每年都有数十个漫画系列被选作动画改编,从印刷版到移动图像的旅程远比仅仅追踪原始版面板要复杂得多。 导演、编剧、人物设计师和整个制作人员都面对着对热爱源材料的忠诚与新媒体所需的创作自由之间的根本矛盾。 其结果可能是一出能加深原作的光亮作品,或是一出能转移其最有声粉丝的一出一出一出。 理解这一翻译的真实地形 — — 艺术意图满足了商业压力,其中单一的帧必须承载一打碎版面板的重量 — — 讲述为什么有些改编在别人跌倒时会飞起。

拆除静态相机

在动画师举起铅笔之前,改编团队必须拆除漫画如何讲述故事。与电影或改编不同,漫画在双轨操作:相继艺术和相隔板之间的无形空间。 消极空间 — — 沟渠 — — 读者积极构建运动、时间和情感节拍。 漫藻艺术家们控制场景的节奏时,不是实际秒,而是按面板的大小、形状和排列。一页的一页可以保持一分一秒的戏剧效果;一个由小而相重叠的相隔板组成的快速火花相接序列可以模拟混乱。 动画,与固定帧率和文字持续时间相接,没有故意重新解释,就无法复制这种弹性的时间感。

导演们经常研究一个漫画如何使用翻页、双页散开和视觉模式来表示调子的转变。 例如,一个高潮的揭示可能被刻意保存到下一页的顶部,利用物理的翻转来产生出奇。 在动画中,揭示必须通过节奏、音乐和相机运动来重新设计。 “翻页的揭示”的丧失迫使创作者发明出新的讲故事语法 — — 有时是一个缓慢的平板,有时是尖锐的剪接,有时是残余的框框。 忠实的修改不仅仅复制了面板布局;它将他们创造的情绪内部化,并在电影语言中重建。

读者的沉闷也是他们能否继续沉浸在其中。 在漫画中,眼可以依靠详细的背景插图、微妙的面部表情或可能在移动媒体中被遮盖的环境故事。 动画组必须决定通过特写来展示哪些细节,这些细节将嵌入背景装饰,以及完全为了运动而牺牲。 这种编辑过程是一种翻译形式,将静态线索的世界凝聚成连续的视觉流。

重新设计视觉特征

样式和运动之间的线条

漫画艺术在密集的交叉画中回放,细微的笔划和夸大解剖特征,这些图画必须每秒移动24个相框,其复杂性就成为一种责任。关键动画师必须简化字符设计,使其变得干净而易行,而不抹去其独特的内容。对于更具有摄影真实性的曼加(认为]Vagabond或[Blame!]]等高度分层化的作品,有时工作室会倾斜到平面化,使用动态的外观和粗放的颜色来激发原始感觉,即使每帧的倒数。对于更具有摄影真实性的曼加(认为Vagabond或Blame !,决定往往会是用3D-Abet 设置一种混合贸易方式,或采用3D-Abelize 。

独有色人种遗产和彩色的到来

也许没有任何一个技术转变能比从黑白跳到颜色更能解决适应性特征的问题。 曼加艺术家大师Chiaroscuro、负空间和屏幕音调模式可以引起情绪,但他们很少从hue的角度思考。 动画制作的色彩设计师必须为以前只存在于灰地上的世界发明出一个整块调色板。天空是温和的ceruinean还是哑灰地? 人物的服装是用饱和的红色弹出还是用深地克林姆森来沟通? 这些选择可以潜入一个故事:恐怖的曼加可能依赖于鲜明的对比和压迫性的黑色,除非光线被严格控制。一些适应将这一挑战变成一个机会 — — 如真一郎·沃纳贝在 Samurai Chamloo 围绕大胆的、不合时代的色彩,但创造了自己的标志性特征。 不幸的是,其他人则失去了黑地气密度和气。

从静态模型到活字符

除了静态图像,角色设计者必须将二维回转转换转换成模型表,从每个角度映射一个数字,说明一个人物的分数极度短、运动模糊和壁画和悬浮。一个漫画面板可以欺骗视角;动画序列不能。一个具有无法移动长肢的CLAMP[字符的分数要求有一个一致的变形逻辑,在移动时感觉有机。有些工作室通过创建详细的3D参考模型来解决这个问题,即使是手绘序列,确保一个人物的分数仍然可以从任何角度识别。 这种技术骨干往往不被观众所注意,但在许多修改中,许多变化都能够悄然成功或失败:一个在关键框架外观中壮观但在不同镜头间摇摆出模的人物打破了一个凝聚世界的幻想。

叙述外科: 保存什么, 剪接什么, 发明什么

跨媒介相会

每周的漫画章节可能长达19页,设计成5分钟后就被耗尽,通常在7天内无法解决的悬崖上结束。 动画片通常长达24分钟,必须在推进大剧情的同时呈现令人满意的戏剧性弧形。 这种结构不匹配迫使编剧们进入了恒定的谈判状态:将两章压缩成一集,拉长出一集的战斗场景,作为一集的高潮,或者偶尔产生原始材料来弥补差距。 最好的压缩可以识别出一个序列的情感脊椎并简化演示,而最糟糕的只是黑入世界建设,让步态变得不规则。 类似的Fulmetal Alchemist:Broombiester 的剧情结,通过将早期的男歌片压缩而形成一个与源的后密度相仿的节奏,表明智慧速度不仅在于理解故事需要呼吸的地方。

内在声音问题

漫威可以用内部独白来填补语音泡沫,让角色的思想随动作而流出,而不会干扰视觉叙事。在动画中,广泛的内部叙事可以感到沉重,在屏幕爬行时夹住声音。适应者必须让思想外化。角色的犹豫可能通过手的抽搐、眼睛上一瞬间或象征性的切口来传达。“死亡记”的巧妙改编[将轻亚加米的内部计算变成了紧张的口语棋相配对,但因为整个前提都围绕着智力战来进行。 在动作-重力系列中,如 贝瑟克,古茨的内心折磨往往通过大气、声音设计和物理表现来传达,而这需要高度的导演信心。 当一个器件过于依赖语音来复制漫画的内在室内的内在视觉中,它有可能忘记电影的第一是视觉介质。

填充器双刃剑

当一个正在运行的动画赶上了连环漫画时, 制作要么中断, 要么创造“ 填充器” 事件, 而源材料中并没有出现。 填充器可以增加有意义的字符深度, 例如探索侧面角色的后部, 或者可以磨碎主要叙述, 以不切实际的弧来停止。 纳鲁托 [ [FLT: 1] 和 [ [FLT: 2]] Bleach [FLT: 3] 时代变得臭名昭著, 对于测试观众耐心的漫长填充季节来说, 填充器并非本质上的有害。 当与原作者密切协商后, 填充器可以感到罐子的扩张。 最近制作的作品越来越倾向于季节性断裂而不是无止的填充器, 一种让源材料向前拉并保持叙述动力的模式。 这一战略选择反映了一种行业学习, 与观众的节奏和信任比保持倍数的充值要重要得多。

交响乐层:声音、声音和分数

塑造字符灵魂

配音演员的演技不仅仅是读取行;他们把音素身份传入了先前的沉默人物。 漫画的粉丝已经将角色的腔调和语气从印刷词中内化。 配音导演必须找到一个能尊重想象出的声音的表演者,同时也满足录音的实际要求 — — 与其他演员的情感范围、化学和长时间的精力。 日本配音行业已经培养出深厚的才智,但即使在国际上,欺骗性的选择也可能是两极分化的。 配音演员过于远离集体的粉丝想象力,可以成为永久的争论点,而配音效果完美的演技则可以提升整个系列,就像马莫鲁·宫野的"轻雅加米"和"的"狂躁性能量,或者Yáki的"生绝望是"埃伦·叶格尔所见的。

以声音设计构建大气

漫威意味着通过不祥的出现而通过阴道文字来表达声音, 阴道的脚下。 在动画中,这些符号必须成为一个支持视觉故事的文字音频世界。 声音设计者为从织物的锈口到宇宙的咆哮而创建了一个各种花花效果的库。 往往困难在于平衡现实主义与夸张。 剑刀在现实中几乎不会轻声地要求一个共鸣的金属树脂来出售其惊人的重量。环境音频也可以携带一些叙述信息:一阵垂死的荧光光可以预示恐怖场面,而夜色克达斯的发声则可以建立一种忧郁的夏季情绪。 当声音设计看不见时,它就起作用了;当声音设计不见或配不上时,动能瞬间世界的咒语就崩溃了。

音乐作为无口之谈

强分可以与节目的特性相分离。 作曲家Kuki Kajiura的歌剧歌词在 Madoka Magica 中, 相野弘一的弹道混合管弦乐摇滚可以取 , 或者在泰坦上被攻击, 或者乔·希赛希斯希的温和钢琴对吉布利电影的演奏—— 这些乐谱并不只是配合动作; 他们解释这些乐谱。 作曲者在改编中面临独特的挑战:音乐旋律应该像人物设计一样无可避免,但完全被发明。 最好的乐谱可以潜入到一个场景的道德模糊之处,或者给某个角色的内在单调上所依赖的时刻施加情感上的分量。 在没有文字的情况下,一个反复出现的乐谱可以像任何对话线一样有效地表示人物的存在或演化。

观众的光谱期待

真空中不存在任何适应。 充满激情的粉丝组合的漫画以事先存在的心灵之道—— 一种常常无法完全满足的、集体想象的故事版本—— 到达时, “ 忠诚” 的论述可以有所退缩, 将原始作品视为神圣的文字, 而不是创造性的跳板。 然而, 粉丝的紧贴强度并非不合理; 粉丝的强烈性对其读者产生了多么深刻的印记。 制作者必须决定是否以逐一的场景重建来证明忠诚, 或敢于重新解释, 从而带来新的主题深度。 两条路径都产生了杰作。 [[FLT: 0] Shell [FLT: 1] 中的鬼魂 (1995) 与 Masamune Shirow manga 的漫画有很大不同, 然而, 其对于身份的哲学冥想可以超越原始的文化影响。 Monster 由Naoki Urasawa 设计的, 设计者必须用精细练的忠实来修改, 并且其刻意的脚证明, 当基本材料已经是电影中可以进行近面的翻译。

社交媒体会放大每一个分歧。 单一改变的对话线或调整后的场景秩序可以引发病毒愤怒。智能制作通过官方渠道保持公开的沟通、分享制作艺术,偶尔让原创作者参与剧本决定来管理。 当Hajime Isayama在Titan 的终季中积极配合时,即使他的实质性改变也被接受,因为粉丝基地信任他的愿景。 信任是适应的货币;一旦花费,就很难重新获得。

生产现实:技术、预算和人才

选择动画管道

传统的2D手绘动画,3D CGI,或者两者的混合体之间的决定不再纯粹是美学,而是一种逻辑计算。2D方法提供了有机线条和表达变形,许多粉丝将这种变形与“动物外观”联系在一起,但需要一支由关键动画师和中间人物组成的队伍,特别是复杂的动作切换。 3D CG在Lustrous 或[ Beastars 中广泛使用,它可以产生美化、流体运动,但是如果不与传统遮光和谨慎地运动相接合,它就有可能形成“uncanny Valley ” 。 在Orange工作室中看到的“2.5D”混合管的日益增长趋势是使用3D模型,其框架率有限,以模拟手绘美学,同时保持空间一致性。 每一个管道选择最终产品能够实现并直接影响时间表和预算。

预算限制和永久开支

毫无例外,每部作品都以有限的资源运作。 即使大型制作委员会支持的高调改编也会受到压缩时间表的影响。 动画行业对自由动画师的依赖和严格的广播期限意味着角往往不会被从懒惰中剪去,而完全是出于必要的。 电影的后期片段可能仍然带有最小运动、再生的银行镜头或简化的背景艺术,以保留关键设定序列的预算。 明辨的观众可以感知这些权衡。 精明的改编与非凡的改编之间的区别往往在于,制作如何掩盖其局限性。 技能的导演们计划围绕其现有人才采取行动,设计出尽可能大的影响序列,而不会过度影响团队。 已故的相思(Satush Kon)虽然主要是一位电影导演,但表明,如果与发明编辑和声音相结合,心理紧张可以保持最小运动。

生产委员会的隐形手

金融支持者 — — 出版者、音乐标签、玩具制造商 — — 对创造性决策有直接影响。 有关特殊运动的漫画可能会因为赞助商看到销售潜力而突然获得可爱的动物吉祥物。 人物设计可能会被软化以吸引更广泛的人口。 这些商业压力可能与改编的艺术意图相冲突,但它们是行业不可分割的一部分。 最有弹性的改编者会以透明的方式谈判这些利益,利用原创作者的影响力来保护故事的核心。 当创意和商业重点一致时,结果可能是一种文化现象;当它们发生冲突时,改编就成为错误解读源吸引力的警示故事。

透视特定变换的轮廓

了解这些抽象的挑战有一件事;在实际中看到这些挑战就能够照亮工艺。 动作不是驱动者而是手语的微妙动作和水上光线的演奏。影片的成功取决于将整个子板和字符分开的勇气,相信视觉和文字诗歌能够传达内在独白的内在经历。在另一端, 导演山田直子的电影改编将七卷卷片压缩成两小时跑道,通过构建新的情感密集结构,放弃了严格的时间线条,从而放弃了主题共鸣。由于精英的集中,手语的战斗和水上光线的游戏,影片的成功与否取决于将整个子板和字符分开的勇气,相信视觉和文字诗歌能够传达内在内心独白的内在传。在另一端, one Punpun-Man的第一季成了全球的轰动,将曼加的动脉学切入了朔方,这才没有通过强力的感学的感官式的感动感动动,有时还能够通过高调动。

这些例子说明不存在单一的公式。 恐怖漫画像 Uzumaki 一样,需要忠实地取悦其复杂而螺旋式的恐惧,这就是它即将到来的适应性依赖于严酷的一色一色并刻苦地模仿伊藤俊一行艺术的原因。 类似 Kingdom的一幅一幅无所不在的史诗必须平衡大规模战斗序列和政治阴谋,在动画工作室从笨拙的早期CG转移到后期完善混合技术的过程中,后勤成就大有改进。 每个项目都是妥协、发明和无情追求一种感觉的案例研究,这种感觉曾经只在纸上出现过。

在页面和屏幕之间构建共享语言

将漫画转换成动画并不是一个机械的转换过程;它是一种解释行为,要求同样地尊重和大胆。最有共鸣的适应不仅复制,而且反应迅速。在板子之间阅读,听到隐含的声音,并用动和呼吸来填满沉默的沟槽。对于把部分风扇库疏出的危险,可以把故事介绍给数百万人,他们永远无法拾起一分的漫画,将它遗留下来的作品扩展到原来的形式之外。挑战——节奏、艺术风格、铸造、技术和期望——不是被打败的障碍,而是要用技能和共鸣来导航。当导航工作时,动画的适应不是源头的阴影,而是由旧爱所生出的新作品。对于观众来说,这种复杂的舞蹈会提高他们对于媒介和那些敢于弥合的艺术家的欣赏。