Madhouse是日本动画的支柱,与艺术的大胆和技术掌握同义词。 自从1972年工业老兵Masao Maruyama、Osamu Dezaki、Rintaro和Yoshiaki Kawajiri成立以来,该工作室已经刻出了一条极具独立性的道路。 与许多竞争者定居在单一房屋风格中不同,Madhouse建立了其声誉,以色马伦般的能力来调整其视觉语言,使其适应手头的故事。 这种演讲、导演驱动的项目导致了庞大的动画技术的培养,将手绘的艺术灵魂与数字连锁、3D整合和实验性混合媒体的无限可能性融合。 考察Madhouse的方法显示,不是从旧到新到新,而是有意地将工具编织成一幅,其中传统工艺和尖端技术共存,以服务于叙事权。

基础Ethos:技术-不可知工作室主任

了解Madhouse独特的动画技术首先需要把握其基础哲学。 工作室从未像京都动画的圆形面孔或Trigger的几何动作那样被一个单调的外观所定义。 相反,它的身份建立在导演第一文化之上。 Madhouse为有远见的导演提供了基础设施、人才和财政支持 — — 佐藤康、川岩雄树、Hosoda、Sunao Katabuchi — — 在不受公司干预的情况下实现他们特定的电影语言。 这导致电影和系列中感觉完全不同:摄影现实主义偏执症 的Blue 与导演的想象力永远是仆人,从不是一种约束。

保护灵魂:疯人院与传统手绘动画艺术

早在数字管道成为标准之前,Madhouse就通过精英传统CeL动画建立了自己的小品。 工作室早期的输出,从的超暴力芭蕾舞剧[的忍者史克罗[到的Vampire Hunter D: Bloodlust的大气恐惧,展现了手的令人喘息的指令。 Madhouse动画家们并非简单地画框;而是用铅笔和颜料雕刻了重量、动力和情感。

线重、 锯齿框架和“ Yutapon” 影响

Madhouse传统武库的一个特征是它积极地使用可变线重和有型扭曲。 中村雄中(Yutaka Nakamura)这样的动画家,其高影响力的动作削减被称为“Yutapon立方体 ” , 完善了碎片、撞击和速度线破碎成几何碎片的技术,但依然感觉其以手绘流为底。 这种依赖 恐惧帧 — — 一种单幅画伸展和扭曲模拟极端运动的技术 — — 被忽略的疯人院,以实现粘着的速度感而不损失体积。 这不仅仅是预算的捷径;它是一种艺术性的说法,即动画可以成为对现实的印象性解释,而不是对现实的奴隶。

控制扭曲和物体旋转

Madhouse的传统动画在复杂的演练中也表现得非常出色. 工作室经常利用多飞机相机在物理台上拍摄的效果,从而形成一个可视的伞形深度. 这一过程很艰难,包括用绘画的背景和天象来分层玻璃板,以不同的速度移动它们,以达到立体视觉的幻觉. 虽然许多工作室放弃了这些钻机来进行数字化的加速,但Madhouse仍然保留了以真正的三维逻辑来规划场景的学科. 这种数字前空间意识成为了桥梁,使得他们后来的数字集成变得如此无缝,因为即使他们的二维字符设计都生活在一个三维世界中.

数字革命:不牺牲纹理地整合技术

2000年代初期向数字化色和混凝土过渡标志着动漫行业的地震转变。 在许多工作室,这意味着“类似温暖”和凝胶漆的谷状质素的流失。 Madhouse独家地引导了这一转变,将数字工具不是作为艺术家的替代品,而是作为与过去相仿的新画布。 他们明确拒绝以优美、无菌的数字外观为主,而倾向于模仿电影存量不完善的纹理、电影版面。

数字编译作为描述工具

数字堆肥成为Madhouse最强大的标志技术之一,尽管其应用因项目的不同而异。 在Satoshi Kon的作品中,堆肥被用来打破现实的界限。 Kon的团队将拍摄活动参考镜头,追踪其上,以达到自然主义的肢体语言,然后在数字照明、镜头照明和镜头聚焦效果中分层,通常为活动电影所保留。 这种“非动物”摄影模拟方法,用Adobe After Effects等软件实现,让“”的团队能够创建出在物理上不可能存在的瓶跳跃切换和相框过渡。 这一技术模糊了插图框和摄影现实之间的界限,使心理恐怖感觉直接而具有入侵性。

3D 集成: 墨水下方的线框

Madhouse使用3D集成作为案例研究,研究如何将计算机生成的图像(CGI)与手绘字符相接,而不使用笼盖“笼罩”的断开,从而影响较小的生产。他们的哲学避免将3D模型简单地当作模型来看待。3D线框充当动态的起草工具。在 Death Note 中的背景,钟楼的扭矩齿轮或东京的宽天线,往往用3D软件构建,使摄像机能够模拟不可能的扫射起重机。然后,手绘字符被转弯或手动地与这些3D布局网格对齐,在环境完全精确地移动时保留有机线艺术。

以 死亡者的高中[作为纯技术融合的例子。僵尸群提出了无法在电视时间表上逐帧绘制动画量的挑战。解决方案是混合管道:手绘人物钻机被映射到3D人群模拟运动上,以进行大众场景,而特写英雄瞬间则保留了完整的2D表达。结果是,在范围上感觉了巨大的启示,从未打破2D美学。 Madhouse的3D部门的行为不像视觉效果之家,更像虚拟电影单位,为2D动画家预视不可能拍摄的镜头。

视觉语言: 颜色、 光和混合媒体

除了堆肥和建模的力学之外,Madhouse还使用一种明显积极的视觉纹理调色板来表示流派和心理学。 这不是一个简单的“闪亮的颜色用于行动”的问题。 它深刻理解色彩理论和光物理学,经常通过定制的遮蔽器和内部设计的堆肥插件执行。

非常规色彩调色板的调色板

Madhouse经常将非常规色调盘武器化,以造成情感上的不和谐。最引证的例子仍然是[]一个Punch Man[第1季,由Shingo Natsume指挥。该色调盘是由它的高键背景,常常是贴着超饱和的金属战斗背景来定义的。 反面人的装甲不只是遮蔽;它还用淡紫色和蓝色的大气边光灯来凝固,这种被称为“蓝滤”或光强化技术,使用数字光把数字从地面上分离开,这样一种无法凝固油漆的方式。 Hero 协会总部的临床、几乎不生化的照明在 One Punch man 传达一种体制上的空洞,使Sitama的“精”在物理上可以被切除。

相反,在Paranoia Agent中,色彩理论降入了一种暗示疾病和衰败的阴暗的黄绿色。 数字油漆被故意脱饱,并被噪音颗粒覆盖,从而降低了模拟被污染的VHS磁带的对比。 这不是预算意外;这是数字传输套件中为确保图像本身感觉不适而做出的细心决定。

混合介质和边界的碰撞

Madhouse最大胆的实验在于他们使用混合介质。 在动画中,“混合介质”往往停留在短暂的水彩剪辑或片段的片段,但Madhouse却将其作为结构叙事装置。 这种方法由Satoshi Kon改进,后来被背后的集体推向极限红线。

由Takeshi Koike导演的红线,可以说是21世纪技术上最过分的手工绘画,但同时也严重依赖混合技术的渲染。该片将厚厚的、类似于极光的人物涂抹成数字涂抹的纹理,为异形景观配上照片。Graffiti艺术、拍摄的金属片和扫描的杂志剪辑经过数字合成,形成了一个令人触摸的世界。烟和排气往往使用微粒效应进行模拟,然后用手将CGI的原始物理与铅笔中风的重量合并,从而痛苦地追踪到这些粒子效应。 制作分析 往往强调,Redline 花了七年时间才产生准确的,因为它拒绝数字和模拟必须存在于不同层次的概念。

技术专业的案例研究

完美蓝[(1997年):编辑为心理恐怖武器

萨托希·孔的首饰特征仍然是心理编辑的大师级,技术从堆肥台中出现。电影的中央自负-模糊的现实和性能-要求一种无法持续手动的方法。孔的团队使用数字形态技术,即人物的表达方式可以从微笑流畅地转变为尖叫,而不采用传统的“剪切”方式。这是通过操纵画的天象在制作后期的数码时序,制造一种微缓运动效应,使面部过渡暂停的时间足够长,足以使观看器解开。Mima跳跃在卡车下使用一个快速射击的仍保持摄影元素的组合,这种技术是后来定义心理刺激语言的。 攻击集的修复笔记[FLT]详细介绍Madhouse的配器如何在数码中间机中故意引入光泄漏和胶片的触动,将一层物理震动器添加到胶片上。[SufT] 模拟的图象图式图象图象图象图象图象图象图象图象图象图象图象图象图象图象图象图象图象图象图象图象图

死亡笔记(2006-2007年):思想的电影

Tetsurō Araki的改编死亡笔记提出了一个独特的问题:几乎完全由内部独白和战略对峙驱动,以感到像战斗动画一样的动态。Madhouse通过激进的方法实现这一点,将[数字相机语言[和[点燃]。该系列在象征性的颜色洗涤中被洗刷;当一个名字被写出来时,世界变了病态的红色,背景照明往往将人物隔离在尖锐的负空间池中。这里的关键技术是“动态背景”混杂乱。3D动的链、钟架和抽象的书写不断被跟踪到现场,把精神战变成物理的场景。摄像机很少坐落;它用圆架缓慢的缩放在单体场的浅浅深处,模拟了平面的矢艺术,使这种镜头模拟了平面的光线的光线,使智能对话变得了,是具有活性化的声的

1 Punch Man (海森1,2015):"网格"管道革命.

第一季的"一个冲锋侠"不仅仅是一个动画;这是Madhouse帮助开拓者的新动画制作时代的纪念碑。 该系列使用了“网络源”管道,这是新一代数字内生动画家的术语,他们完全用平板画,绕过传统的纸质扫描。 导演夏素美(Shingo Natsume)召集了这些独立创作者的全球团队,许多远程工作,挑战在于将他们不同风格(中村裕中村的瓦砾-繁琐细节与网络动画家的平面几何时)统一为一个整体。

解决方案是天才的数字堆肥和处理后[。 复杂的“影响后”脚本套装了一套全尺寸的制服、重度“厚度和光度”过滤器。 重点被推向了开花点,对比被粉碎,以统一不同程度的细节。 此外,Madhouse的团队使用矢量化的烟雾和液体模拟来获取热诺斯焚化炮等效果;这些不是手工绘制的,而是数学生成的,而是文字化和合成的,以完美地与全面遮蔽的美学相匹配。 Sukugaboor档案 记录了这个具体季节是如何成为充分数字化、无损动画的潜力的展示,在最后制作之前,画和效果仍然可以编辑,从而实现最大光度的。

帕布里卡[(2006年):引力和物理学的碰撞.

如果完美蓝探索现实主义的极限,那么Kon的帕普里卡就完全爆炸了。影片需要一种在梦之间无缝过渡的技术,面对的挑战是面向对象的动画[和实时阴影。字符走下走廊,成为照片,反射镜。comositing部门开发了一个“边界形态”引擎:将一个字符(内衬线)的轮廓剥离、伸缩和重新连接到不同的背景层,在对话期间将主题分解成漫画板。如果继续使用3D跟踪标记,小组还可以将动画面映到在混乱的梦偶和游行的线框上,通过3D的深层组合,将手绘表和3D的物理过程完全打破。

疯人院技术的遗产和现代应用

Madhouse的影响远远超出了它自己的目录。 工作室基本上将行业标准写成"数字电影"的动画,证明手绘角色可以携带体积照明、镜头畸形和现实的场面深度的重量而不丧失其特性。 现代工作室如MAPPA和Wit Studio,它们继承了Madhouse的许多自由职业者网络,现在运行的原则与Madhouse制度化的由导演驱动的技术设计相同。 巨神机上的“攻击”[和[ Jujutsu Kaisen 季,粉丝称赞其“燃烧的外观”是2000年代中期进行的混凝土实验的直接后代。

此外,Madhouse在“webgen”自由职业模式上的投资,在 One Punch Man 上证明,从根本上改变了生产物流。 使用积极的后处理技术来协调各种艺术风格,现在已成为依赖全球人才库的宏伟作品的共同解决方案。 Madhouse通过证明一个技术分散的员工队伍可以产生统一的美学,预先控制了现在定义产业的后扩展远程合作工作流程。 其遗产是民主化的复杂性,表明技术是支持艺术家愿景的架构,而不是相反的方式。

在一个观众渴望一个鲜明、可识别的动画“品牌”的时代,Madhouse仍然不为人所知,只能以其无情的品质和惊人的技巧多样性来加以识别。 工作室的历史是一个连续循环:手绘为数字码提供参考,数字可能性激励下一代的铅笔。 探索他们的电影摄影[ 从而成为通过各种可能的方式构建一个框架的旅程,这证明一个工作室从未以单一正确的方式相信动画,而只是为目前讲述的故事提供正确的方式。