问人类意味着什么:探索身份和意识的 存在动画

身世的重量:为什么现在的活力比以往更重要

在某些动画中有一个奇特的时刻——一个长的沉默,一个盯着自己反射的人物,一个突然感觉异形的城景——故事不再涉及情节,而变成更令人不安的事物。它要求你用一个最有趣的问题来坐着,最谨慎地避免: 你究竟在常规和角色以及你对自己讲的故事下面是什么?

现实主义的动画在介质中占据着一个陌生和重要的空间。它不简单地用哲学来做窗纱的装饰,或者在动作序列之间引用尼采的人物。相反,它把问题刻在故事的结构中——动画风格、节奏、世界设计以及其人物的心理弧中。这些都显示了一些基本理解的东西:最可怕的怪物不是那些你用武器战斗的人,而是那些生活在自己脑袋里的人。

随着我们的世界与人工智能、数字身份、气候焦虑和一种普遍的感觉,即信仰、社区、事业、民族等老框架不再像以前那样维持下去,这种流派越来越具有相关性。 当1998年播出的系列实验 Lain [ 时,它对于线上和线下存在的模糊界限的构想就感觉到了预言。 今天,它感觉就像纪录片。

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令这些动静如此强烈的不仅仅是他们愿意提出困难的问题 — — 他们拒绝提供简单答案。 他们明白人类的状况是混乱、矛盾和往往痛苦的,他们尊重你,坐在这种不适中,而不是用一个整洁的结论来解决它。

哲学基金会:从基尔凯加尔德到库萨纳吉

要理解存在主义的动画,你需要了解它从哲学传统中汲取的 — — 即使它是在无意识地这样做。 活主义作为一个正式运动在19世纪和20世纪欧洲出现,有诸如瑟伦·基尔凯加尔德,弗里德里希·尼采,让-保罗·萨特尔,阿尔伯特·卡穆斯等思想家在努力解决传统意义体系的崩溃。他们的核心见解是解放和恐怖:[存在在本质之前。你生来就不是有预设的目的。你必须自己创造一个。

这一想法在战后日本会产生深刻的反响。 日本目睹了帝国主义思想的毁灭、原子武器的恐怖以及迅速的现代化,使许多人感到传统价值没有意义。 日本艺术家和作家——从三岛幸雄到安倍先生——在二十世纪后半叶的动漫成为严肃的艺术媒介时,已经探索了存在主义的主题。

对话中增加的动漫是能够以具体、情感毁灭性的方式表达抽象哲学概念的视觉语言。你可以阅读萨特的 Nautea[ , 并用智力把握存在恐惧的概念。 或者你可以看着伊卡里真嗣在胎儿的姿势下卷曲,无法与任何人联系,并且[在骨骼中。

核心问题:什么是人?

在其心脏,存在主义动因圈 一个问题令人难以接受: 人类身份不可减少的核心是什么? 它是否生物——大脑和身体的污秽问题?它是记忆吗?它是否积累了生命的叙述?它是否意识本身——是作为某人而不是某物的无益经验?还是它与他人和世界的关系?

不同的动因回答不同,最好的动因同时在紧张状态下持有多个答案.

壳里鬼和鬼的问题

Mamoru Oshii's Ghost in the Shell (1995)及其随后的电视连续剧 Stand Oliver Complex[仍然是动画中存在主义调查的金本位. 中心概念——人类大脑可以"细胞化",意识理论上可以复制或转移——迫使与哲学家争论了几个世纪的问题对抗.

主角Kusanagi少校有一个完全网络网络化的身体。只有她的大脑,或许还有更有机的东西。她很想知道她的记忆、她的个性,也就是她的"鬼魂",是否只是一种精心的模拟。当她遇到自称已经实现自我意识的傀儡大师时,问题就变得更加尖锐:如果从代码中产生意识,那么她与它有什么区别?

动画拒绝解决此事。 影片结束时, Kusanagi与傀儡大师合并, 创造的东西既不纯粹是人性的也不是纯粹人为的。 含义是激进的: 身份可能不是固定财产,而是持续的过程, 自我与其他、有机和合成、过去和未来的谈判。 您可以更多地阅读对特许经营的学术分析中的哲学影响, 这一点已经[[FLT: 0]] 结合个人身份的理论进行了广泛的研究[[FLT: 1]。

尼翁创世纪 伊凡格利翁:赫奇霍格的难题 制造的弗莱什

林田安诺的 尼翁创世纪(1995) 经常在解构mecha anime tropes时讨论,但其真正的主题却更亲密: 成为他人中的一个人的令人心痛的困难.

系列从哲学家阿瑟·施本豪尔的“黑猩猩困境”概念中取材出其心理框架,即人类像冬冬刺客一样渴望亲近但脊椎相伤的理念。 Evangelion [ 中的每个主角都体现了这一悖论。伊卡里真嗣渴望被爱,但害怕脆弱的爱情需要。阿苏卡·朗利·索里尤预测了隐藏自我厌恶的核心。雷·阿亚纳吉是作为制造出来的,即使她拥有真正的内在生活,也不确定。

天使,表象对立派,其实不是重点,而是促使人物陷入心理防御崩溃的催化剂,高潮的"人类仪表计划"提出将所有个体意识分解为单一的统一——结束孤独,但也结束你知道的自我。 动因问分离的痛苦是否值得作为个人的特权,它相信你能坐到模糊的地步。

安诺自己与抑郁症的挣扎为系列的原始情感纹理提供了信息. The [ 批评性地接受埃文格利翁[ 已经演化了几十年,它对后续动因的影响几乎不可能过度夸大.

数字小塞尔维斯, 被切割的世界

互联网时代的来临,生存主义的动漫发现新的领域可以探索。 “真实”和“虚拟”身份的区别 — — 已经脆弱 — — 开始在以不紧张的准确性预示着社交媒体时代的作品中完全解体。

连环实验 Lain:线性与自我

吉田雅美(Yoshitoshi ABe)系列实验 Lain (1998) 可能是有史以来最有先见的动画。它的主角 Lain Iwakura是一个静悄悄的中学生,她缠绕在“线条”中,这个全球通讯网络越来越多地与物理现实融合。 随着 Lain在"线条"中的存在不断增长,她在线和离线的界限也逐渐崩溃。 有很多 Lains, 或也许 Lain 从来没有像现在这样奇特。

系列大量借鉴了马歇尔·麦克卢汉等媒体理论家和丹尼尔·德内特等思想哲学家的作品,虽然从未明确命名他们. 其视觉语言——闪烁的电线,阴影的人物,向物理空间流血的界面——形成了一种持续的本体不安情绪. 你永远不知道你所看到的是哪一层现实,这正是重点.

在一个许多人维持多重在线人物的时代,算法塑造了身份,而"现实生活"和"在线生活"之间的区别也越来越感到武断,[]Lain[已经从科幻主义发展到心理现实主义。 它提出的问题——如果你的数字存在能够独立行动,独立感觉,甚至在你生物死亡后就存在——就不再是假设了。这是我们游进的水。

阿基拉:没有智慧的力量

大友中和郎(1988)通过权力和腐败的透镜来看待存在性问题。 影片在新东京(一个经过几十年的神秘爆炸后重建的城市),跟随少年自行车手的黑帮成员岛津雄发展出无法控制的通灵能力。 他从无能的罪犯转变为神性,对他本人和周围的人来说,不是解放而是毁灭。

阿基拉的存在恐怖在于权力与成熟之间的差距. 德苏获得了能够重塑现实本身的能力,但他在情感和心理上仍然是个孩子——不安全,冲动,渴望获得承认. 权力不能使他完整,它消耗了他. 漫画比电影更宽广,探索整个社会如何被他们不了解的力量扭曲,使其成为集体和个人责任的冥想.

电影的启示性图像和身体-激素序列将内在状态外部化: 失去控制、转变的痛苦、 发现你不是你想象中的样子的眩晕。这些是用最粘性视觉语言 想象出来的存在的担忧。

生命的永恒性和有限的意义

一条贯穿于许多存在主义动因的线条是死亡问题 — — 不仅仅是作为恐惧的东西,而是作为可能真正定义人类含义的东西。 如果你不能死,你是否仍然完全活着?

敬你的永恒:学会成为人类

吉藤 ⁇ (Yoshitoki QQima) 从独特的角度来看待这个问题。它的主角富士开始是一个不朽的、形状变化的orb,没有身份、没有情感、没有理解作为人存在的意义。富士被神秘的生物送到地球,逐渐积累了经验、关系和——令人惊奇的——损失。 每一死亡富士的见证都变成了他能够采取的一种形式,一种由字面上体现的记忆。

系列作为一种思想实验:[] 成为一个人的最低条件是什么? 富士通过痛苦,依附,不可逆转的损失性质来学习。 动感表明人类不是一种起始条件,而是一种成就,而是一种通过连接和悲伤缓慢建立起来的东西。 永恒远非天赋,而是富士必须克服的障碍,才能真正地活着。

零9号卫星和变身号

肖塔罗·伊希诺莫里Cyborg 009,1968年首次改编为动画,此后多次重审,通过身体转变的镜头探索存在性问题. 九人被一个阴暗的组织绑架并强行变成机器人,每个人与新存在的斗争不同:一些人拥抱他们的力量,其他人哀悼他们失去的人性,他们都想知道自己是否还是从前的一样人.

该系列在之后的许多哲学上比较密集的作品之前就已经存在,但其问题同样深刻。 如果你的身体可以被片段取代,那么"你"在什么时候不再是你? 机器人人的共同纽带——他们反对创造者而不是为它们服务的决定——成为对那些纯粹将自己定义为武器的人的认同。

艺术语言:形式如何成为内容

存在动画并不只是通过对话和情节来探索它们的主题,介质的视觉和听觉语言本身就是哲学探究的载体.

作为本体论的动画

动画人物是画出来的——构图图而不是照相身体——产生了一种有趣的共鸣,其中涉及到真实性和构筑身份的问题。有些导演倾向于这个。在诸如的作品中,最小化的几乎抽象的角色设计[ (1985)强调身份的脆弱性。的动画风格在的最后几集中发生了变化,从抛光的全景动画到粗糙的线条画到活动的镜头——掩盖心理防御的崩溃。

颜色选择带重。 变形的、 经常是脱饱和的调色板, 如 [ [FLT: 0]] Texhnolyze [[[FLT: 1]] 在单行对话前沟通存在性耗尽。 超饱和的数字景观 [[FLT: 2] Psycho- Pass [ 表明人工比真实更生动的世界 。

声音和沉默

日本语音在存在主义动画中经常使用一个特定的收录器:安静、克制、情绪从裂缝中溢出而不是涌出。 这种微妙性需要注意。 在读行中略微颤抖,这种停顿会稍长一些 — — 这些微弱的性能比显露的感觉能更有效地传达内在生活的重量。

沉默本身是一个工具。 长时间的瞬间没有对话,环境声音占据,字符就存在于空间中 — 这些段落创造了反射空间, 从而可以更快地取消对字符的独处, 而不是简单地观察它。

异形建筑

存在主义动画中的环境永远是中立的,它们都是陈述. labyrinthine公寓复合体[] Evangelion的[东京3号,壳中的鬼魂第九节总部的无菌走廊,Lain的的无光数字空虚,这些空间将内部条件外部化. 人物们在那些感觉太大或者太小,太空或者太幽闭的世界中移动,空间不适成为存在性迁移的比喻.

城市景观主导着流派,它们很少感到舒适。 生存主义动画中的城市倾向于“阴阳 ” : 新东京,无尽的大都市 Texhnolyze[,泛光学监视状态 Psycho-Pass[。 这些都是个人被系统所忽视的地方,人类建筑的庞大规模自相矛盾地强调个人的无名化。

线性边界和意外深度

存在主义的探究并不局限于明确的哲学动画。 某些最深入的对身份和意义探索出现在一些流派中,乍一看,这些流派似乎完全涉及其他事物。

现世的梅查

机械人及其巨大的机器人和军事冲突似乎不是一种哲学工具,但它产生了一些媒介最丰富的存在性文本。这种联系在反射时是有道理的。一个通过传感器和屏幕来体验世界的飞行员已经处于人和技术的中间状态。机械人扩大了人类意志,同时提出了关于人类内部是否仍然完全自主的问题。

Patlabor ,特别是Mamoru Oshii的第二部电影,从警察程序与机器人一起转向对技术、记忆和困扰机器和人的鬼魂的沉思。Bokorano 将儿童置于一个巨大的机器人中,并迫使他们面对每场战斗的死亡。mecha变成了一个十字架,将人物剥落到他们必不可少的自己。

恐怖作为存在危机

恐怖的动画通过制作抽象的混凝土来触动存在恐惧。 Paranoia Agent 给集体焦虑和自我欺骗带来形式。 完美蓝 解开表现和身份之间的界限,直到主角和观众都无法分辨一个结局和另一个开始。 ] 黑龙怪无奈古可尼 使用时间循环来探索人们是否可以改变或注定重复其最糟糕的冲动。

这些作品理解,最有效的恐怖不会威胁你的身体,它会威胁你的自我感.

遗产和持续影响

1990年代和2000年代初期存在主义的动画给人们留下了长的阴影。当代的作品继续探索类似的领域,为新的技术和社会背景而更新。 心理学-Pass[ 将自由意志的问题翻译为一个由预测算法所支配的社会。 维维:流眼的歌[ 追寻AI长达世纪的奋斗,以了解人类的创造力和目的。 Sonny Boy 将青少年排在维度之间的空白,从零开始观察他们的构造和去构筑。

影响范围超越了动画. 瓦乔夫斯基夫妇明确引用 壳中的鬼魂[作为灵感,用于矩阵. 埃万吉利翁的心理强度影响了从吉列尔莫·德尔托罗到丹尼斯·维勒内夫的电影制作人. 大友和奥希伊开发的视觉语言已经成为全球电影词汇的一部分.

对于愿意与困难打交道的观众来说,存在主义的动感提供了一些罕见的东西:娱乐不仅让你分心于生活,反而让你带着更尖锐的问题,也许是一种奇怪的安慰回到其中来,了解你是谁和在这里做什么的这种困惑的舒适性并不是个人的失败,而是人类的境遇本身.

您可以通过诸如 MyAnimeList等资源,为全面系列信息和社区讨论,或为对动漫和哲学的精准处理[的学术数据库,进一步探索对这些作品的分析. The 互联网哲学百科全书[也为那些思想能激发这些故事的存在主义思想家提供了无障碍的介绍.

这些动因是它们提出的问题没有过期日期。技术变化。社会变化。但是,在一个没有现成的宇宙中, 意识地、意识到自己的局限性、努力寻找或创造意义的经验, 却没有改变, 也很可能永远也不会改变。 最好的存在动因并不能解决这个谜题。这些经验让你在面对这个谜题时感到不那么孤独。