Netflix 迅速成为了动画发行的决定性平台,委托原创系列,并确保了对视觉和叙事常规界限提出质疑的专有标题的流媒体权利。 虽然关于动画创新的许多对话都固定在动画风格或故事讲述结构上,但音频领域却出现了更安静的革命。 跨出流派 — — 从被淹没的网络朋克惊悚器到内向音乐剧 — — Netflix 动画将音乐组成和声音设计推向了未知的领域。 这些元素不再仅仅是背景增强;它们作为主要的故事表达设备,塑造了情绪,揭示了性格,并构建了在信用滚动之后很久才得以活下来的浸润的世界。 这篇文章探讨了Netflix 动画系列,这些系列最有创意地利用了音乐和声音,其音频身份背后的技术,以及它们对媒体的持久影响。

为什么音乐和声音设计是现代动画的中心

动画中的音响一直很重要,但在观众消费高端耳机和家用剧院设置的内容的时代,音频工艺比以往更能发挥出更大的分量。 音乐在粘着的层面上提示情感反应,而声音效果则在触觉现实中打出奇幻的场景。 在一位熟练导演和作曲家的手中,音频成为了共同的旁白 — — 对动作的判断、预示曲折或人物内部的外在动荡。 Netflix的制作模式往往允许更长的制作前周期,并让音乐人才进入全球的集合,这使得创作者能够承担对传统每周广播的播放模式来说可能过于昂贵或非常规的音频风险。

良好的音效设计可以特别地做到三件事:它建立了一种位置感,加深了对人物的同情,并操纵了速度。 遥远的、反响强烈的无人机可以让城市感到荒凉;突然沉寂可以比再现更能强化戏剧性的时刻。 在视觉符号主义已经运行在提升平面上,而这种能与野心相匹配的音频可以提升整个作品。 Netflix最有创意的系列将音轨视为不是背景轨集而是刻意的情感结构。

Netflix Anime 重新定义视听经验

赛博朋克:爱杰伦纳人——通过电子脉冲的Dystopian大气

演播室特里格与Cyberpunk 2077世界的合作产生了这十年中最有条理的动画之一。 以在寂静山游戏系列中大气工作而出名的作曲家山冈明一郎在制作一个将被扭曲的电子节拍与工业噪音和脆弱旋律的瞬间相融合的分数。 该系列利用音乐来强调主角大卫的心理分裂,因为他用更加危险的网络软件来充实他的身体。 随着人类的侵蚀,音轨越来越分化、扭曲和突然切除——他的精神状态也越来越危险。

声音设计更进一步。 将死神广告、远射和恒定的霓虹灯之声融合在一起,就形成了夜城。 团队故意避免了清洁的临床声音;他们引入了模拟温暖而微妙的背景,防止世界感到无菌。 值得注意的是,弗兰兹·费迪南德的开场主题“这个Ffffire”以及使用“我真想留在你家”等特许音轨成为情感主播,后者在最后的镜头中重现了令人毁灭性的地沟口出击。这种情感上鲜明的原始分数和精心放入针滴之间的相互作用,说明了Netflix背后的项目如何能以一个ime的视觉强度来将全球音乐影响融为一体。 对于音轨的创造,请更深入地看看Cyepunk的这一分析:Edgerunners的音频方向在Crunchyroll News。

活佛:花眼之歌——音乐作为AI的灵魂

Vivy:Fluorite Eye's Song,是维特工作室的一首原创系列,将音乐直接放在主题核心. 口号AI,Vivy,是一个自主和机器人,在游乐公园唱歌,她的目的是:通过歌曲来取悦人们。 但是当她陷入一个世纪的探索任务中,以防止人类和AI之间的战争时,她的歌唱从编程娱乐演变成真正的自我表达. 由Satoru Kōsaki组成的乐谱,介于管弦乐大调,亲密的钢琴旋律和有闪光气的电子纹理之间,既反映了对叙事的历史扫荡,也反映了其主音的技术性质。

声音设计之所以例外,是因为它如何将Vivy的声音作为故事的情感晴雨表。 早期的节目将她的声调呈现为技术上没有缺陷但情感上平平;用微妙的数字处理录制到声音几乎太完美。 随着时间的推移,随着她的爱、失落和牺牲,同样的歌曲获得了温暖、活生生的和轻微的不完美,这些歌曲通过不同的麦克风技术来吸引,从而表明她成长于程序之外。 声音效果同样是深思熟虑的:服务器房间的响亮、数据流的微声和崩溃的灾难性吼叫声,使抽象变得清晰。 这种角色的结合和音频演化将系列变成了对有意创造艺术的意义的冥想,即使是从人工的思维中。 结果是音乐不仅仅是伴奏,而是中央叙事引擎。

黑星——爵士乐、紧张和内部的动物

橙色工作室的Beastars使用一种停止-动机-激发的CGI和声道的通向色莱龙相结合,探索人类形态动物的欲望、社会等级和身份。 音乐在两个层面运作:樱桃学园的复杂有序世界,这常常以干净、休息室风格的爵士和古典弦为代表,以及混乱、本能驱动的下层世界,其中人物用掠夺性来进行摔跤。 作曲家萨托鲁·克萨克(他也在维维里工作)使用乐器作为社会比喻。 草药角色往往伴有木风和软的穿刺,而肉食者则会长出铜和深的回响低音。 勒高希的内在试图压制本能的狼身上,用双相冲突并偶尔协调的音乐线 — — 直接表达他骨折的心理。

声音设计加深了心理紧张。每一步,每细微地磨出毛来,每吸入一股气,都足以提醒观众注意制服下的动物。在乐高和兔春之间的亲密场景中,环境沉默会填补空间,只因人物呼吸而尖锐地产生一种几乎窒息的近距离。爵士乐干扰了黑市序列,相反,它与一种令人不快的兴奋主义相接而起,这凸显了该地区的道德模糊性。 系列让场景呼吸而不进行音乐强调本身就是一个强大的创造性选择,表明在正确的背景中,沉默是所有事物中最能表达的声音。对于节目的独特方式,你可以阅读 安妮新闻网在比星的音频世界。

魔鬼哭宝贝——像特拉斯一样的对感官的攻击

尤相佐的"魔王"(Devilman Crybaby)是一场视听热梦,而由吴雄健介所制作的电子音轨与节目的特性是不可分割的。 拒绝传统的管弦乐评分,吴雄精心构思出一种脉冲、合成和高强度的音轨,反映了系列从青少年愤怒到末日恐怖的情景。 音乐的运行不像传统乐谱,更像一种不断的、心跳的摇摆,模糊了内部情感和外部混乱之间的界限。 由扭曲的808分、颠倒相声标和无情的hihat所建的音轨将观众推入了与人物在转变和战斗中经历的疯狂过度刺激的状态。

声音设计同样具有粘性。身体恐怖序列 — — 高耸起,撕裂出肉 -- — 是由湿润而有触觉的有机塞来制造的。团队有意避免了沉入水中的效果,而是选择强调恶魔变形体的怪异物理。 对话往往被层层环境噪音或相竞的音效所淹没,迫使观众紧张和积极地与声音接触。 在一系列具有破坏性的结论中,乌诗雄在关键时刻部署近乎完全的沉默,使声音的回弹效果变得毁灭性地有效。 魔鬼侠·克赖巴比表明,当导演和作曲家完全致力于非常规的音效时,结果可以是一种绕开智力分析并直接击中肠道的经验。

日本信条:2020年——灾难面前的最小化.

由相生小说"日本信子:2020"改编而来,用声音不引起轰动,而是将灾难人化。 由Devilman Crybaby所出的新作作作曲家吴作雄采取了截然不同的方法:最低程度、环境以及常常不适的安静。 系列作品不是爆炸性管弦乐膨胀来伴随地震和海啸,而是依靠自然声音 — — 构造变化的低调、侵蚀取水的可怕口味、崩溃的基础设施的裂缝 — — 与旋律相比,感觉更像呼吸的钢琴和电子音调混合在一起。

这种束缚迫使观众与人物一起面对灾难的原始现实。 当一个家庭成员被丢弃时,声音设计不会诱发情感操纵;它会回放,让环境的噪音占据主导地位。 在一个序列中,声音切入一个浸润了的水下视角,然后完全不为任何事物所影响,使观众失去方向,并让他们陷入人物惊慌的脑海。 缺乏传统的、感情上的指令性分数将解释的分数转移给观众,使悲伤感强烈地感受个人。 日本信子:2020年说明了声音设计如何能扩大故事的现实主义和情感诚实,证明了当声音景观被精心地构建时,声音设计就不那么真实了。

多罗赫多罗——格里特,格里姆,和出自Genre-Bending音频

多罗赫多罗的世界是一个阴暗而混乱的迷宫,魔法使用者在被污染的城市"洞"的居民身上进行实验。 由作曲家(K)NoW NAME所设计的动画音效身份用一种从金属、工业、雷鬼和花花纹上拉出出流派的音轨来来拥抱这种混乱。 场景可能从用打碎吉他打分的残酷肢解过渡到用活泼的嘻哈拍打口静的餐厅谈话,而转变也从未感到强迫——他们是漫威语调的延伸。

声音效果以类似无政府精神来分层。 被魔法所重塑的肉被挤出,蔡曼刀的金属花纹,以及一个孢子像雪一样倒下的城市的环境噪音,都用一种叶片来制成,几乎是脆脆的纹理来增强环境的严酷美观。 对话录音也突出出:人物声音往往带有轻微的扭曲或不寻常的回放,反映了其超自然性,创造了一个恒常的,潜意识的提醒,即这并非一个正常的世界。 多罗希多罗的音频团队理解,节目的特征取决于其声音感觉离奇而不可预知,并提供了一种真正活着的组合。

Netflix 动画中的关键声音设计技术

以上强调的系列都分享了共同但创造性地应用的技术,这些技术将它们与更传统的动漫制作区分开来:

  • 分相声界:[ 许多Netflix anime将人物能听到的音效元素——广播,AI公告,铃声电话——作为叙述的不可分割的部分,模糊了分数和世界本身之间的分数线,这可以放大浸润,并且可以不花开对话来进行演示.
  • 沉默与消极空间:战略沉默被用来建立紧张,突出人物的孤立,或信号情感的中枢。 在不断的背景音乐时代,让一个场景静静地呼吸的决定是一种大胆的创造性声明。
  • Layered Ambirence: 出演像 Cyberpunk: Edgerunners 构造由数十个个个轨道所组成的复杂环境床——相距遥远的交通,电子哼声,混杂的谈话——这些组合,创造了一种如此厚厚的地方感,几乎变得可以明显.
  • Charracter Leitmotifs:[ 在Beastars和Vivy等系列中,特定的乐器或中庸词句被附加在单个字符上,如其演化而来,这些中庸词奖赏了细心的观众并给字符弧增加了深度.
  • 非传统仪器:[] 合成出出出出出出错,被扭曲出发现的声音,自定义而成的数字仪器,在不依赖传统管弦乐的情况下,用来激发出未来或梦想般的设置.
  • Dynamic Music Cues: 作曲家们不仅在背景中演奏一首曲目,而且经常会将音乐与屏幕上的事件相配合到框上. Tempo 变相,突然的关键变化,以及突然的切分时间都与动作,呼吸,甚至眨眼相接,形成无缝的视听联系.

音乐形状描述和字符发展

除了大气层,Netflix anime中最有创意的音景也成为讲述故事的关键工具。 在Vivy中,主角的歌唱声的演化贯穿整个主题弧;观众理解她的成长,不是通过说出的话,而是通过她的声音。 在Beastars中,乐高的狼本能和温和性之间的冲突从未在对话中完全解决,这反映在不断的音乐推拉和柔和弦之间的不断推拉中。 这些例子表明音乐从情感墙纸转变为作为叙述的积极参与者。

这种方法通过接触不同的认知层来加深观众的接触。 当声音设计镜像人物的心理状态时 — — 在恐慌袭击中通过被打乱的音频,或在启示的时刻突然降声沉默 — — 观众更亲切地体验故事。 这是一种绕过智力解释和身体内地的诱导共鸣形式。 随着流传时代向可能无法从每个文化细微处取出的全球受众推来气息,音频就成为一种普遍的情感语言。

此外,在Cyberpunk: Edgerunners等节目中创造性地使用特许音乐开辟了新的叙事可能性。 精心选择的一首歌曲可以将整个角色弧压缩为三分钟,为情感提供快捷键,而原始分数可能需要更长的时间来构建。Netflix显示经常成功实现的挑战就是有机地整合这些曲目,而不会让他们感到像商业中断。

Netflix优势:全球人才和粗体实验

Netflix的直接委托模式让动画工作室能够接触到国际作曲家、音效设计师和录音设施,而这些设施在典型的制作委员会系统下将更难保障。 这导致了跨文化合作,带来了新鲜的音效调盘 — — 比如山冈秋一郎在Edgerunners上的电子游戏感知,或者在多罗赫多罗的Reggae和金属聚变。 平台愿意绿灯实验项目,加上人们常常用高品质的耳机收听,鼓励音频团队构建丰富而详细的音景,引起人们的密切关注。

另一个因素是全能发布格式。 由于Netflix anime是用于宾客的,所以音效设计师可以设计一个跨越各集的有凝聚力的音频旅程,使用长式音乐弧和不断演变的音效处理,这些处理会因每周的空隙而缩小。 这种整体方法可以让系列的声能特性随着时间成熟,产生流出观众所期待的累积情感影响。

这种环境也允许在音轨构成中承担更大的风险,这从Devilman Crybaby的阴险电子a或日本辛克斯的环境最小化:2020中可以看出。 创造者对符合流派期望的压力较小,导致音频可以一发而发地、美丽地或深深地不安地——有时一次就全部如此。

Netflix Anime 中音响的未来

随着动画制作在全球范围持续扩展,音乐和声音设计的作用只会增长。 空间音频、基于物体的混合和AI辅助音效生成的进步已经在戏剧发行中测试,而它们过滤入流动音效的时机已晚。 Netflix拥有技术资源和创新欲望,因此能够很好地领导这种电荷。 即将到来的标题承诺进行更大胆的实验:基于观众选择的交互式音效变化、与虚拟声学家合作搭建的音轨以及适应性混合,从而对回放装置和环境作出反应。

不变的是对情感频率回响的故事的基本人类需求。 拥有最创造性地使用音乐和声音的Netflix动画提醒我们,伟大的音频并非只是被听到的,而是被感受到的。 从比星的超现实爵士乐到日本信克的沉寂:2020年,这些系列表明,当作曲家和声音设计师被赋予实验的自由时,动画超越了它的介质,成为了完全感官体验。 对于愿意聆听的观众来说,他们所看到的是深刻的。

更想探索声音如何塑造现代动能,读取Polygon对最佳动能音轨的圆环和. The Verge's Review of Cyberpunk: Edgerunners' audio implection.