动画的画面充满了一时万能的工作室的幽灵轮廓 — — 创造的动力楼,它定义了童年,率先讲出视觉故事,然后从制作的焦点上消失。 他们的故事不仅仅是艺术胜利和技术突破的编年史;它们都是关于观众的品味如何迅速变化、不断演变的发行模式以及企业战略如何创造或打破文化机构的案例研究。 这一历史概览追溯了20世纪早期通过CGI革命从手绘奇观中产生的弧线,以及流者和全球合作者正在完全重绘地图的时代。

动画的黄金时代(1920年代-1960年代) 动画主题 动画主题 动画主题 动画主题 动画主题 动画主题 动画主题 动画主题 动画主题 动画主题 动画主题 动画主题 动画主题 动画主题 动画主题 动画主题 动画主题 动画主题 动画主题 动画主题 动画主题 动画主题 动画主题 动画主题 动画主题 动画主题 动画主题 动画主题 动画主题 动画主题 动画主题 动画主题 动画主题 动画主题 动画主题 动画主题 动画主题 动画主题 动画主题 动画主题 动画主题 动画主题 动画主题 动画主题 动画主题 动画主题 动画主题 动画主题 动画主题 动画 动画主题 动画主题 动画 动画主题 动画主题 动画主题 动画主题 动画主题 动画 动画主题 动画主题

20世纪20年代末至60年代的时期被广泛誉为动画的黄金时代 — — 艺术形式从新颖性跃升到大众娱乐,以及工作室在百年后树立了仍然不可磨灭的角色。 这一时代的特点是技术精明、独特房型和激烈竞争票房主导权。

开创性工作室及其创新

风暴的中心是。 在一系列沉默的爱丽丝·喜剧演员和幸运兔子短裤Oswald之后,迪士尼从根本上重新定义了媒体,1928年的“小船威利”是第一个完全同步的动画短片。 华特迪士尼家庭博物馆指出,这一技术飞跃使米奇鼠成为一夜之间的感觉,并证明动画可以带音乐、对话和效应于一个单一的凝聚性体验。 迪士尼紧随其后,第一个全长的全天动画特征“雪白和七矮人”(1937年),一个巨大的赌博,以英俊的回报而回报。 工作室的多片镜头在同一时代推出,让“彼得潘”和“班比”的森林场景中,如飞往永佛兰的飞行,让其深厚情的脉和情感。

华纳兄弟走的是完全不同的道路。 在20世纪30年代,其施莱辛格制作单位 — — 后被称为Termite Terrace,在导演Tex Avery, Chuck Jones和Bob Clampett的混乱天才下,培育出一种狂野的、不可磨灭的感官。 Looney Tunes和Merrie Melody系列给世界布克斯、Dafy Duck、Porky Pig和Elmer Fudd提供了一套仍然影响当今喜剧节奏的短片。 这些角色与迪士尼的真诚的童话主角不同,都是颠覆性的、自我意识和深城市化的。 Britannica的账户强调华纳对喜剧演员的强调(特别是Mel Blanc)和刮刀-sharp的时段。

同样的创新,但今天人们不太记得的是 Fleischer Studios。 该工作室由Max和Dave Fleischer兄弟创建,它率先对活动镜头进行轮廓扫描——进行追踪,以实现生命般的运动。 这一技术产生了小丑科科的罪恶、超现实的动作和Betty Boop的流畅的舞蹈。 当他们于1933年获得Popeye的权利时,他们将成人漫画的人物变成了流行文化现象,经常推动性与讽刺的界限。 动画世界网络详细介绍了该工作室的立体过程,即使用微型装置的3D背景系统,预期的多飞机效果,并给他们的“超人”系列提供了一种丰富的、电影般的文字,现代CGI仍然在努力效仿。

甚至主要工作室的动画单元,如MGM(由创建汤姆和杰里的威廉·汉纳和约瑟夫·巴伯拉的家 ) 和[UPA,这些动画单元都以鲜明的图形设计和“Gerald McBoing-Boing”和“Magoo先生”的有限动画打破了自然主义,促成了一种带有风格多样性的市场。 这种多样性得到了一个利润丰厚的短模型的支持:在主要特征之前播放的漫画,提供了稳定的工作和收入管道。

这些工作室之间的竞争带来了显著的进步 — — 像Technicolor这样的彩色过程,将原声乐团的乐谱整合起来,以及越来越精密的叙事弧。 全世界的观众都陷入了困境;这幅漫画已经成为了合法的艺术形式。

基金会的裂缝:传统动画的衰落

战后的繁荣使得动画工作室持续不衰,随着20世纪50年代的倒置,也开始开始在20世纪60年代开始崩溃。 戏剧短片、故事片和新闻片的生态系统蓬勃发展,在新技术、经济现实和文化潮流的压力下迅速分裂。

电视和星期六的早晨漫画的兴起

电视剧是造成破坏最大的一种力量。随着家庭迁到郊区,留在家里娱乐,电影的习惯发生了变化。戏剧短片成为了展示者不必要的开支,在主要节目之前卡通片的收入一度可以维持。通过重新使用电视的旧短片来调整工作室,但最终不得不制作适合小屏幕的新内容。 Hanna-Barbera由前MGM导演于1957年创立,掌握了的艺术,有限的动画 ——一种成本低效益高的方法,可以重新利用背景,尽量减少人物运动,强调智慧对话,而移动是流畅的。 他们的创造,如“Flintstones,“Yogi Bear”和“Jetsons”,以星期六上午和黄金时段为主的档。 虽然商业上非常成功,但这种方法表明全动画的制作量下降;工作室不能再为每周广播时间表提供黄金时代的手工操作耗尽。

经济转移和工作室关闭

经济学变得残酷。 弗莱舍工作室在劳动罢工和财政管理不善后,于1942年被派拉蒙吸收,并更名为名人工作室。它继续生产Popeye和超人短片,但创造性的火花暗淡,最终在20世纪60年代末关闭了这个单位。 沃纳兄弟公司在1963年以成本上升和戏剧短片市场下降为由关闭了自己的动画工作室;它只会零星地为有限项目重新开放。 甚至迪士尼,贝斯莫特人,在1966年华特·迪士尼去世后,该片的动画部门失去了远见卓识的领导者。 “阿里斯托卡特斯”和“罗宾汉”等电影保持了基线魅力,但缺乏前几十年的冒险故事和技术雄心。 到了20世纪80年代初,该工作室正在耗尽脑力,而代价高昂的黑暗幻想“黑洞”(1985年)几乎杀死了这个部门。

改变味道和新竞争

观众也正在成熟。 20世纪60年代和70年代,日本动画进口的第一波浪潮 — — “速射赛车”和“星球之战”引入了连环化动作冒险,其视觉语法也不同。 与此同时,拉尔夫·巴克希等独立的声音用电影“Fritz the Cat”(1972年)和旋转镜“魔王”(1978年)推动面向成年人的动画,证明动画可以处理复杂、常常是过分的主题。 大型工作室为年轻观众制造票价,突然失去接触。 曾经强大的戏剧动画管道已经崩溃,似乎黄金时代永远不会回归。

大复兴:动画复兴(1980年代-2000年代).

正如手绘动画的讣告正在起草中一样,人才、技术和讲故事的雄心的结合也引发了一次壮观的回响。 这一复兴不仅使媒体重新焕发活力,而且极大地扩大了其可能性。

迪士尼文艺复兴(1989-1999)

这部电影的成功为十年的破土动画制作人奠定了基础:“美兽与美人鱼”(1991年)成为学院最佳影片奖的第一个动画片提名对象;“阿拉丁”(1992年)和“狮子王”(1994年)打破了票房记录。 History.com抓住了整个工作室的活力,将其动画部门转变为时代最有利可图的好莱坞引擎。 关键是,迪士尼也开始使用计算机动画制作系统(CAPS),该系统在大幅提高生产速度和视觉丰富的同时,以数字化和复合的手工绘制艺术,保护了古典主义的外观。

皮克斯革命和CGI统治

随着迪士尼恢复了2D的威望,海岸上一个小型的计算机集中的摄影棚正准备使它变得过时。 皮克斯动画工作室,诞生于卢卡斯电影的计算机部门,由史蒂夫·乔布斯培育,一直在制作尖端动画短片。 1995年,它发布了“玩具故事”第一个全用计算机生成的图像制作的长片。电影是地震事件。 皮克斯的官方历史 强调该工作室的专利Renderman软件允许前所未有的纹理、照明和相机运动,而其故事的第一和第一的保证了技术服务于情感,而不是展示。 影片的批评和商业胜利立即改变了产业的轨迹。 在下一个十年里,皮克斯尔在另一部杰作—“虫生命”“蒙斯特斯公司 ”之后,“寻找尼莫”——将“奇异数”——将“不是一部新动画的提炼”的概念固定下来。

新动力屋的兴起

迪士尼复兴和皮克斯的升华引发了一场更广泛的创造性爆炸。 梦幻工作动画,由杰弗里·卡岑伯格、史蒂文·斯皮尔伯格和大卫·吉芬于1994年共同创办,以更讽刺的流行文化化的感官直接挑战皮克斯和迪士尼。 “Shrek”(2001年) 讽刺的童话公约,使其获得了首届学院最佳动画特质奖,并产生了一个大规模的特许。 与此同时, 蓝色天空工作室,以其商标冰河时代冒险的推出,确立了自己是福克斯的可靠打击者。 由Hiblio Ghibli,由HAHAHAHAYOOYOYOYOYOYOYOYOYOYOYOYOYOYOYOYOYOYOYOYOYOYOYOYOYOYOY

电视动画也重现了:"辛普森一家"(1989年至今)成为美国剧本制作时间最长的黄金时段系列,而Nickelodeon和Cartoon网络则培育了一代由创作者驱动的点击,如“Rugrats ” , “海绵宝宝平面板 ” , “ Dexter实验室 ” 。 1990年代后期的动漫繁荣将“Pokémon”和“Dragon Ball Z”等系列带入西方客厅,进一步分割了市场,但也丰富了市场。

技术改造工业(2000年代-现成)

如果说1990年代的文艺复兴是为了恢复失去的荣耀,那么新千年就是一个技术和商业变革迅速、往往无情的时代。 动画的工具、发行渠道和经济模式发生了巨大的变化,以至于“音响工作室”的定义正在变化之中。

数字工具革命

软件套件是玛雅、东波和谐、布伦德和专有的制作人,它们让较小的团队能够实现特性质量的视觉。 但这种民主化也加速了传统2D特性的下降。迪士尼在“Home on the Range”(2004年)表现不佳之后关闭了手绘动画单元,而2D电视系列继续播放,而他们的戏剧市场蒸发。 产业几乎完全转向了CGI,动作捕捉,以及越来越多的实时引擎,比如Unreal Engine,它使得虚拟制作技术能够被保留给活动阻断器。 这些工具模糊了动画和活动电影制作之间的界限,从“丛林书”的摄影真动物(2016年)到“Spider-Man:Into the Spider-Verse”的平面混合体(2018年 ) 。

流派战争和直接到消费者的内容

第二个地震变化是流媒体平台的崛起。 CNBC报道说,订阅模式将动画从戏剧第一商业重塑为直接供点播观众使用的庞大系列和电影库。 Netflix、Amazon Prime和Disney+在动画内容上投资了数十亿,从“爱、死亡和机器人”等面向成年人的动画到“星球大战”和Marvel宇宙的特许延伸。 这支火炬给了创作者更多的长篇故事自由,但也引入了新的预告:项目可以被无序地取消,甚至从平台上移除,以避免剩余付款,使艺术家们没有长久的公开工作记录。

全球化的挑战和经济压力

现代动画经济学是全球性的,不容置疑。 虽然外包给韩国、菲律宾和印度的摄影棚可以控制生产成本,但也引起了人们对劳动公平和创造性控制的担忧。 公司合并导致高调关闭:2021年,迪士尼关闭了“冰河时代”特许经营权的制造者蓝天工作室,在福克斯合并中收购了该工作室,这明确提醒人们,即使是盈利单位也可以在更大的公司战略中被抛弃。 华纳兄弟公司(Warner Bros. Discovery)在自己的合并后,在新管理下,以不光彩的手法将近乎完成的“蝙蝠女郎”电影封存了起来,并删除了HBO Max的许多动画系列,引用了减税和战略性的品牌。 这些决定削弱了人们对维护中产遗产的信任,引发了全行业的讨论。

图标动画工作室的未来

剧情动荡中,人类对动画故事的基本饥饿依然如往常一样强烈。 生存和繁荣的摄影棚将适应新潮流,而不放弃视觉故事的核心原理。

新出现的趋势和可能性

人们已经可以看到下一个时代的轮廓。 AI辅助动画[——从自动化到风格转换工具之间——正在引起激烈的辩论。这些技术虽然能够大大减少劳动时间,打开实验视觉风格的大门,但是如果不加限制,它们也有可能使艺术家流离失所,使美学同质化。 虚拟制作,利用游戏引擎,正在提供实时动画反馈,如“曼达罗利安”和即将出现的完全实时动画特征浪潮。 多样性和包容已不再是经过思考之后的:电影“Encanto,“Turning Red,”和“Soul”已经证明,文化上具体的、由创造者驱动的故事既能实现商业成功,也能在全球范围获得批评。此外,YouTube、Vimeo的独立动画的爆炸,通过众筹筹的平台,可以使大工作室的寡头向上浮出,直接引起数百万人潮。

创新的同时保留遗产

对于迪士尼、华纳兄弟和派拉蒙等传统工作室来说,挑战在于平衡品牌遗产与对新鲜IP的需求。 迪士尼最近的策略是用“星际旅行世界”和“威斯”等原始作品来交互其动画经典的活动重现。 安全和创新之间的紧张关系也随之显现。 这一点同样适用于对动画历史的更广泛的理解:华特迪士尼家族博物馆和学院电影档案馆等机构致力于恢复和保存原始的景物、故事板和早期的Technicolor指纹,同时认识到这些文物不仅仅是公司资产,而是文化的触摸石。

兴衰的循环很可能会加速。 新的工作室会冲上场面,通过病毒短片或流线撞击提供动力,并且同样迅速地被收购、合并或解散。 然而,媒体本身却继续在每一个方向上扩张 — — 艺术、技术和地理上。 未来的标志性工作室可能不是砖木结构,而是通过共同愿景和实时渲染管道联系在一起的全球艺术家合作网络。 无论它们采取什么形式,它们的使命都保持不变:让无生命力的动作,并以此来移动我们。