工作室Ghibli如何将传统技术和数字技术结合起来

吉布利工作室在世界电影院占据着独特的位置。 它的电影不仅仅是动画片的特色,而是手动的宇宙,甚至风雨也带来情感重量。 这种魔法的核心是传统模拟艺术家与数字创新之间深思熟虑的几十年舞蹈。 由宫崎孝雄、高屋雄雄和铃木俊雄共同创办的这个工作室从未将技术视为技术的替代品,而是技术的延伸。 这种心态让吉布利保留了手绘动画的触觉温暖,同时在故事需要时悄悄地采用计算机工具来配色、堆肥甚至完整的CGI。 了解吉布利如何将这两个世界融合在一起,为快速发展的产业维护创意完整性提供了顶尖的一流。

铅笔的哲学

在探索数字方面之前,必须理解为什么吉卜利仍然如此致力于逐帧手画。 对于宫崎来说,铅笔线是艺术家心灵到屏幕的直接通道。 他形容这一过程“与你全身一起摇摆 ” , 哪怕是轮廓中稍微摇摆的一团,它传达着生命。 Studio Ghibli的动画依赖于一种叫做“你的身体”的方法。 完整动画,意思是动画师为每个帧创建了不同的图画,而不只是计算机生成的介于中间的键形。在典型的制作中,关键动画师首先制作 根加语Name 将画作画作的画面,然后交给中间的人物,他们设计 杜加语Name (QQ), 连接动作的帧。 杜加今天被扫描成数字系统, 但几十年来, 工作都是用油漆完成的。 即使现在, 角色表现的核心完全从纸面开始 。

手动操作让吉布利字符具有不可思議的有机品质。 灵魂离开 宫崎的团队经常拒绝动作捕捉或轮廓,认为它引入了机械的光滑,抹去情感的细微。 相反,动画师研究现实生活运动 — — 一个穿鞋的孩子,一个老年妇女转头 — — 之后通过记忆和同情的过滤器重新解释它。

吉布利背景的水彩心

与外观同样重要的是背景。 Ghibli的背景艺术分工几乎像传统画作的食人器。艺术家们使用 海报颜色 (一种日本不透明的水彩,类似于古阿奇) 纸上可以构建世界. in. 我的邻居东藤郎阳光晒过的农村是用透明的洗涤和不透明的突出线分层建造的,使叶片的深浅无法轻易复制。背景被大规模地描绘,往往在B4甚至A3的表上,允许非常详细——个别的草片、在木柱上剥漆、细微的紫色天空的柔软梯度。这种手工涂抹的纹理是吉布利电影时代的优雅原因之一;不完善和刷刷的抽打产生几乎类似温暖,高清晰度的转移实际上可以增强而不是暴露。

高屋三郎局长更进一步推了一遍 高贵公主的故事画家们都认为,这幅画是一幅画,他选择了草图、水彩和木炭美学,故意留下未完成的线条。 背景艺术家们用湿润的技巧工作,让颜料流出并开花,将整个电影与日本传统的墨水洗画捆绑在一起。 结果,画卷是动人的,项目需要定制数字管道,在混凝土过程中可以保存这些微妙的纹理 — — 早期的标志是吉布利的数字化将永远为模拟视觉服务。

数码墨水和颜料的悄悄到来

吉布利工作室与数字工具的关系并非始于大公告,而是一个实际问题:西装漆越来越稀缺,对环境有害。 传统的西装动画使用以化学为原料的涂料在反面涂装的乙酸盐床单。 到1990年代末,日本制造商正在停止生产西装,手绘数千天的西装所需的劳动是巨大的。 1997年电影的拍摄过程是一部“西装”电影。 摩诺诺克公主 吉布利首次使用数字墨水和颜料,其规模相当大。 影片的镜头中约有10%是数字化的,主要是复杂的恶魔-飞弹效果和一些人群场景。计算机允许微妙的色彩模型变化和复杂的透明工作,而这种变化和透明工作是无法完成的。 灵魂离开 (2001年)完全用数字墨水和油漆生产,使用一种称为“水”的系统。 东兹 (后来发展为开源) 打开Tonz,而吉布利自己帮助释放).

数字化的涂色本身并没有使图画数字化——动画师仍然在纸上画出每个框。扫描的杜加用一个字形和平板来涂色,但色彩学家往往是曾经使用过圆彩颜料的艺术家。他们把水彩色的感官带入软件,保留了微妙的变换,避免了困扰其他地方早期数字动画的平面和塑料的外观。吉布利制作了定制的彩色调色板,模仿了漆彩色的细微的不均匀的色调,而且常常留下一个在最后合成中可以看到的微弱的纸质。这种对物质性的注意确保了观众永远不会注意到这种转变。

混成:层层相交之处

如果数字化的色彩是一种无声的升级,那么混凝土就成为一种创造性的放大器。 现代的Ghibli电影可以很容易地拥有数十层元素:手绘背景、几层人物的特征、尘埃粒子、雨、火和大气雾。 在阴阳时代,混凝土导致图像退化,需要用精确的摄像机来制作多层飞机的钻机。 有了像Adobe After Effect 或专有工具这样的软件,艺术家可以将所有层次的混凝土组合起来,而不会质量损失,并实时调整照明、场深度和阴影。

这使得视觉效果在之前几乎不可能发生。 哈尔的城堡正在移动, 三角城堡是由许多单个机械部件组成的复合体,每个部件最初都画在纸上,然后组装成数字复合体并进行动画化,这样烟、蒸汽和运动模糊就可以无缝地添加。 波妞 鲍妮摄影棚的制作者们经常将海风和坠海的波浪描述成“数字照明 ” , 将屏幕视为控制大气扩散、光线和颜色和谐的舞台,以支持所绘背景,而不是凌驾于其身后。

宫崎不情愿地拥抱CG

宫崎悦男公开发表的关于CGI的言论颇具刺眼。 他曾经在看到AI制作的动画片后评论说这“是对生命本身的侮辱 ” 。 然而,他自己拍摄的电影却越来越多地为特定、往往是普通的目的使用3D计算机图形。 区别至关重要:宫崎悦男并不拒绝这一工具;他拒绝机器可以取代人类观察的观点。 灵魂离开,3D CG被用于正交浴场内部,具体来说,是用于照相机穿过大楼的复杂高地,这本来是一个令人心智惊异的视角绘图任务。3D几何图是用手绘纹理图制作的,因此它与2D背景无缝地混合。 风起云起CG模拟了零战斗机的复杂引擎 牛和起落架, 因为那些机械部件需要精确, 一致的旋转,手绘会很难保持流畅。

也许CG最明显的融合发生在 男孩和赫伦 2023. 影片的鹦鹉和最引人注目的是瓦拉瓦拉浮魂是3D模型,然而它们以和2D字符相同的重量和约束力移动. 吉布利动画师与CG团队密切合作,使瓦拉瓦拉的纹理柔软,圆形,几乎是丰满的,然后涂在地上,重新引入线条艺术和水彩阴影。 这是一个混合体,计算机在其中进行旋转和尺度的重举,但人手将每个帧都最后确定。 工作室官方网站 有时会展示出显示这些序列是如何构建的制作日记,而基本哲学则依然:技术为绘画服务,绝不相反.

3DCG实验: 爱维希和女巫

没有讨论Ghibli和数字工具, 爱维希和女巫 宫崎五郎(2020年)执导,影片完全使用计算机生成的人物和环境制作,这是激进的偏离。批评反应是混合的,但项目照亮了吉布利的内部文化。宫崎五郎认为,为了生存,年轻艺术家需要掌握数字管道。影片的制作是用刻意有限的预算以及一支小团队,作为训练场和概念的证明。虽然结果缺乏手绘魅力,但制作团队采用了不寻常的手法来注入温暖:模型被软的、分散的照明点亮,面部表情由研究经典吉布利人物表的动画师按键。在许多方面, 埃尔维希 与研发实验室相比,它不是一个完整的语句,它为将3D背景和效果纳入未来电影而铺开新的工作流程。

这种务实的双重性 — — 既能抚摸手绘的手法,又能让低年级团队探索工作室的全CG — — 模仿工作室更大的模式。 吉布利并没有将其过程集中到单一技术上。 不同的项目有不同的需要,工作室的深层工艺专长也给予导演选择的自由。 卡通布鲁的报告 制作时的 埃尔维希 突出地说明即使在一部全CG电影中,故事板刻,剪辑,以及时间的设定都严格遵守了电影节奏吉布利几十年来的发展.

在数字管道中保持人类接触

工作室最担心的一个问题是辅助工具的“不可思议谷 ” 。 为了抵消这一点,它们创造了一个将自动化降到最低的管道。 比如,中间的管道仍然由手绘制。 许多商业动画工作室使用软件插图生成中间帧,但吉布利的中间帧则用说明动作加速或减速的计时图绘制每个框架。 计时图基本上是一个音乐分数,中间的人物必须感受到其重量。 没有任何算法能够解释宫崎的笔记“慢下来,每次都微摇 ” 。 这种对人类中间的保证既昂贵又缓慢,也就是工作室每月只产生几分钟的完成电影,但它却能产生世界级的动作。

类似地,颜色和纹理都是手工选择的。 当数字化的色彩学家在人物的服装上工作时,他们不会使用填充桶。 他们用模仿画笔方向的纹理来涂色,留下微妙的不透明度变化。 工作室从物理和数字角度记录每个颜色模型,因此多多罗夜空的蓝色可以在数年后被引用。 打开Tonz吉布利公司在2016年共同开发并免费提供扫描和涂色软件,包括“吉布利动画设定”等功能,这个预设复制了在工作室完善的扫描伽玛和防线算法。 吉布利通过开放外包,将其管道哲学与世界分享,证明他们传统和技术的融合不是商业秘密,而是一种谨慎的标准。

音响设计和数字握手

传统的和数字的相互作用超越了视觉。 吉布利的声音设计在精神上是著名的模拟——许多环境效应是人造的fole,但录音、编辑和混合完全是数字的。 乔·希塞希的管弦乐乐谱是现场记录的,然而它们却掌握了Pro Tools的空间定位,与手绘图像相匹配。 风起云起地震的咆哮是通过记录人类声音的合唱和数字化的分层来创造的,以模仿地球的隆隆。一个佛利艺术家为脚步而压碎碎的砾石与原始数字混合控制台之间的紧张关系反映了动画部门的工作流程。无论你看哪,模拟起源都保留下来,但通过现代渠道传送。

创意产业模板

工作室Ghibli的方法已经成为其他工作室乃至电影外设计领域的参考。 高清、混凝土、资产管理等数字工具可以积极提高效率,而同时大力保护手工制作的核心,这种想法现在已是一种公认的方法。电子游戏开发者在向CAD 展示同一哲学之前,先为3D模型或建筑师绘制手绘的纹理。Ghibli 的关键教训是,技术决定艺术成果的时刻是失落。通过让导演、动画师和画家负责每个最终决定,工作室都使用计算机作为高端制作助理,而不是共同创作者。 英国电影学院发表了深刻的分析 宫崎先生,强调这种平衡。

吉布利的混合型飞船的未来

宫崎现在已经80多岁了,工作室把警棍传给了年轻的导演,因此,吉卜利如何在技术上演化的问题就很紧迫了。 工作室有意地放慢扩张速度,更倾向于保持制作单位的小型和学徒模式的完整。 更新的导演如弘马·延林(Hiromasa Yonebayashi)等(Hiromasa Yonebayashi, )玛妮在那里的时候),已经用数字工具成长,但仍在旧系统下训练. 未来电影可能会看到更多3D背景的融合,用于相机移动,因为这已被证明是无可争议的胜利. 同时,Ghibli不太可能放弃手绘角色动画,而手绘角色动画仍然是他们的核心不同者. 2023年发行的"相机". 男孩和赫伦, 加上它的手绘铅字和3D辅助元素的混合, 暗示一种永久的,舒适的共存.

东京美中博物馆或许是最有说服力的标志。 博物馆的礼品店出售手绘背景明信片。 博物馆的短片没有软件专栏,而是使用与特色相同的混合管道制作。 信息是明确的:技术是工具,而不是主题。 只要Ghibli艺术家在画画时找到欢乐,那就仍然是每部电影的第一步,而数字增强则会紧随其后。

吉布利工作室的平衡不是妥协而是刻意的舞蹈。 通过将每一个技术增加都当作新刷子而不是新引擎,工作室确保电影 — — 无论是在灵灵的浴池里还是移动的堡垒里 — — 总是感觉自己被人类吹到屏幕上。 对于任何媒介的创造者来说,这是最终目标:让工具消失在视觉背后。