Table of Contents
动漫的历史并非单一的直线,而是实验的活体档案,它借鉴了数百年的视觉传统,直到它被闪烁到电视屏幕上。 当Osamu Tezuka的 Astro Boy[ 于1963年播出时,它并没有从哪里传出 — — 这是几十年短片、战时宣传特征以及战后蓬勃发展的漫游漫画业的顶峰,已经学会了如何留住观众。 Tezukaka所做的就是将这种动力与一种能够按广播时间表工作的制作模式融合在一起,并因此他给日本动画提供了一种能够远超出其国内市场的道路。 今天,动漫是一幅流传故事的国际语言,但其语法是用零碎的,十年又一个艺术家不断问媒体下一步能做什么。
动漫的早期根
虽然 anime一词现在创造了一种独特的视觉风格,但最早的日本动画并没有特别看似日本人。 1910年代的电影制作者正在使用进口设备,研究美国和欧洲短片,并试图制作一些可以在当地屏幕上竞争的东西。但他们也借鉴了几个世纪以来在插图手画或[emahumono 中,以及在kabuki的戏剧性中,经过精心修改的叙述形式。 这种混合的外国技术将代代地界定这种介质。
动画的第一闪闪
最早存活下来的一些动画片包括: ⁇ 川 ⁇ ( ⁇ 川 ⁇ ) ⁇ 川木库兹( ⁇ 川 ⁇ )(1917) 和 ⁇ 川 ⁇ ( ⁇ 川 ⁇ )(1917) , 短篇喜剧《武士》, 这部短篇喜剧是一部关于一个无声无息的武士。 这些作品沉默无声,手摇手摇,而且很少超过几分钟。 另一位早期先驱, 建立自己的工作室,并推进更多的叙事凝聚力。 这些作品都没有迪士尼短篇的资源,但他们都确定,日本艺术家可以从头开始建立国内产业,即使结果仍然在边缘崎岖不平。
]
战争时期 宣传及其之后
二战几乎一夜之间就重塑了动画的目的. 日本政府认识到动画的威力,委托拍摄了将现场动作与动画混合的宣传片,最著名的是故事长度[Momotar ⁇ no Umiwashi[(1943)及其续集Momotar ⁇ :Umi no Shinpei[](1945),这些电影在技术上是他们时代雄心勃勃的,但都是士气武器,而不是艺术. 战后,业界几乎必须彻底重建,接下来几年里,一场有意的热潮回娱乐。 观众们希望有自我主义,工作室开始为更商业的未来作规划。
富井动画与日本第一彩色特质
1958年,Toei动画发行了"白蛇的故事"[(]),这是该国第一个全彩动画片的特写。 电影以迪士尼模式的特写制作为模式,它暗示日本的摄影棚可以以具有竞争力的视觉质量处理长式故事。 Toei很快成为一代动画家最重要的训练场所,并为整个行业采用的生产管道设定了标准。 摄影棚也开始向亚洲和其他地区出口电影,播下国际观众的种子。
大森特佐卡:未来之德
天文男孩与电视动漫黎明
当Astro Boy()1963年元旦在富士电视台首播时,日本动画从电影院果断地转移到客厅,该剧跟随一个机器人男孩,他能感受到爱、恐惧和正义的愤怒,与一个经常把他视为武器而不是孩子的世界拼搏,这是首个连续连续各集故事情节的动画系列,其成功证明观众会每周为连载的漫画调侃.
天体男孩如何改写规则
Tezuka用 Astro Boy 所取得的成绩远远超出了收视率。他表明动画可以处理通常为现场表演保留的主题——身份、歧视和技术道德——而不失去年轻观众的注意力。该节目还建立了一个制作模式,在播出之前很久,通过销售权来资助各种节目,这种做法后来成为整个行业的标准。对于未来的创作者来说, Astro Boy是关于如何既具有商业魅力又具有创造性的宏伟性的一个案例研究。
穆希制作公司的全球足迹
德月的木希制作之后是 Astro Boy,其标题串联将成为西方动画的早期大使。 Kimba the White Lion (1965)是美国电视上首个彩色播出的日本动画系列,以其粗糙的非洲环境和生态主题赢得了家庭。 不久之后,高辛烷赛车赛车 Speed Racer[ (1967)] 引进了一代日本以外的观众,以动画独特的速度和视觉语言为主题。 这些出口经常被大量重新编织,并被文化化为沙土,但证明有需求,它们让国际发行商有理由继续关注日本的目录。
电视接管
” Astro Boy[的成功将动画变成了日本广播时间表的固定。 东京电影新沙、塔措诺科制作公司等工作室为填补网络空缺而拼凑起来,而1960年代的原创动画系列则急剧增加,其目标对象为各种人口统计。 随着电视的出现,人们对不同的流派 — — 体育、科幻、历史冒险 — — 以及一种将广播商、玩具公司和出版商紧密联系在一起的新经济模式。 动画不再是一种好奇心,而是一种产业。
1970年代和1980年代: 流派 多重 野心 成长
黑白时代后的二十年,动漫一时地向每个方向伸展。 创造者们开始裁缝表演,不仅针对儿童,而且针对青少年和成年人,故事情节越来越密集,主题越来越暗,视觉实验也更加大胆。
美查、太空歌剧院和严肃的斯佩克
美甲流派成为了这个时期的决定性动作形式. Go Nagai的 Mazinger Z (1972)将一个试制的巨型机器人放在故事的中心,并将每周的怪物战斗变成了一种将玩具销售推向屋顶的仪式. Goshiyuki Tomino的[ Mobile Suit Gundam[(1979)完全翻转了剧本:它提供了一场道德模糊的战争剧,士兵们死亡、政治重要,机动战服是大规模制造的武器而不是超级英雄式的守护者。 太空剧像 宇宙战舰大和大和(1974)一样,在星际旅行中分层存在桩,而 科宁佳队加查曼 (1972)则提供了高飞队的动态,后来在无数的演出中得到了响应。 到了1970年代末,安美可以证明它能支持长的情感和真重。
新观众的肖乔动画和故事
美查在阳光的风景中占据主导地位,而1970年代也孕育了一场主要针对年轻女性的骚动动。 日本动画的 海迪,阿尔卑斯山的女孩[(1974年),由高屋雄执导,由宫崎孝男编剧,表明一个缓慢而大气的故事可以吸引广大观众。 1979年,[凡尔赛的玫瑰将法国革命带到日本电视台,女主角奥斯卡·弗朗索瓦·德·贾杰耶斯(Oscar François de Jarjayes)作为男人生活,在法庭和战场上航行,在当时动画中很少见到复杂。 奥斯卡成为了偶像,系列帮助确定,一个风云可能像光辉光辉的场一样充满政治色彩和情感。
阿基拉:文化震荡波
大友中和郎(1988年)的《超人》像爆炸一样落在一个已经迅速扩张的媒体上。由于日本动画片的预算未闻到,这部电影使新东京公司在海圈中成为了“深层的墙壁 ” , “ 放射性黎明时骑车的帮派追逐 ” , “灵媒的情绪与科幻小说一样,同样地依赖于身体恐怖。 Akira[ 永远无法局限于日本。当它到达西方艺术馆屏幕和午夜显示时,它刺激了那些认为动画是给儿童设计的观众。 许多画面直接反映了全球动画的第二波。 它的影响不仅在后期的音乐录像、现场动作电影以及随后的整个网络美学中都可以看到。 它对全球影响的看法如何彻底地重新显现。 。
龙球与帆船月球:无疆界的图标
1980年代末和1990年代初,出现了两套将动画化为世界青年文化的系列。 Akira Toriyama的[ Dragon Ball(1986)及其续集 Dragon Ball Z将武术的场景与无情的升级感结合在一起,将悟空变成了拉丁美洲到东南亚的家喻户晓。 与此同时,Naoko Takeuchi的 Sailor Moon(1992)将一支神奇的女英雄队伍带入了黄金时期,用友谊、爱和个人身份等主题来驱散了Starai式行动。 这两套系列都展示了长期运行的光芒和sjo型的强大力量,同时还建立了跨越大陆的美化帝国,巩固了全球娱乐经济中的动漫。
电影艺术工作室 Ghibli 和 Anime
如果电视动画让媒体可以访问和连载,工作室吉布利使它获得了盛誉. 1985年由宫崎孝男,高屋雄和制片人铃木俊雄共同创办,工作室追求坚定不移的愿景:手绘动画可以是能够表达人类最深刻体验的严肃艺术形式.
宫崎的大师作
出自风谷的纳乌西卡(1984年,吉卜利正式创立前制作,但常常认为其精神起源),通过拉普塔:天空中的城堡[, 我的邻居托托罗[,以及[公主莫诺诺克,宫崎建了一副工作,拒绝向儿童说话。他的电影与环境崩溃、战争恐怖和普通人的顽强性作斗争。动画本身呼吸风吹草、水浸成布和静静的时刻与行动设定的片段一样重要。对于从未认真对待日本动画的国际评论家来说,吉卜利电影是一个启示。
高叶的情感深度
伊绍·高叶带来了不同但同样强烈的感知力。 火萤之剑(1988年)],作为双功能发行,其配有 我的邻居托托罗[,仍然是有史以来最具有破坏性的战争电影之一。它毫不松懈的看着两个兄弟姐妹在神户火爆事件之后挣扎着生存,剥夺了任何认为动画是天生温和的媒介的概念。高叶后来用[ 嘉吉雅公主的故事进一步推开视觉可能性,使用了一种画家的、有灵感的风格,似乎可以解除绘画和情感之间的界限。
灵异与奥斯卡改变一切
当 画家Away在2002年获得学院最佳动画特写奖时,它不仅仅是一部电影的奖杯。 它承认日本动画已经登上世界最大的电影舞台。 这部电影的超现实奇观以一位年轻女孩为中心,她为灵魂、无论语言如何的观众搭建了浴池,并且仍然是日本历史上最高的壮观电影。 该奖为更大的国际发行打开了大门,并让发行商有信心将动画发行视为主流活动。 官方 Studio Ghibli网站[ 继续庆祝重塑动画艺术声誉的目录。
现代动画:解构、数字工具和全球文化
随着20世纪的转变,动漫进入了自我检查和技术改造的阶段,手绘的圆环开始让位于数字墨水和颜料,新品种的导演们用介质来询问自己的曲纹.
贝壳中的福音和鬼:屏幕上的心思
藏木安诺的 Neon Genesis Evangelion (1995) 取了一个mecha 节目的熟悉框框,并充满了心理分裂。 青少年飞行员不是英雄,而是受创伤的儿童,系列的最后几集完全放弃了常规叙事,而倾向于内部几乎治疗性地潜入主角的心灵。 同年,Mamoru Oshii的 Ghost in the Shell 将网络朋克的鼻孔与意识和身体特征的哲学冥想相结合。 这两部作品都影响了远在日本以外的电影人 — — 公开引用的Wachowskis Ghost在壳中 矩阵的灵感 — — 并且他们巩固了Anime作为愿意提出难题的媒介的声誉。
数字化的转变和流转的革命
1990年代末和2000年代初,工作室向数字化配色和混凝土过渡,这使得照明更加复杂,制作进度更快。这一时期也与互联网的兴起相契合。在线分享的Fansubs-viewer-crews-controductions-加速了粉丝的全球化,即使它们使许可证发放工作复杂化。最终,业界用合法的流线平台作出反应,在日本广播的几小时内提供映像。像[ Crunchyroll这样的服务成为国际观众的主要管道,将曾经的特色亚文化转变为数百万人的日常媒体习惯。 守门员被算法取代,观众突然可以一次地接触到媒体的几乎整个历史。
今天的风景:伊塞凯、多样性和尼切的终结
现代动画的特征是其多样性。 将普通人带到幻想世界的伊塞凯流派已成为主流商业力量,但它与静静的片段生活剧、恐怖的反动词和通过人群资助平台资助的实验短片并存。 代表性也有所扩大,更多的故事以LGBTQ角色为中心,解决残疾问题,探索常规模板之外的关系。 “星期六早卡通”和“成人艺术”之间的旧分界线基本崩溃。 今日, 动画向全球观众讲述了期待媒体继续创新的循环,以及始于的的Astro Boy — — 艺术风险与观众的胃欲之间的反馈循环 — 显示“周六晨卡通”和“成人艺术”之间没有放缓的迹象。
中度的存檔
安美的故事是不断在约束下进行再造。 从1910年代的黑白实验到今天的无序数字宇宙,媒体总是把预算、技术和文化期望的限度归结为意志。 德祖卡的节俭动画技术、冈崎美的玩具机器人史诗、宫崎的画像、安野的破碎的心灵 — — 每一代人都拿了前作的规矩,然后问道规则是否可以打破。 结果,一种艺术形式仍然让人感到不安和惊讶,就像机器人男孩第一次飞过阴极射线天空时那样。