确定阶段:战后日本城镇和独特友谊的诞生

1966年夏初,日本人将“Slope”上的孩子(原日本人头衔)放入长崎的Sasebo沿海小镇Sakamichi no Aporon ) 。 这个国家仍在摆脱战争的阴影,西方的影响,特别是爵士乐,正在城市青年文化中肆虐。 此处,一位内向、被尊崇的荣誉学生Kaoru Nishimi作为永久转学学生来到日本。他父亲的海上工作迫使家庭无情地转学,留下了Kaoru的情感戒备和习惯于孤独。 他的古典钢琴训练为他提供了私人避难所,但他却没有激情地演奏,用技术精度衡量他的价值。

与川渊森太郎见面的那天,他的世界陷入了混乱之中,他是一个被称作罪犯的失败者,经常是学校周围的逃生同学。 森太郎在屋顶上闲逛,在临时装箱的罐子和桶上打鼓,完全被节奏吸收。 他们的第一次遭遇是:川渊被森太郎的野性所击退,但却被他的鼓的原始能量所吸引。 这种受纪律约束的古典音乐家和本能爵士演奏家之间的紧张关系成为了故事的引擎,创造了一种远远超出单纯友谊的动力。 小镇本身,拥有狭窄的巷子、山坡楼梯和由木凯家族经营的唱片店,成为了日本古老传统和输入美国凉爽的场所。

三个核心人物——高卢、森太郎和里子——很快被地下室爵士乐的引力拉拢在一起。 高卢在当地唱片店偶然陷入了一场果酱,在那里,森太郎几乎充满了暴力的喜悦,温柔的班级代表里子静静静地站着。在这个拥挤的尘埃空间里,高卢孤独的屏障开始破碎。他坐在钢琴上,尽管他的古典手指很僵硬,但还是被邀请加入。 这首歌是Art Blakey的“Moanin ” , 也是高卢第一次真正品味的即兴音乐对话,因为错误成为可能,倾听的问题比页上的记录更多。 从这开始,爵士乐成为系列所表现的每一段情感启示的催化剂。

爵士乐作为叙述性设备的解剖学

故事中“Slope” 上的孩子除了其他的“FLT:1 ” 外,拒绝把音乐当作仅仅是背景装饰。 爵士乐是叙述的血液流,其结构原理——合成、呼唤和回应、独奏、摇摆——在故事中的变化和人物互动中被反映出来。 导演渡边信一(Shinichir)已经庆祝了把音乐和故事融合到[ 牛仔贝布和[ Samurai Champloo,在此进一步推展出:表演并非刚刚进入爵士乐;它像爵士乐的构成 。

考虑使用果酱会话。在典型的剧集中,角色可能会争吵、误解或感觉孤立,然后表演场面会解决情绪紧张,而无需对话。音乐本身就负责说话。当森太郎和熏露第一次演奏二重奏时,他们最初的节奏摩擦 — — 刚开始按照古典主义的时间安排,森太郎推拉节奏 — — 反映了他们相互冲突的个性。他们已经脱离同步,直到熏露放弃了音乐的思维,开始感受到这种气息。 解答并不是完美的表演,而是真实的表演,而随之而来的情绪的涌现比任何对话都更紧密。

系列还采用了具体的爵士乐标准作为主题主播。 比如,微妙的舞曲“我的最爱之物”强调了怀旧的渴望和初恋的痛楚。 摇摆的“但不适合我”成为了无谓的爱的歌,其欢快的旋律讽刺地突出了人物的浪漫挫折感。 与此同时,迈尔斯·戴维斯的“四”的爆炸性能量或“鸟地摇篮”的心灵呼喊伴随着剧组作为表演者不断增强的信心。 选择每一首曲子并不是因为其古老的风味,而是因为它能够表达人物们无法高声说话。 这种层次化的方法将观众的观感知转化为像听概念专辑一样的东西,在其中邀请观众去感受故事,而不是简单地分析故事。

⁇ 西米光:学习感受的古典神童

熏衣之旅是系列的脊椎。 当我们见到他时,他是一个完全由防御墙建起的男孩。他身穿像盔甲一样的学术精华,他的古典训练也教他,一个错误的音符就是失败。 他的母亲不在,父亲在遥远的地方,他精通离开地方的艺术,却不留下自己的一部分。 然后森太郎和爵士乐挑战了他所相信的音乐和联系的一切。

熏菜早期尝试爵士乐几乎是痛苦的。 他因节奏不完美地坐在条线内而跌倒。 他的手指,如此严谨地用肖邦语来形容行走低音的摇动脉搏。 然而,在这些笨拙的、暂时性的干扰会议中,发生了一些令人瞩目的事情:他开始反弹。 他看着森太郎的身体语言,鼓手的肩膀在填满前就升起,他学会了预测、回应和倾听。 这种笨拙的背力是爵士的心脏 — — 这是卡欧鲁第一次真正与另一个人联系。

他的情感成长与音乐剧的成长密不可分。 当他为理子而苦心,无法表达他的感情时,他就会把渴望投向钢琴。当他感到嫉妒对森太郎的刺痛时,他发出比他不敢说话的声响更激烈的和弦。 在节目高潮中,学校节的现场表演成为了熏武的自我宣示。 到那时,他已经知道音乐不是完美,而是诚实。 曾经躲在巴赫背后的男孩现在演奏了一场混乱、脆弱和完全属于他的独奏。 观众们的掌声是次等的,真正的胜利是熏武终于允许自己被看到。

川渊森太郎:无声伤痕的鼓手

诚太郎是寂静的风暴,而森太郎则是雷击。 在表面上,他似乎与主角的对立:大声、身体、叛逆和对权威过敏。 他跳过课、打斗、用不脱光的香烟从嘴唇上挥舞在街头。 但森太郎的强硬是保护深处脆弱井的一发脆壳。 被母亲抛弃,他被一个善良但年老的祖母抚养长大,他带着失去唯一家人的无言恐怖。 他的混合传统 — — 他的父亲是一名美国水手 — — 使他在仍保守的日本成为外来者,他学会了先拒绝社会,从而先阻止排斥。

爵士乐成为森塔罗的生命线。 在鼓乐套背后,他混乱的能量找到了目的;他的愤怒变成了节奏。 他崇拜像Art Blakey这样的传奇鼓手,不仅因为他们的技术能力,而且因为他们有能力从乐队后排领头和沟通。鼓声是任何综艺的心跳,森塔罗也以激烈的严肃态度承担了这一责任,即使他不能阐明这一点。 他的演奏是原始的直观的,常常是令人惊奇的鲁莽,但这种演奏是永远不小心的。

系列的精彩之处与森太郎的鼓手接受帮助的斗争相似。 作为鼓手,森太郎习惯于支持他人,握住沟壑,很少步入焦点。 在生活中,他坚持独自承受负担,即使重量变得难以承受。 关键的弧形涉及到突然的家庭危机,森太郎的本能是消失,让朋友免于痛苦。 只有光和理子拒绝让他消失 — — 相当地通过音乐追踪他 — — 才理解他并不是一个负担。 他们的重聚干扰 — — “Moanin”的心脏移植 — — 不仅仅是音乐亮点;它是一种值得冒险的言论。

月子和心的静静力量

经常在系列的讨论中蒙上阴影的是里子,她远不止是被动的爱情兴趣,她是情境的主宰,她把三重奏拉在一起,即使她自己的感情有可能撕裂她。 唱片店老板的女儿,她已经成长,周围是阴森袖子和爵士乐的低调,她对音乐有着深刻的直觉理解,而男孩们都完全掌握了这种理解。 当表演被迫与它飞涨时,她能够感觉到,而她安静的鼓励往往是男孩们需要的催化剂。

理子的到来是学习重视自己的声音。 她最初定义自己与他人的关系:她是可靠的同学、支持性朋友、暗恋仙太郎而暗恋她的女孩,而熏衣郎却暗恋她。 三角恋是用微妙的、忧郁的现实主义处理的,避免了旋律。理子不是策划或操纵的;她只是像许多青少年一样,在渴望一个可能不回报自己感情的人,而知道她无意中伤害她深爱的人。

她的代理角色并非在盛大的音乐展上出现,而是在静静的决意中。 她选择诚实而不是虚伪,尽管结果很苦涩,但她却以更强烈的自我意识出现。 到了系列结束时,丽子进入了一个不是浪漫主义而是自己对音乐和社区的热情所定义的角色,成为了将唱片店保留为聚集场所的动力。 她的性格是美丽的提醒,即将到来的年龄并不总是响亮的;有时是学会唱歌的最安静的人。

1960年代的爵士乐文化景观 日本

为了充分理解节目的反响,它有助于理解现实世界。 在20世纪60年代,日本正经历着爵士乐的繁荣。 美国占领后,称为jazu kissa的爵士咖啡馆在城镇中推广,为年轻人提供了可以聚集、聆听进口记录和讨论政治、艺术和自由的空间。 这些昏暗的烟雾室成为挑战日本传统等级和约束规范的反文化的孵化器。 雅兹的根基是非裔美国人的表达方式,强调集体内部的个人即兴,提供了一种激进的社会模式。

斯洛普上的孩子们以惊人的真实性抓住了这个文化时刻。 里子的父亲穆凯唱片公司经营的唱片店是一个经典 jazu kissa[,除了名字之外——青少年可以在此对桑尼·罗林斯对约翰·科尔特兰(John Coltrane)展开辩论,那里是神圣的,成人监督是随意的,但又很关心。 系列不仅点名了著名音乐家的名字;它还涉及到音乐的哲学意义。 当人物争论的是酷酷的爵士乐或硬的音响是更真实的时,他们真的在与身份问题:一个是否是平稳的,还是一个原始的和脆弱的? 答案是,两者都是在一个人生命的不同时刻都是真的。

这一历史基础也揭示了剧中对森太郎混合的“种族”身份的处理。 长崎的美军基地的存在意味着日本妇女和美国军人的子女是一个显而易见的、常常被边缘化的社区。森太郎的外人身份并不是阴谋诡计,而是反映一个痛苦的社会现实。 通过使这个角色成为爵士鼓手 — — 无论是从字面上还是象征性地都是日本和美国文化融合的产物 — — 表演尊重音乐本身的复杂遗产,而音乐本身是非洲节奏和欧洲乐器混合而成的。 为了进一步探索jazua的历史作用,读者可以访问Nippon.com在日本爵士咖啡馆的特色。

视觉韵律和适应艺术

由 MAPPA 和 Tezuka Productions 制作的动画将爵士乐的活力转化为视觉语言,并具有令人叹息的技巧。 演播室的会话不仅作为人物演奏乐器,而且作为运动的流流流——从森太郎的头发上流汗,熏武的手指在键上颤抖,一个单拍的框框里被捕获的 ⁇ 的颤抖。 系列经常使用一种手法,手脚的近距离显示,将音乐制作的物理力学隔离起来,直到它们成为抽象的舞蹈。 这一焦点将表演的行为转化为整个节目中最情感亲密的时刻。

彩色调色板和照明设计同样扮演着关键的角色。 地下室的果酱空间被温暖的琥珀和深层阴影所沐浴,这激起了真正的爵士俱乐部的浓郁。 相反,萨塞博的学校走廊和街道都是用苍白的蓝绿色装饰的,强调人物与传统世界的隔离感。 开场顺序设定在推进的原轨“Sakamichi no Melody ” 上,是视觉故事中的大师:高卢、森太郎和里子的尖端的斜坡度,最后在音乐摇摆的时刻走到一起。 它提示了人们的观点,这不是一个关于到达目的地的故事,而是关于攀登自己的故事,即绊脚石、暂停呼吸、以及与他人一起走的欢乐。

诺布泰鲁·尤基的人物设计是扎实的,表现得非常灵活,没有夸张的动画。 熏衣的肩膀和低头的眼睛都表现出了他的焦虑。 森太郎的松散、走得很快,笑起来时头朝后扔。 理子温柔、常常哀伤的眼睛讲述了她内心的生活。 细腻的艺术承诺确保了当人物们确实达到情感的顶峰 — — 无论是高呼的忏悔还是钢琴的撕裂 — — 影响是赢得的,也是毁灭性的。

一代之声: 渡边新一导演兼康野洋子编剧

没有任何关于] 斯洛普上的孩子[是完整的,没有承认导演渡边信一和作曲家关野洋子的合作,他们在牛仔贝波[的传奇作品之后的重聚。Kanno,一个音乐多摩斯,他从管弦乐史诗到实验电子乐的所有作品都取得了成绩,他作为爵士乐史的作曲家和学生接近该项目。她不仅记录了现有的标准,而且与一位世界级爵士乐演奏家——包括钢琴家松永和鼓手的松永雄本人——合作,以惊人的年轻才华创造出活生生生生的表演。他们在一个单间录制录音,麦克风不仅记录了演奏者的气息和生生生生的琴架,还震动的钢琴工具。你们可以听到这样的区别:这些不是无菌的录音室音轨迹,而是呼吸。

渡边的导演本能将材料提升到超越了简单的青少年戏剧。他相信沉默是声音。一些系列最尖锐的时刻在笔记间或长而持久的表情中展开,而一个角色却在背景中轻轻地旋转。他还表现出了与浪漫情节的显著克制,拒绝把一切都完美地捆绑起来。观众有一个令人痛心的结论:人们纷纷离散,环境又分开,但他们分享的音乐仍然是永久的纽带。对于对系列背后的创造性过程感兴趣的人来说,可以在Anime新闻网上找到对渡边的深刻采访。

为何系列耐久:在同情和艺术中的经验教训

最初播出了十几年后, 斯洛佩上的孩子继续吸引新的观众, 其耐力可以归功于它的激进同情。 系列不评判其人物的缺点, 给予每一个角色与爵士乐一样的优雅, 错误的音符不是惩罚错误, 而是新事物的开场。 残忍的男孩不是邪恶而是伤害。 被动的女孩不是软弱的, 仅仅是等待发言许可。 这种精神的慷慨在任何媒介中都是罕见的, 这使表演真正治愈。

这场演出也成为了爵士乐大世界的切入点。 许多观众看到人物们对比尔·埃文斯新获得的专辑的无声无息的兴奋,或者他们对切特·贝克的优点的激烈辩论打开了大门。 在线论坛和社交媒体充满了来自粉丝的证言,他们因为系列而开始探索流派,不仅发现了经典,还发现了当代艺术家,他们将传统推向前进。 蓝色爵士网站是那些继续这一旅程的人的绝妙资源,提供了精妙的演奏家和艺术家传记。 同样, 美国爵士博物馆为音乐的起源及其全球影响提供了深刻的历史背景。

音轨作为独立的主控器

除了其叙述功能, 斯洛普上的孩子们的音轨应该被承认为一种令人发指的成就。 康诺洋子的原声部分,包括吴桥俊子所表演的“鸟地的Lullaby”,与经典标准并列,模糊了时间真实性和当代感官性之间的界限。“阿波隆蓝”这样的音轨激发了怀旧的、Sepia的渴望,而“Kaoru和Sentaro Duo”则捕捉了两个年轻人的动力、汗流的喜悦,终于学会了同一种语言。声部,包括“鸟地的Lullaby”的缠绕着的声部,增加了一层烟雾,夜深情。听专辑,可以独立地想象它所伴随的场景,但更强大的是,它唤醒了青年的普遍感受:第一次心碎的尖刺、站在成人边缘的可怕振奋、朋友的深厚颜的作品。[Sunkuncillo]。

即兴作为生活哲学

最终, Slope上的孩子们认为即兴演奏不仅仅是一种音乐技巧,而是一种航海生活的哲学。 青少年是被板音乐突然消失的时期。 童年的家长保护、可预测的日常、明确的对错的落下,青少年被留给了一个充满不确定性和强烈情绪的世界。 就像爵士乐演奏家踩着麦克风独奏一样,他们必须仔细倾听周围的人的声音,在此刻诚实地回应,并且有勇气发出声音,即使结果不明。

熏菜逐渐地、痛苦地学习了这个真理。他的本能是控制、记忆、准备。但是生活,如爵士乐,是无法排练的。他成长的最伟大时刻发生在他停止尝试完美而简单的演奏。这一教训延伸到爱、友谊和身份。没有万难的幸福公式,没有保证的音符能永远令观众高兴。只有勇敢、脆弱的行为,即露出面面面,打开耳朵,与愿意分享舞台的人一起创作音乐。 系列结束的时候,不是一个整洁的解答,而是充满未解和弦的重聚,这是它最后的、完美的、爵士乐曲子,反映了真实的:歌曲继续,就像生命本身一样混乱和美丽。