动画作为艺术形式和产业,由少数先锋工作室深刻塑造,这些工作室的愿景和技术突破为之后的一切奠定了基础。 从电影的手绘闪烁到今天的超现实主义数字世界,这些老牌的动画工作室形成了远远超越屏幕的遗产。它们的持续影响渗透到现代故事讲述、人物设计以及动画师使用的工具中。 这一焦点审视了界定动画的演播室的持久影响、探索其历史、其签名创新以及它们对于不断变化的媒体仍然至关重要的方式。

动画电影早期建筑师

早在计算机生成的图像成为主流之前,少数的进取工作室就将动画从新颖的作品变成了合法的叙事艺术. 这些公司并不单纯制作卡通;它们发明了介质的语法. 他们的贡献包括动画的12个原则,同步声音的使用,以及建立特征长动画电影.

在沉默的时代,布雷制片厂和巴里制片厂等工作室是第一个将这一过程工业化的厂家之一,用组装线方法放映短片。 然而,正是1923年华特迪士尼动画工作室的到来,才无可挽回地改变了这一景观。 迪士尼对现实主义和情感共振的不懈追求导致了“威利号”(1928年)这样的里程碑,它展示了动画与完全同步音轨相结合的威利(1928年 ) 。 工作室的“花儿和树”(1932年)是首部商业上发行的全彩三角Technicolor(三角)电影,而“雪白和七矮人”(1937年)则证明观众将坐落于一个长篇的漫画中,这一冒险的尝试被许多人称为“迪斯尼的迷幻”直至成为关键和财政胜利。

与此同时,在另一边,华纳兄弟。1933年,动画从莱昂·施莱辛格制作厂诞生。 以工作室日落大道的破烂条件命名的Termite Terrose单元,激发了完全不同的感知。 德克斯·艾弗里、查克·琼斯和鲍勃·坎佩特等导演拒绝了迪士尼追求的对超常物理学、第四墙破碎的游戏和爵士乐的节奏的追求。 卢尼·图内斯[和梅里·梅洛迪斯角色 — — 博格斯·邦尼、达菲·鸭、波基·皮克 — — 恰恰因为他们无视现实规则而成为了全球偶像。 迪士尼对生活幻觉和华纳无政府喜剧的这种分歧确立了两个极点,它们仍然确定了动画的优先顺序。

在整个大西洋和几十年后,英国布里斯托尔的Aardman动画以精心制作的停止运动艺术家的名声而刻画出来。 1972年,由彼得·洛德和戴维·斯普罗克斯顿创立的Aardman向全世界介绍了热爱奶酪的发明家华莱士和他的沉默的聪明的狗格罗米。 他们的短篇“创造舒适 ” 和专题“鸡跑”表明粘土化可以以独特的视觉温暖来传递深刻的人类故事。 Aardman对物理模型和实际效果的承诺,即使随着数字工具的便宜和快捷,也让一个至关重要的传统得以延续。

改变介质的革命技术

退伍军人工作室并没有依靠自己的荣耀。 他们一再推开技术信封,开发并完善技术,从而打开了新的讲故事的可能性。 这些创新分为几大类,其中每一类在今天仍然有共鸣。

多飞机相机和深度

迪士尼在1930年代发明了多飞机相机,使艺术家们可以独立拍摄多达七层的艺术作品,从而形成令人信服的深度幻觉。 使用该相机的第一部电影“老磨坊 ” ( 1937年), 其沉浸环境令观众惊呆。 后来,该技术在“斑比”(1942年)中被完善,让世界感受到了仅靠二维图画无法实现的空间现实。 从Adobe After Effect到主要工作室使用的节点系统,层层化原则在当今的堆肥软件中仍然至关重要。

停止运动和替换动画

威利斯·奥布莱恩在“金刚”(1933年)上的工作率先为现场动作电影进行停拍,而雷·哈里豪森的动画过程则在模特动画和现场演员之间带来了新的融合。 类似阿德曼这样的工作室后来精炼了替换动画 — — 将不同的口形或整个傀儡部分抽出来来模拟言论和表达。 在“圣诞前噩梦”(由蒂姆·伯顿旗下的亨利·塞利克执导)和阿德曼的电影[中,这一过程要求有非凡的耐心,但产生一种触摸力,手动的画面往往缺乏。

向计算机动画的移动

皮克斯动画工作室经常被誉为第一部完全计算机化的配乐片,配乐片是“玩具故事”(1995年),而老牌工作室在转型中颇有帮助。 迪士尼的“Tron”(1982年)是活动和CGI的大胆混合,工作室为传统画的电影投入了大量资金,从“小美人鱼”(1989年)开始,最终在“宝洁与兽”(1991年)中出现了美丽的综合舞厅场景。 这种将新旧技术融合的意愿为工作室在保持古典动画的温暖的同时接受数字效率铺平了道路。

在日本,如东井动画公司(Toei Animation)这样的工作室在1948年创立,开发了将成为动画标志的技术。 虽然许多动画工作室出于必要依赖有限的动画,但东井在“Dragon Ball”和“One Piec”等长期运行的系列作品中,改进了一种能塑造动画、速度线和戏剧镜头角度的风格,这些动画都影响了全球动画。 由宫崎孝和高屋雄共同创办的基布里工作室(Studio Ghibli)等老牌动画室仍然致力于手绘美,经常使用水彩背景和谨慎的角色动作,这些动作会回顾早期的迪士尼,但具有明显的东方感。

永恒故事的艺术

技术本身并不能保证长寿。 最持久的老工作室在构建对儿童和成年人都讲话的叙事方面表现得非常出色。 他们对性格、主题和情感结构的处理方式已经成为行业的蓝图。

字符驱动描述

迪士尼的“九老男人” — — 包括弗兰克·托马斯、奥利·约翰斯顿、米尔特·卡尔和马克·戴维斯在内的动画家的核心团体 — — 将吸引力原则编成法典。 人物需要具有说服力,无论是英雄还是恶棍。 结果是皮诺曹这样的人物名册,他们通过学习无私而从木偶变成真正的男孩,或者莫格利,在人类世界和丛林之间被撕裂。 相比之下,华纳兄弟发明了“瓦斯式”的典型:一贯超越聪明权威人物的聪明小把戏家。 邦克斯的无耻自信和文化流畅使他成为了世代的意外英雄。 这种对强壮而难忘的人物的强调现在在从星期六早晨漫画到流传系列的各种形式的动画媒体中都是标准。

分层主题面向所有年龄

古老的摄影棚最伟大的遗产之一是认为动画可以解决严肃的问题。 “Bambi”处理损失和生命周期问题;“水船下”(1978 ) , 尽管是由Nepenthe Productions制作的,但还是借鉴了经典的手绘动画来探索死亡和专制主义。 在日本,Studio Ghibli的“萤火虫之战”描绘了战争对儿童的影响。 最近,迪士尼-皮克斯的“上台”(2009 ) , 开场时充满了无言的爱和悲伤,使观众泪水流满面。 这种情感勇气扩大了中度,并且将动画合法化为严肃的电影。 维特兰工作室证明,你不需要活生的演员来传达深刻的损失、喜悦或道德复杂性。

通用的考古类型和神话

许多经典动画的特征都是建立在神话和民间传说的骨骼上。 “雪白”取自于兄弟会的Grimm;“狮子王”重复了“Hamlet”的叙事结构以及约瑟夫·坎贝尔概述的英雄之旅。 使用通用故事框架可以让这些电影超越文化和世代界限。 1940年迪士尼电影“最终幻想”将动画与古典音乐融合在一起,在与活管弦乐团重新放映时仍然能感到新鲜。 退伍军人工作室理解,当与动画无限的视觉潜力结合时,讲述故事的古典主义创造了持久的共振效应。

保存遗产和培养新人才

历史知识的传播和历史知识的传播是这些工作室持续影响的一个关键要素。 许多工作室已经建立了档案、博物馆和培训方案,确保历史知识不会丢失。

华特迪士尼动画研究图书馆收藏了超过6500万件动画艺术,从概念草图到最终背景。 旧金山的华特迪士尼家庭博物馆[ 提供了该工作室进化的公开展品。 同样,华特兄弟公司也维持着广泛的动画档案,而像动画艺术和科学院这样的组织也致力于恢复硝酸盐电影上不断恶化的早期动画。 Aardman和Laika虽然比较新,但分享了破解停止运动技巧并激励爱好者的纪录片幕后制作。

指导一直是动画工作室布料的一部分。 20世纪30年代的迪士尼培训计划吸引了来自全国各地的艺术家,教授他们人生绘画、解剖学和运动原理。 如今,老牌工作室与艺术学校合作,提供实习。 在像CTN动画博览会这样的活动中,组合审查过程往往包括迪士尼和华纳兄弟的招募者。 寻找下一波人才。 甚至退休的动画师们也积极教导:动画艾丽尔和兽人Glen Keane,现在给大师课,并开发了互动电影“仆人 ” , 将传统技能与新技术联系起来。

协作和交叉投资

迪士尼在获得之前就与皮克斯合作,从而重新激发了迪士尼2000年代自己的产出。 华纳兄弟公司与世界各地的工作室合作,共同实施了“阿尼马尼亚克斯”复兴和DC宇宙动画电影等项目。 法国工作室“Les Armateurs”联合制作了“贝勒维尔三重奏”,表明欧洲动画的氛围可以与经典卡通感融合。

在电视方面,老牌工作室已经获得特许,并与亚洲合作伙伴共同制作系列节目,使得“辛普森一家”(由Gracie Films和20电视台在海外动画但具有创造性地推动)等节目能够维持全球生产管道。 日本工作室TMS娱乐(动画“蝙蝠侠:动画系列 ” ) 和“Tiny Toon Adventures”(与Warner Bros签约)成为西方和东方技术的桥梁。 这种合作加快了艺术思想的交流,并确保了手绘美学的存活,即使数字工具占主导地位。

对现代地物动画的影响

古老的摄影棚的DNA在今天的每个主要动画发行中都可见。 迪士尼和皮克斯电影继续呈现1930年代开创的表达式、壁画和悬浮式人物动画。 卢尼·图内斯的疯狂能量可以在DreamWorks的“Shrek”系列和Illumination的“可耻的我”中感受到,其中流行文化的参考和喜剧的时机是至高无上。 莱卡的“科拉琳”和“库博和两弦”中的奇幻和哥特魅力的停止-动作混合是哈利豪森的“Dynamation”和“Aardman的性格工作”的直接后代。

即使手绘的特写-Netflix的"Klaus"(2019)和Cartoon Saloon的"狼行者"(2020)的重新出现,也欠了拒绝让该工艺牺牲的遗留工作室的债。 这些电影的导演们公开引用迪士尼的黄金时代和1950年代的图形大胆(美国联合制作公司)漫画作为关键影响。 当索尼动画制作“蜘蛛侠:进入蜘蛛侠”时,它把CGI与漫画平整、明显的刷新和污点混合在一起,这些画室与华纳和UPA等工作室的先行方法相呼应。

传统数字前沿与保护

Paradoxically, the digital era has amplified the importance of veteran studios. The tools now widely available—Toon Boom Harmony, Blender, Moho—were often developed with input from experienced animators who wanted to replicate the feel of traditional media. The 12 principles of animation remain the core curriculum of every online course and university program. Rigging systems in 3D software allow characters to deform and squash in ways that mimic hand-drawn action, a technique refined at studios like Disney and Pixar.

与此同时,保存经典电影的动力也变得紧迫。 硝酸盐电影的恶化是一个导致大规模修复项目的威胁。 学院电影档案馆和加州大学洛杉矶分校电影电视档案馆经常与摄影棚合作,拯救了数千条短片。 迪士尼的“灰姑娘”(1950年)在蓝光发行时进行了逐帧数字修复,而华纳兄弟公司则精心清理了特克斯·艾弗瑞的“红色热骑帽 ” 。 这些努力保证了新一代能够研究大师们的精准质量,将过去与未来联系起来。

全球影响和文化适应

动画一直是全球语言,老牌工作室是全球最早的迷迷。 在二战期间,迪士尼和华纳漫画被运往海外,以娱乐部队,后来又引入外国市场,以介绍美国幽默。 如今,影响力双向流动。 迪士尼在全球发行多年的Ghibli工作室电影激励西方动画家拥抱慢节奏和环境主题。 法国和日本合作制作的“幻想家”(2010)基于未制作的雅克·塔蒂剧本,在爱丁堡动画,由西尔万·乔梅特执导,体现了老牌工作室帮助实现的跨文化授粉。

在中国,上海动画电影工作室等工作室曾经制作过令人惊叹的洗墨动画,引起国际关注。 虽然目前该行业的CGI重点很突出,但西方先锋和中国动画师之间对技术的历史交流丰富了这两种传统。 目前的全球票房以动画片为主,易于跨界旅行 — — 其原因主要是视觉和古老的故事基础是由工作室奠定的,这些工作室对媒体的影响是无限的。

活的遗产

资深动画工作室的影响并不是过去的遗迹;而是适应技术和品味的每一个变化的活泼力量。 由于流媒体平台比以往更需要动画内容,演艺人员和导演经常转向经典的灵感。 “爱情、死亡和机器人”等系列的成功表现了世界各地工作室的各种动画风格,如果没有事实证明动画能够吸引成年人并探索黑暗哲学主题的开创性作品,那么,这种成功是不可思议的。

现代动画制作的结构——故事板驱动、迭代、协作——是由早期的电影制作室建立的,这些制作室承认电影制作是一种团队运动。 在皮克斯公司著名的“大脑信任”概念与迪士尼的故事会议相呼应,沃特本人将在会上批评和完善序列。 配音演员和动画演员之间的关系在华纳兄弟公司得到了完善。 这些方法已经成为行业标准。

此外,老练的演播室表现出了非凡的适应性。 迪士尼最近混合的2D和3D在“帕佩曼”和“Feast”中表现出了即使在近一个世纪之后也愿意进行实验。 华纳兄弟。 动画继续制作喜剧短片和雄心勃勃的直视电影,扩展了热爱的超级英雄神话。 阿德曼在游戏开发中的预言和增强现实显示,一个以粘土木偶为主的演播室可以在数字沙盒中演奏,而不会失去其特性。

其遗产的真正衡量标准是,像迪士尼或吉布利这样的工作室的名称并不仅仅是代表一个品牌;它唤起某种质量,某种信任,即观众会受到智慧和尊重。 几十年来,这种声誉是赢得的,是用艰苦的框架设定的。 随着新的工具民主化,允许独立创作者梦想大,这些老牌机构的影响力成为了共同的文化词汇 — — 一套所有动画家无论是否自觉地将参考和标准带入他们的作品。

从灯盒和铅笔到平板和渲染场的旅程是漫长的,但工艺的心脏依然不变:向无生命体呼吸,让观众相信一个动画的世界,讲述在灯光升起后很久与他们在一起的故事。老牌工作室照亮了这条道路,他们的光线继续指引着道路。