Netflix 很快成為了一個定義平台, 啟動了原創性系列, 以及取得獨家流動權的標題, 以挑战視覺和敘述的定義。 關於動畫創意的談話大多固定在動畫風格或故事講解結構上, 但聲音领域的革命卻在發展。 跨過網路流派的網路流動器, 以及內觀音樂劇。 Netflix anime 正在將音樂成分和音效設計划推進未知的地盤。 這些元素不再只是背景增強;它們是主要的故事化裝置,塑造了心情、揭示性格,以及建立在音效卷之后很久才會一直存在的浸化的世界。 這篇文章探索了Netflix 動式系列, 它們最有創意地利用音樂和音效的手法, 以及它們在音樂和音效上具有的持久影響力。

為什麼音樂和音效設計是現代動畫的中心

動畫中的聲音總是很重要,但是在觀眾消耗高端耳機和家園戲院設計的內容的時代,音效工藝比以往更重。 音樂在黏膜层面提示了情感反應,而音效在触覺現實中卻在奇幻的情景下。 在一位有技能的導演和作曲家手中,音效變成了共同的演講者—在行動上作評論,預言扭曲,或把人物內在外化。 Netflix的製作模式常常可以延長制作前期,并讓人能接触到全球的音樂才華,它使創作者可以冒太高成本或非常规的音效風險,而這對傳統的每周廣播節目的播放方式來說可能太過過過過過過。

良好的音效設計有三件事是特别好的:它建立了位置感,加深了對人物的同情,并操縱了速度。遠方的、反射的无人機可以讓城市感到荒涼;突然沉寂可以比再發式更能激起劇情的瞬間。 在動力中,视觉象徵已經在上升的平面上運作,而這跟野心相匹配的音效可以提升整部作品。 Netflix最有創意的系列把音軌看成不是背景音軌的集合,而是刻意的情感結構。

Netflix 動畫 重新定义視覺經驗

網絡上最終的氣候變化,

演播室的Trigger和Cyberpunk 2077世界的合作,形成了十年中最有理論的動畫。 以他在寂靜山系列遊戲的大气工作著称的作曲家山冈明夫(Akira Yamooka), 精心打造了一套把扭曲的電子拍和工業噪音和脆弱的旋律混合在一起的樂谱。這一系列音樂用來强调主角David的心理分裂,因为他用更加危險的網路器件來充实他的身体。 随着他的人類消化,音軌的分解效果日益分化,扭曲,突然的切除他的精神狀態也更加糟糕。

聲音設計更進一步。 收錄了代碼廣告、遠方槍擊以及永遠發出的霓虹燈之聲, 使夜城成為了一個獨立的人物。 團隊故意避免了清潔、临床的聲音; 引入了類似溫暖和微妙的背景, 防止世界感到無菌。 值得注意的是, Franz Ferdinand的開幕主题「Ffffire」 以及使用"我真想留在你家"等經許可的音軌, 都成了情感主題, 而后者的發表在最後的發表中, 發出一個毁灭性的直覺。 這種情感的原始得分和小心的針滴的相互作用, 说明了Netflix背後的計畫如何能用一個單位的視力來來消化全球音樂影響。 關於音軌的創作, 參考[[FLT: 0]] 的這一分析: Crunchyroll News[[FLT: 1]。

音樂是AI的靈魂

維維:Fluorite Eye的歌曲,是Wit Studio的原創系列, 音樂直接放在主题核心。 乳頭AI,Vivy, 是一個自主的機器人, 目的是在游樂場唱歌, 她的目的就是讓人們通过歌聲快樂。 但是,當她陷入一個百年的探索任務中, 以防止人類和AI的戰爭, 她的歌唱從程式化的娛樂演化成真正的自我的表现形式。 由Satoru Kōsaki組成的樂團, 亲密的鋼琴旋律, 以及有閃光靈感的電子文字, 既能反映歷史上的敘述的掃描, 又能反映其領導的技性。

聲音設計的特異之处在于它如何把維維的聲音當成故事的情感氣壓表。早期的節目顯示她的聲音是技术上沒有缺陷的,但情感上平淡無奇;用微妙的數位處理錄制到聲音的聲音幾乎太完美。随着时间的推移,随着她的愛情、失落和犧牲,同樣的歌曲都得到了溫暖、維布拉托和微小的不完美,它通过不同的麥克風技巧捕捉到她,以示她在程序化之外的增长。聲音效果也一樣深思:伺服室的聲音、數據流的微音以及崩塌的鐘聲,都使抽象的聲音顯現出來。這個角色的曲子和音效演化使系列變成了冥想,它意味著什麼是用心靈感創造藝術,甚至從人工的心靈中學中學出來。

碧星 爵士樂 緊張 和內部的動物

演播室的Orange的Beastars使用停止動態的CGI和一股音效變色龍的组合,探索人類變形動物的欲望、社會階級和身份。 音樂的操作分兩層:一是精密有序的切里頓學院世界,常以清潔、休息室式爵士樂和古典風弦為代表;二是混亂、本能驱动的地下世界,其中人物用其掠食性來搏擊。 作曲家Satoru Kōsaki(他也為Vivy工作過 ) 使用器械作为社會比喻。 草食性人物往往伴有木窗和軟觸動,而肉食者則會長出青銅和深沉的回聲貝斯。 狼的內部衝擊與雙音樂線交替,偶是直接的、协调他骨折的心理。

聲音設計會加深心理的緊張。 每一步,每一毛毛毛的细微分泌,每呼吸的呼吸都被夸大,足以提醒觀眾注意制服下的動物。在樂高希和兔春之間的亲密場景中,環境的沉默充斥著空間,只有人物呼吸才能發出充斥的、几乎窒息的近距。爵士樂中,黑市序列的爵士樂旋轉著不易的放任性,突出區域道德上的模糊性。系列中,不帶音樂調調整的畫面呼吸的意愿本身就是個有力的創意選擇,它表明在正確的環境下,沉默是所有事物中最能發出的声音。在節目中,你更可以讀到 安尼美新聞網在比斯塔斯音界的特徵。

魔鬼哭寶貝,

尤夏莎的《魔鬼之子》是一場影音熱夢,而由吴雄健介發出的電子音軌與表演的特性是分不開的。 尤夏莎在拒絕傳統管弦樂曲的評分後,做了一幅能反映系列中青少年的憤怒感的、合成的音場。 音樂的操作不像傳統的得分,更像一場连续的、心跳的搖晃,模糊了內情和外情的分線。 808年的曲目、反轉聲樣和无情的hihats把觀眾推向了同樣的狂躁过度刺激。

聲音設計也一樣粘著。 身體恐怖序列( limbs twisting, freeling) 由濕的、有機的 ⁇ 子來產生, 它們感到触覺不禁。 團隊故意避免了消毒效果, 選擇了强调惡魔變形的怪異物理。 相對常常被排在層層層的环境噪音或相爭的聲音元素之下, 迫使觀眾緊張和积极接触聲音。 在系列的毁灭性結論中, 烏希奧在關鍵時期部署近乎完全的沉默, 使聲音回歸的一陣具有毁灭性效果。 戴維爾曼·克裡巴比(Devilman Crybaby) 證明, 當導演員和作曲家完全致力于非常规的音效時, 結果可以是一種逃避智力分析,直接打擊到肚子裡的經驗。

日本信使:2020年-在災難面前的最小化

由於日本信子的作品「2020年」, 使用聲音不引起震驚, 而是使災難人性化。 來自Devilman Crybaby的撰稿人Ushio采用了截然不同的方法:少數、環境、常是不適合的安靜。 系列作品不僅是爆炸性管弦樂膨胀,而是靠著地震和海浪伴隨而生的自然聲音,而是低沉的构造轉變動、令人害怕的侵吞水面、破碎的基础设施的裂痕,以及比旋律更像呼吸的鋼琴和电子音。

這種限制迫使觀眾和角色一起面對災難的原始現實。 失去家人時,聲音設計不會引發感情操縱;它會拉回去,讓環境的噪音占上風。在一個序列中,聲音切斷到水下視線,然後完全不讓觀眾迷惑,把觀眾放在人物恐慌的頭部位置。 缺乏傳統的、情緒規定的分數會把判斷的重點轉移到觀眾人身上,讓悲傷感極為個人的感覺。日本信子:2020年,它说明了聲音設計如何能放大故事的真實性和情感誠實性,證明了當聲音立場時,其意義就更不真實。

多羅赫多羅 – Grit, Grime, 以及 Gree- Bending 音效

魔幻使用者在一個被污染的城市裡實驗了一個叫"洞"的城市的居民。 由作曲家(K)NoW NAME所設計的動畫音效身份用從金屬、工業、雷鬼和芯片中拉出來的流派音軌來承載這場混亂。 場景可能從殘酷的肢解轉變成了用搖滾吉他打擊的安靜的餐廳對話,而轉變也從來不覺得強迫,這就是漫畫的無所謂語氣的延伸。

聲音效果以相似的無政府精神分层。 肉體被魔法重塑, 蔡曼刀的金屬 ⁇ , 以及一個孢子像雪一樣落下的城市的环境噪音, 都用著一股迷幻的、几乎是脆脆的纹理來發射, 使這場景的美觀更加黯淡。 对话錄制也突出: 角色聲音常常會有一點扭曲或異常的回應, 反映出其超自然性, 產生一個常常見的, 潜意识的提醒, 提醒這不是一個正常的世界。 多羅希多羅的音效團明白, 表演的特性依赖于其聲音的感覺, 和視覺一樣不一樣, 以及他們發出的一種感覺真的活的混音。

Netflix 動畫中的金鑰音效設計技術

上面突出的系列分享了共同但有创意的應用技術,

  • 許多Netflix 動畫將角色能聽到的聲音元素-廣播、AI通知、響響的手機-當作故事的不可分割部分, 模糊了分數與世界本身之間的分數。
  • 沉默與負面空間: 策略沉默是用来建立緊張、突出人物的孤立或表示情感的中枢。 在一個有源性背景音樂的年代,讓一幕安靜地呼吸的決定是一種大胆的創意性言論。
  • 由數十條單行道組成的複雜環境床, 由遠方交通、電子哼聲、混亂的對話組成, 以產生如此厚厚的地區感,
  • Character Leitmotifs:[ 在Beastars和Vivy等系列中,特定器械或迷你語句附在個人角色身上,隨著它們的演化。這些主題會獎勵關注的觀眾,並增加人物弧度的深度 。
  • 非常规的樂器:[ 合成故障、扭曲的發現聲音、自訂的數位樂器,
  • 音樂的動畫:[ 作曲家不僅在背景中播放曲目, 常常會把音樂和屏幕上的事件對齊到框架。 時光轉移、突然的關鍵變更、突然的切斷都符合動作、呼吸甚至眨眼, 產生無缝的音效結合。

音樂元件描述與字元發展方式

演化的主角的歌唱聲帶領著整個主题曲的弧形;觀眾不透過所說,而是透過她所聽到的聲音理解她的長大。 在比斯塔斯,樂高的狼本能和溫柔的本性之间的冲突從來都沒有完全在對話中得到解决,這在音樂的推拉和吹捧中一直被浮現出來。 這些例子表明,音樂從情感的壁紙到音樂,是演绎故事的积极参与者。

這種方法讓觀眾的接触更加深入,讓不同的认知層層。當聲音設計反射出人物的心理狀態 — — 在恐慌攻擊中,或突然降聲到一瞬間,觀眾更親密地體驗故事。 聲音是一种引發的共識,它會取代智力的解釋和身體中的地盤。 隨著流動的時代,氣氛向全球觀眾推動,而全球觀眾可能不滿足每種文化的細節,聲音就成了一种普遍的情感語言。

也有人在Cyberpunk: Edgerunners等節目中創意使用授權音樂, 開發了新的叙事可能性。 精心選取的歌曲可以將整首角色弧压缩為三分鐘, 提供一個情感的捷徑, 原始的分數可能需要更久才能建立。 Netflix 顯示的挑戰是將這些曲目有机地整合, 而不讓它們感到像商業的中断。

Netflix 優點:全球人才和粗体實驗

Netflix的直接委托模式讓動畫工作室可以接触到国际作曲家、音效設計者,以及那些在典型的製作委員會系統下更難保障的錄音設施。 這導致了跨文化合作,帶來新的音效調色板,如山冈秋井的電子遊戲感知器,或者多羅赫多羅的雷鬼和金屬聚會。 平台愿意绿光實驗計畫,加上常聽高質耳機的觀眾,鼓励音效團构建出丰富、详细的音效,引起密切的注意。

另一個因素是全場發行格式。 因為Netflix anime是為Bingeing而設計的, 音效設計者可以設計一段相關的音效旅程, 使用長形的音樂弧和進化的音效處理, 而周一的空間會減少。 這個整体方法讓系列的音效身份隨時間而成熟, 產生了流動觀眾所期待的累计情感影響。

這種環境也讓 音軌成分中更大的冒險 , 由惡魔Crybaby的陰影電子a 或 日本信子的環境最小化: 2020 中可以看到。 造物者對符合流派期望的壓力更小, 造成音效可能會發出狂言、美麗或深深不安的聲音, 偶爾會突然出現。

Netflix Anime 中音效的未來

隨著動畫製作在全球的擴展,音樂和音效設計的作用將只會增加。 空間音效、物件混合和AI辅助音效產生等進展已經在劇場發表中實驗, 它們要滤過流動音效, 才有時才會有。 Netflix凭借其技術資源和創新欲望, 已完全適合領導此項。 下一個標題將更大胆的實驗: 以觀眾選擇为基础的變化的交互式音效、與虛擬聲學者合作組成的音軌、以及應應回放裝置和环境的調性混音。

人們仍需要一些在情感頻率上回應的故事。 具有最有創意的音樂和聲音使用的Netflix動畫提醒我們, 偉大的音效不只是被聽到的, 也是被感受到的。 從超現實的碧星爵士樂到日本信子的沉寂:2020年, 這些系列表明, 當作曲家和音效設計者被赋予了實驗的自由, 動畫超越了它的介质, 成為了完全的感知体验。 對那些愿意一心一意地聽的觀眾來說, 獎賞是深刻的。

更多探索聲音如何塑造現代動畫, [[FLT: 0]] 讀取Polygon對最佳動畫音軌的圍繞[[[FLT: 1] 和 [[FLT: 2]] Verge的評論: Edgerunners的音效影響[ 。