吉布利工作室在世界电影院占据着独特的位置。 它的电影不仅仅是动画片的特色,而是手动的宇宙,甚至风雨也带来情感重量。 这场魔法的核心在于传统模拟艺术家与数字创新之间深思熟虑的几十年舞蹈。 由宫崎孝雄、高屋雄雄和铃木俊雄共同创办的这个工作室从未将技术视为技术的替代品,而是技术的延伸。 这种心态让吉布利在故事需要时,在静悄悄地采用计算机工具来进行配色、堆肥甚至完全的CGI。 了解吉布利如何将这两个世界融合在一起,在迅速发展的产业中维护创意完整性方面提供了一流一流的优势。

铅笔的哲学

在探索数字面之前,必须理解为什么Ghibli仍然如此致力于逐帧手画。对于宫崎来说,铅笔线是艺术家心灵到屏幕的直接通道。他描述这一过程是“与整个身体一起画”,在轮廓中,甚至略微摇摆地传达生命。Studio Ghibli的动画依赖于一种名为的完整动画的动画,这意味着动画家为每个帧而创造一个鲜明的图画,而不仅仅是计算机产生的中间的钥匙。在典型的制作中,关键动画家首先生产 genga (QX]),定义一个场景运动的图画。这些图画随后被交给了中间的人物,他们设计了douga[(QX]),构建了行动的框架。 杜加今天,它被扫描到数字系统,但用油漆完成了几十年的透明单子,即使现在,性能完全开始在纸上。

这种人工操作方法让吉布利人物具有了难以想象的有机品质。像奇郎这样的角色在中被刻画的Away 并不只是移动;她会发现、绊倒和犹豫,而不是被设计。这种观察质量是刻意的。宫崎的团队经常拒绝动作捕捉或轮廓,认为它引入了机械的光滑,抹去情感的细微。相反,动画家研究现实-生命运动——一个穿鞋的孩子,一个老年妇女转头——然后通过记忆和同情的过滤重新解释它。结果就是动画,它呼吸。

吉布利背景的水彩心

与外观同样重要的是背景。 Ghibli的背景艺术划分功能几乎像传统的画作装饰。 艺术家们用纸上[ ] 的贴纸颜色[ (一种类似于古阿奇的日本不透明水彩) 来建造世界。 在 中, 我家邻居Totoro[[] , 晒晒太阳的乡村是用透明的洗刷和不透明的突出的图案分层建造的, 给叶片的光亮深度, 数字梯度是无法轻易复制的。 背景被涂成大尺度, 往往在B4 甚至A3 的纸上, 允许非常详细—— 个人的草片、在木柱上剥漆、 柔和的梯度。 这一手涂纹纹是吉布利电影时代的一个优雅的原因; 瑕和刷刷的微风产生几乎类似温暖, 高清晰的转移实际上不是暴露。

高屋伊绍导演对此更进一步。 因为,卡古亚公主的故事选择了一种草图、水彩和木炭美学,故意留下未完成的线条。背景艺术家们用湿润技术使颜料流出并开花,将整个电影与日本传统的墨水洗画捆绑在一起。 结果是一个动人的卷轴,而这个项目需要定制的数字管道,在混凝土过程中能够保存这些微妙的纹理 — — 这是吉布利数字化的采用将永远为模拟视觉服务的早期标志。

数码墨水和颜料的悄悄到来

吉布利工作室与数字工具的关系开始并非大申报,而是出现了一个实际问题:西布利的油漆变得稀缺,对环境有害。传统的西布利动画使用以化学颜料涂在反面的乙酸盐片。到1990年代末,日本制造商正在停止生产西布利,手绘数千天的劳动是巨大的。1997年电影 公主莫诺诺克[成为转折点。吉布利第一次使用数字墨水和颜料,在相当大的规模上,影片的镜头中大约10%是数字涂装的,主要是在复杂的恶魔-浮力效应和一些人群场景中。计算机允许微妙的颜色模型改变和复杂的透明工作,而西布利安无法实现。这次实验非常成功,因此,用数字墨水和颜料完全制作了Away(2001年),使用一个叫做[ Toonz(后来开发为开源版的)。

数字化的色彩本身并没有使图画数字化——动画师仍然在纸上画出每个框。扫描的杜加用一个字形和平板来涂色,但色彩学家往往是曾经使用过圆颜画的艺术家。他们把水彩色的感官带入软件,保留了微妙的变换,避免了在其他地方困扰早期数字动画的平面塑胶外观。吉布利制作了定制的彩色调色板,模仿了漆彩色的细微的不均匀,而且常常留下一个在最后合成图中可以看到的微弱的纸质。这种对物质性的注意确保了观众永远不会注意到这种转变。

混成:层层相交之处

如果数字化的色彩是一种无声的升级,那么混凝土就成为了创造性的放大器。 现代的Ghibli电影可以很容易地拥有数十层元素:手绘背景、几层人物的特征、尘埃粒子、雨、火和大气雾。 在阴险时代,层层导致图像退化,需要用细心的摄像机来制作多层飞机的钻机。 随着像Adobe After Effect 或专有工具这样的软件中数字混凝土,艺术家可以将所有层次结合起来,而不会质量损失,并实时调整照明、田间深度和阴影。

这使得视觉效果变得几乎不可能。 在Howl的移动城堡中,三角城堡是由许多单个机械部件组成的复合体,这些部件最初都用纸画成,然后组装成数字复合体,这样烟、蒸汽和运动模糊就可以无缝地添加。 在Ponyo中,海暴和撞浪被宫崎美美美以数字透明的方式合成,以制造无数鱼和水滴独立移动的幻觉。 工作室的复合器常常将其作用描述为“数字照明 ” , 将屏幕视为控制大气扩散、光线和色调的舞台,以支持所绘背景,而不是过度的能量。

宫崎不情愿地拥抱CG

宫崎悦男公开发表的关于CGI的言论颇具刺耳。 他曾经在看到AI生成的动画片后评论说,这“是对生命本身的侮辱 ” 。 然而,他自己拍摄的电影越来越多地将3D计算机图形用于特定、往往是普通目的。 区别是关键的:宫崎悦男不拒绝这一工具;他拒绝机器可以取代人类观察的观点。 在 Spirited Away 中,3D CG被用于顶替零战斗机的精密发动机牛和着陆装置,因为这些机械部件需要精确、一致的旋转,手推式将挣扎保持流动。

CG最明显的融合可能发生在 The Boy and the Heron (2023). 电影的鹦鹉和最引人注目的是Warawara浮魂是3D模型,但它们的重量和约束程度与2D字符相同。Ghibli动画家与CG团队密切合作,使Warawara有一个软的,圆的,几乎是面糊的纹理,然后涂在了重新引入线艺术和水彩阴影的地块上。 这是一个混合体,计算机在其中进行重举旋转和规模,但人手将每个框架都最终确定。 Studio Ghibli的官方网站 偶尔展示出这些序列是如何构建的制作日记,而基本哲学则依然:技术为绘画服务,绝不是其他方式。

3DCG实验: 埃尔维希和女巫.

电影完全使用电脑生成的角色和环境, 发生了激进的转变。 关键的反应是混合的, 但项目揭示了吉卜力的内部文化。 宫崎五郎认为,为了让工作室生存,需要掌握数字管道的年轻艺术家们才能生存。 电影是用一个刻意有限的预算和一个小团队制作的,作为训练场和概念的证明。 虽然结果缺乏手绘魅力,但制作团队采用了不寻常的技巧来注入温暖:模型被软的、分散的照明,面部表情是研究经典吉卜力人物表的动画家的关键框架。 从许多方面来说, Earwig 不如研发实验室的完整发言,而是用新的工作流程来将3D背景和效果融入未来电影。

这种务实的双重性 — — 既能吸引小团队的手绘,又能探索工作室的更大模式。 Ghibli并没有将工作室的流程集中到单一技术上。 不同的项目有不同的需要,工作室的深层工艺专长为导演提供了选择的自由。 卡通·布鲁[关于制作 Earwig的报告强调即使在全CG电影中,故事板、剪切和时间也严格遵循了几十年来Ghibli的电影节奏。

在数字管道中保持人类接触

工作室最担心的一个问题是辅助工具的“不可思议谷 ” 。 为了抵消这种情况,它们创造了一个将自动化降到最低的管道。 比如,内部动画工作室仍然通过手画。 许多商业动画工作室使用软件插图来生成中间帧,但吉布利的中间动画工作室则用说明动作加速或减速的计时图来绘制每个帧。 计时图基本上是一个音乐分数,而中间的人物必须感受到角色的重量。 没有任何算法能够解释宫崎的笔记“慢下来,每次都微摇 ” 。 这种对人类间距的承诺是昂贵和缓慢的 — — 工作室每月只产生几分钟的完成电影 — — 但它却产生世界级的运动。

同样,颜色和纹理也是手工选择的。 当数字色学家在人物的服装上工作时,他们不会使用填充桶。他们应用带有模仿画笔方向的纹理的颜色,留下微妙的不透明度变化。工作室从物理和数字上记录了每个颜色模型,因此,多年后可以参考托托罗夜空的蓝色。 OpenTonz , 吉布利共同开发并在2016年免费提供的扫描和色素软件包括“吉布利动画设置”等功能,即复制在工作室完善的扫描伽玛和线性保存算法的预设。 Ghibli通过开放的外包,将其管道哲学与世界分享,证明他们的传统和技术的融合并不是贸易秘密,而是一种关照的标准。

音响设计和数字握手

传统的和数字的相互作用超出了视觉。 吉布利的声音设计在精神上是著名的模拟——许多环境效应是人造的fole,但录音、编辑和混合完全是数字性的。乔·希赛希的管弦乐乐谱是现场记录的,但是它们掌握了并被空间定位在Pro Tools中,以匹配手绘图像。 在风起中,地震的咆哮是通过记录人类声音的合唱和数字层来模仿地球的隆隆起。 福莱艺术家为脚步而碾碎碎的碎石与原始的数字搅拌机的矛盾反映了动画部门的工作流程。 在你所看到的任何地方,模拟起源都得到保存,但通过现代渠道传送。

创意产业模板

工作室Ghibli的方法已成为其他工作室乃至电影外设计领域的参考。 高清、混凝土、资产管理等数字工具可以积极提高效率,而同时大力保护手工制作的核心,这种想法现在已是一个公认的方法。 电子游戏开发者在向CAD 展示同样的哲学之前为3D模型或建筑师绘制手绘纹理。Ghibli的关键教训是技术决定艺术成果的时刻是失落。通过让导演、动画师和画家负责每个最终决定,工作室都使用计算机作为高端制作助理,而不是共同制作人。 英国电影研究所发表了对宫崎工作方法的深刻分析,强调这一平衡。

吉布利的混合型飞船的未来

宫崎现在已经80多岁了,工作室将指挥棒传给了年轻的导演,因此,Ghibli如何在技术上演化的问题很紧迫。工作室有意地缓慢扩张,更倾向于保持制作单位的小型和学徒模式的完整。Hiromasa Yonebayashi()等新导演已经用数字工具成长,但仍在旧系统下接受训练。未来电影可能会看到3D背景的融合,以进行摄影运动,因为事实证明这是一个无争议的胜利。与此同时,Ghibli不太可能放弃手绘人物动画,而手绘人物动画仍然是他们的核心不同人物。[的2023年发行,男孩和赫隆[[,其手绘主角和3D辅助元素的组合,建议永久、舒适地共存。

也许最能说明问题的是东京市美中町的吉卜利博物馆,该馆在展示动画精品、背景画和故事板的同时,还展示着Zoetropes等交互式光学玩具。 博物馆的礼品店出售手绘背景明信片。 没有任何专用于软件的片段,然而博物馆的短片是使用与特色相同的混合管道制作的。 信息是明确的:技术是工具,而不是主题。 只要吉卜利艺术家在画画画时找到欢乐,那就仍然是每部电影的第一步,而数字增强则恭敬地紧跟在后面。

  • 手拉式关键框架和中间的键盘仍然是基础。
  • 数字墨水和油漆在不牺牲纹理的情况下取代了有毒的圆环.
  • 3D CG被节制用于复杂的机械和相机运动.
  • 自定义堆肥软件在不平整图像的情况下,创造大气深度.
  • 开放源代码共享 OpenTonz 在全球传播吉布利的管道理念.

吉布利工作室的平衡不是妥协而是刻意的舞蹈。 通过将每一个技术增加都当作新刷子而不是新引擎,工作室确保电影 — — 无论是在灵灵的浴池里还是移动的堡垒里 — — 总是感觉自己被人类吹到屏幕上。 对于任何媒介的创造者来说,这是最终目标:让工具消失在视觉背后。