型系列和電影圖書館。 Netflix、Amazon Prime和Disney+在動畫內容上投入了數十億美元, 從成人化的動畫, 如“愛、死亡和机器人 ” , 到「星際大戰 ” 和 Marvel宇宙的特许延伸。 這項推特讓創作者有了更長的講故事的自由, 但也引入了新的序曲: 專案可以被無序地取消, 甚至從平台上移除, 以避免剩余付款, 使藝術家沒有長久久未有的公開的作品紀錄。

全球化的挑戰和經濟壓力

現代動畫的經濟是全球性的,是不可原諒的。 外包到南韓、菲律賓和印度的演播室,可以控制製作成本,但也引起人對勞動公平與創意控制的關注。 公司整合導致了高知名度的關閉:2021年,迪士尼在福克斯公司合并中收购了「冰河時代”的製作商藍天工作室,這令人明目张胆地提醒,即使是盈利的單位,也可以被拋棄在更大的公司策略中。 沃納兄弟公司(Warner Bros. Discovery)在自己的合并后,在新管理下,以臭名昭著的掩飾,把近完成的“蝙蝠女郎”影片從HBO Max 中移除了許多動畫系列,引發了稅的記和战略性的重新品牌。

圖示動畫工作室的未來

人們仍然渴望著動畫故事的關鍵性,

新的趋势和可能性

人們已經看到下一時代的轮廓。 AI協助的動畫[—— 從自動介于风格轉換工具之間—— 正在引起激烈的爭論。 雖然這些科技可以大大減少工時, 開通實驗的視覺風格, 但也有可能使藝術家們流离失所, 使美學同化。 使用遊戲引擎, 使動畫 能夠在YouTube、Vimeo等系列中实时回應, 以及將來的全面实时動畫的特徵的浪潮。 [ 的多元性和融入 不再被思考了: 影片如“Encanto,” turning Red, 和“Soul” 等, 顯示文化上特徵的創意故事既能取得商業成功,又能在全球上取得批判斷的成績。 此外, 在YouTube、Vimeo和群的爆發動

承接創新時保留遺產

迪士尼最近的战略是用原著作品「星際旅行」和「威士」來重新塑造其動畫經典。 這種現象也讓安全與創意之間的緊張化。 這種現象也應對於更廣泛的動畫歷史:像華特迪士尼家族博物館和學院電影档案館等机构恢复與保存原始的關節、故事板和早期的Technicolor印片,

升降的周期很可能會加速。 新的演播室會在病毒短片或流動的冲击下爆發, 以及快速的被取得、合并或解散。 然而,介质本身在各個方向上都繼續擴展 — — 藝術、技术和地理上。 未來的圖示性演播室可能不是砖石和摩托機,而是由共同的觀察和实时渲染管道連結的全球藝術家合作網路。 不管他們采取什么形式,其使命都未變:使無能的演播室動,並以此來推动我們。