将一部热爱的书、漫画或游戏带入动画领域远不止是将文字翻译成图像。它要求理解叙事结构的作家与掌握视觉故事的动画工作室之间形成深层次的交织伙伴关系。 当这两种力量合力时,结果可以暴露出其源头材料,向新一代介绍故事。当冲突发生时,即使是最有希望的财产也感觉空洞。 审视作家和动画工作室如何共同创造出一种微妙的舞蹈,其中包含信任、创造性摩擦和共同的野心,塑造了电影或系列的每个框架。

动画故事的区别语言

为了欣赏合作,首先必须认识到动画不仅仅是用图画进行活动作。 它以自己的语法运作。 改编一部动画电影的编剧可能依赖于演员的表达和实际位置,但动画作家必须思考动作、夸张和不可能的物理。 人物的内部动荡可能变成他们家内部的一阵暴风;欢乐的时刻会弯曲重力的定律。 这种自由是一种天赋,但它要求作家提供动画团队可以使用的蓝图。 摄影棚的艺术家们也必须用眼光来解读这些蓝图,看它能够实现的媒体,而不能只看它所能复制的。

这种相互依存性始于早期。 作家们常常提供描述性笔记,这些笔记超越对话和行动——在表达、感官提示、甚至节奏上建议一个场景应如何感受。动画师然后用可以重塑剧本的概念草图反馈。 艺术部门可能将被称为“黑暗森林”的设定作为生物发光的奇境出现,而作家们很快调整了语气,以适应这种新的视觉语言。 这个循环是将通用的改编与超自然的区别开来的原因。

作家的作用:超越原文

一个常见的误解是,作家在改编中的工作纯粹是科幻的:不惜一切代价保护源材料。 在现实中,最受人赞誉的改编就是作家重新构思的改编,而不仅仅是保存的。 动画工作室寻找能够识别原作的情感核心,然后重建周围一切以适应屏幕的作家。

浏览源材料的内部逻辑

每个故事都有内在逻辑,这让自己感到真实。 在幻想小说中,这可能是复杂的魔法系统;在漫画中,它可能是特定的面板对面板间隔,从而产生悬念。作家必须精炼这种逻辑,决定必须保持僵硬和灵活。例如,当卡通萨隆将图形小说三部曲改编为时,编剧必须保留故事的不折不扣的现实,同时找到可以放大动画的视觉比喻。工作室的2D手绘风格要求一个没有留下的、情感上直接的和视觉上暗示的脚本。 编剧编剧在编剧中,沉默和视觉细节比对话更响亮的场面,相信动画家们填补空间。

通过性能潜力扩展字符

说词中,人物的思想很容易被传达。在屏幕上,这些思想必须成为行动、表达或声音。与动画工作室合作的作家学习如何像故事板艺术家一样思考。他们写出让动画师有明确物理目标和情感弧线的序列。 人物的恐惧可以通过颤抖的手来表现,动画师可以根据语气夸大为漫画或恐怖的序列。作家植树种;工作室会长树。比如,在莱卡,作家们知道与傀儡编织者一起工作,了解人物的面部如何移动,从而能够写出利用机械可能性来达到最大情感效果的场景。

动画工作室的创意引擎

动画工作室不仅仅是生产设施,而是具有自己房屋风格和故事哲学的创造性引擎。 当一个工作室进行改编时,它会通过艺术DNA过滤材料。 这可能成为摩擦或聚变的来源。

以世界建设为叙述性伙伴

作家可以在一段中描述市场;动画工作室必须制作、充斥和让市场充满活力。 这个世界建筑是讲故事的一种形式。 背景艺术家、彩色脚本家和布局团队做出成千上万的决定,影响观众的情绪反应 — — 温和、忧郁、尖锐的险恶角度。 编剧的剧本必须给这些贡献留有余地,而不会产生混淆。 一个精心编剧的场景可能会指出 : “ 市场正在崩溃,但一切都稍有松动,就像一个即将变酸的梦想 ” 。 该笔记给了艺术团队一个没有微观化的视觉细节的靶子。

技术革新和叙述性边界

有时,工作室的技术能力实际上改变了故事。当DreamWorks 改编 如何训练你的龙 时,飞行序列不仅仅是动作拍;它们成为了电影的情感中心。团队开发了一个飞行动画系统,让摄影机感觉它和无牙一起骑着。作家看到了早期的测试,重新编造了关键连接场景,以接近只有飞行才能提供的急剧的亲密关系。技术邀请了一个新的故事讲述层。在整个行业,Sony Pictures Animation 等工作室都推向了更多的图形,有条理的外观——思考 蜘蛛侠:Into the Spider-Verse [ ——这迫使作家接受一个更自我意识的、节奏复杂的剧本,与视觉创新相匹配。 众所周知的角色的改编就成为了对适应本身的评论。

协作工作流程:从页面到屏幕

虽然每个工作室都有自己的管道,但大多数成功的动画改编都出现了一般的合作模式.

预制片:作为合资企业的脚本和故事板

最初的权利获得后,编剧通常会制作一个处理,然后是初稿。 但是,从第一个故事板的传球中,动画师的手就出现了。故事板艺术家经常被称为电影的第一任导演;他们把剧本翻译为视觉序列,发现节奏、组成甚至新的笑话。编剧坐在机上,对视觉化后倒塌的场景作出反应。这是一个高度迭代的阶段。整个子画幅可能会消失,因为它干扰了视觉流,而一个新的画幅可能从单一的刺激性画中涌现出来。 合作是如此紧密,以至于许多动画的特征都归功于编剧和导演。

制作: 声音、布局和动画版编辑

动画组开始粗略的布局。 编剧的工作转向了叙述清晰的守护者。由于场景被挡住,对话可能需要调整或重新排序,以适应新的视觉时间。如果角色的目光传达了所有对话,那么编剧会剪线。 当选择更强的视觉时刻时,“杀死你亲爱的”阶段会减少痛苦。 在现阶段,摄影棚经常举行“湿盒”评论,导演、动画师和编剧观看正在制作的镜头,并无情地批评它。编剧的笔记则关注情绪节奏是否在降落,而动画师的记分点是否在移动、时间和光线上。 通过这一持续的对话,电影会发现它的节奏。

语音演员也成为合作者。 作家在听到表演者的自然节奏后可能会调整角色词汇。 在小王子的改编中,语音播音与剧本的相互作用是如此的流畅,以至于编剧在录制会话时基本上与演员们共同编剧,相信工作室日后会将新的由表演驱动的材料与动画序列混合起来.

生产后:最后织布

即使动画基本完成后,合作也不会结束。 编剧经常加入编辑会,以帮助塑造最终剪辑。音乐和声音设计可以揭示故事中的漏洞,即一个单行的ADR(自动对话替换)可以修复。 工作室的邮局可能意识到静静的时刻需要语音,编剧会回到手艺中,确保它与他们最初设想的弧线产生共鸣。 最后的编织就是这个改编真正成为统一作品的地方。

挑战与如何战胜它们

合作自然会引发冲突。创造性分歧是宣传最多的,但诸如日程安排和预算等普通问题同样具有破坏性。作家可能会抵制他们认为扭曲核心主题的视觉变化;动画师可能会抵制阻碍视觉诗歌的对话。最有效的团队会尽早建立明确的价值观等级:我们永远不能背叛的情感真相是什么? 将两者结合起来,就可以在其它一切问题上妥协。 在 Pixar ,“人才信任”机制为这一目的服务 — — 包括作家在内的所有部门都能提供反馈,从而在问题被锁定到制作之前就能够浮现出来。

另一个常见的挑战就是内部独白的改编。小说重在内观可以把动画工作室立木。解决方案往往在于将思维转化为视觉比喻——一种在改编中率先采用的技术,如[]瘟疫犬[3]],并在后来的作品中加以改进,如[Coraline[。作家和故事板艺术家脑暴符号可以取代反弹段落。这种共同解决问题的办法就是伙伴关系的发光之处。

案例研究:魔法工作何时进行

一些改编的电影作为作家-学生合作的大师级,为业界能够实现的目标提供了蓝图。

这些例子凸显出最持久的改编作品不是那些仅仅翻录一本书的改编作品,而是那些编剧和工作室互相挑战,要求更进一步.

作家与学生合作的未来

流线平台已经更新了传统的制作时间表, 通常要求更快的翻转和多个同时发生。 这给编剧和播音员的关系带来了新的压力。 动画系列改编的作家现在必须提供足够模块化的脚本, 足够多的动画单位进行工作, 但也足够团结, 感觉像一个统一的季节。 工作室必须提供清晰的视觉指引, 这样写作团队就可以将画面烤制成脚本。 实时游戏引擎等新工具也进入了管道。 工作室现在可以在几小时之内创建预视化, 意味着作家可以看到他们几乎马上的文字, 并且以惊人的速度走过。 这种更严格的反馈循环有可能加深合作, 或者如果不小心管理, 将它压垮掉。

人工智能是一个即将出现的变量. 一些工作室实验AI辅助的故事板,可以让作家在让人类艺术家参与之前先先对场景进行原型,虽然这可能会精简初始集思广益,但有可能取代创造最佳思想的人类摩擦。行业需要决定AI是合作者还是工具。最前瞻的工作室已经在起草准则,将作家-动画家的人际关系保持在中心,将技术看成是增强者,而不是替代者。

另一种转变是全球联合制作的兴起。 爱尔兰的动画工作室可能会为美国流媒体服务改造一个韩国的网络,作家遍布三大洲。 这需要同步合作平台,而不是淡化叙述。 作家必须制作“防导”的剧本,在不举行面对面会议的情况下,明确传达意图,同时让视觉艺术家们搭上钩子。 投资为作家和动画家提供文化顾问和浸润研究旅行的演播室将领跑下一波真实改编。

共同创造的精神

最终,作家与动画工作室之间的联盟不是交接而是持续的对话。 编剧提供骨架;工作室增加了肌肉、皮肤和运动。 当谈话尊重、好奇和渴望卓越时,改编就呼吸。 它成为尊重其起源的新作品,同时坚定地站立在自己的一边。 对观众来说,结果不仅仅是一个故事重播,而是一个故事重生 — — 证明两个不同的手艺融合了他们的优势后会发生什么。下次你观看动画改编,仔细观察语言和图像的相互作用。 机会是,你看到一个作家和一个动画师的无形握手,他们拒绝为共同的愿景而定居。