早期实验:日本动画的黎明

日本动画的最早闪烁出现在1910年代,当时的先驱者如大岛川俊一、北山地震公司(Setarí Kitayama)用剪辑动画、粉板技术和纸片剪辑制作短片。 这些早期作品 — — 往往不到3分钟 — — 大量沉浸在西方漫画和花边,却栽种了日本种子。 到1917年,出现了第一个专业动画短片,将动画确立为工艺。 然而,产业仍然支离破碎,个人在临时工作室工作。 它将需要战争、经济崩溃和有远见的医生 — — 转动 — — 将动画转化为大众媒介。

1920年代,随着像村田靖二和马萨冈的艺术家们开始尝试声音同步,尽管真正的对话要到1930年代才能到来。 马萨冈的 Chikara to Onna no Yo no Naka (1933年)成为日本第一部动画电影,同步对话,技术飞跃需要建筑定制的录音设备。 1930年代的军国主义政府也承认动画的宣传潜力,委托了Geijutsu Eigasha和Shochiku等工作室的电影。 虽然这些战时的制作限制了创作表达,但迫使动画家们发展出出生产纪律和在战后会重新出现的故事讲解技巧。 到1945年,一个行业的种子已经栽培,但基础设施是微不足道的 — — 最大的动画家是自由职业者,而主要电影工作室也被视为一种新奇幻。

德月革命:木希制作与电视动画的诞生

德州大木(Osamu Tezuka), 通常被誉为“万神通 ” , 做了比任何单一数字都更能将动画重塑成商业上可持续的艺术形式。 二战之后,电影制作缓慢且昂贵,没有人相信每周动画电视系列能够奏效。 德州大木(Mush)制作公司用[Astro Boy[(1963 ) 改变了这个过程。 为了控制成本,工作室发明了一个[有限动画[ 系统 — 重新使用天象,只模拟基本动作,依靠动态的故事板和声音设计来维持视觉刺激。 方法的剪切片每秒都算数,但允许按每周时间表为一小部分传统预算制作30分钟。

穆希制作公司也开创了出售海外广播权的做法,向全球观众介绍日本动画。 特祖卡随后的作品有[ 白狮金巴 和 固化的叙事动画。 尽管穆希最终面临金融崩溃,但其遗产是巨大的:它创造了将动画作为日本电视主打主打门的经济和创造性框架。为了更深入地了解特祖卡的贡献,访问[ 佐佐卡的官网。

经常被忽视的是,Tezuka的商业模式 — — 以输掉获得未来许可证和交易收入的方式出售事件 — — 是如何达到行业标准的。 Mushi Production的演播室系统也训练了一代动画家,他们日后会在整个行业、创办日出、Madhouse和其他主要房屋中发挥推动作用。 Tezuka本人继续创新,用色彩和[ Janguru Taitei[ (1965)) 来制作实验作品,用雄心勃勃的非线性叙述Hi no Tori[(1967 ) 。 然而,他的方法在经济上的脆弱性给行业提供了一个难的教训:有限的动画可以维持系列,但只有在预算与严谨的生产管理相结合的情况下才能维持。

东海动画:东方对迪士尼的回答

这部电影是1948年作为日本动画电影而成立的,后来更名为"富井动画",这部电影室被明确建在迪士尼制作管道上。 富井建造了该国第一个大型动画设施,其完成是训练计划、多飞机摄像机和将动画分为专门任务的实验室分系统。 他们的第一个色彩特征是[ Hakujaden(1958年),是日本动画家可以以特长的故事叙述方式与西方工作室竞争的标志性作品。

Toei成为了产生全球特许经营权的工厂。 Dragon Ball , One Pieclease , Sailor Moon 不仅取得了可怕的国内评级,而且巩固了Aime在欧洲、拉丁美洲并最终在北美的存在。 工作室长期运行的系列模型将动画变成了数百万人的日常习惯,并建立了sh ⁇ nen战斗流派的商业公式。 与此同时,Toei充当了人才的孵化器:许多其动画家后来留下寻找或领导其他被打过的工作室,使其成为了动画史上重要的十字路口。 Toei的公司时间表可以在 官方历史网页上查阅。 。

除了"季间分裂"模式之外,富井还开创了“季间分裂”模式,打破了长期循环的系列,将季中更新的圆弧分成了不同的弧形,从而根据观众的反馈进行课程校正。 工作室的内部培训方案产生了传奇动画师,如宫崎孝男、高屋雄和小田洋一,他们都在创建自己的工作室之前就开始了他们的职业生涯。 富井在1960年代和1970年代对戏剧特色的强调也设定了一个质量基准:电影,如[小王子和八头龙和阿尼马尔·特赖尔岛在商业上仍然可行的情况下推展了技术界限。 富井美术和商业的双重重点成为了工作室的持久遗产。

日出与墨迦流派的转变

20世纪70年代,机器人展出诸如[Mazinger Z和Getter Robo[]已经捕捉到少年男孩的想象力,但他们遵循了一种可预测的超级机器人公式:独身英雄驾驶一个无敌的机器来对抗一周的怪物。 1972年由前穆希生产公司工作人员建立的日出粉碎了这个模具。 日出公司用[Mobile Suit Gundam(1979年),引入了“真正的机器人”流派,因为墨查是大规模生产的战争武器,飞行员是有缺陷的士兵,而叙述冲突是地缘政治严肃的。

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日出公司在生产结构方面也进行了创新。 工作室是最早建立“生产委员会”模式的单位之一,在这种模式下,多个公司(广播商、玩具制造商、音乐标签)共同承担了前期成本和风险。 这种方法首先在 Gundam 上使用,后来在 Gunbuster和 Escaflowne 上使用,使得生产价值更高,并承担了更多的创造性风险。 到1990年代,日出公司已经成为了诸如日出公司、渡边信长()和谷口高罗(Gororo Tanigui)等董事事实上的培训场所,这三人都把工作室的梅查遗产推到了新的主题领域。 日出厂商愿意违抗会所创造的真正机器人的基因,仍然是对全球流行文化最持久的贡献。

OVA爆炸和Gainax的印地安人叛乱

1980年代带来了一个新的发行媒体:原创影视动画(OVA). 不受广播标准和时段限制,创作者可以针对每分钟预算较高、内容更精准的观众,一群开始为戴孔会议制作业余短片的动漫狂热分子于1984年组成了Studio Gainax,他们的第一个主要功能是Royal Space Force: The Wings of Honêaminise,这是一部视觉杰作,几乎使他们破产了——但它宣布了一个毫无艺术风险的摄影棚。

盖纳克斯的真正革命是在1995年以尼翁创世纪(Neon Genesis Evangelion)[. 赫达基·安诺对mecha流派的解构用心理创伤、宗教象征主义和破碎的叙事取代了英雄斗争。 该系列引发了全国性的辩论和巨大的交易收入,包括一个开创性的“埃瓦”帕钦科许可证帝国。 更重要的是,埃瓦格尔利翁证明了动画可能具有智力要求和商业规模,激发了一场实验性的深夜电视动画浪潮。 盖纳克斯最终重新塑造成演播室,比如特里格和卡拉,只会把这种叛逆的DNA扩展到现代行业。 分析该系列的持久影响,见 ANN特征。

OVA繁荣本身值得认可:它使一些里程碑式的作品得以实现,如[Megazone 23Bulblegum Crisis,以及[Gunbuster,每个作品都以电视无法容纳的方式实验了叙事结构和视觉风格。AIC和Artmic等工作室通过直接向视频出租受众提供餐饮而蓬勃发展,创造了一种绕过广播守门员的平行经济。 这一时期还出现了“负责人-自选”在动中崛起,像Mamoru Oshii、Katsuro Otomo和Hideaki Anno那样的创造者,用OVA预算来制作个人的、不妥协的项目。 OVA市场最终在1990年代末期作为数字发行和深夜电视插座而收缩,但其对创造性自由的影响仍未实现。

Studio Ghibli:作为全球电影院的动画

早稻田早稻田孝男、高谷雄和制片人铃木俊雄在1985年创办了Sudio Ghibli时,他们开始拍摄将动画作为所有时代的合法艺术形式的电影。 Ghibli拒绝了电视上有限的动画快捷方式,并投资在了每个帧呼吸气氛的露水、手摇的世界。 我的邻居Totoro 温和的奇思, 火花之光的无缝战时悲剧,的莫诺诺克公主的生态史诗显示,其他工作室无法相匹配。

全球的突破是 传奇Away(2001),它赢得了学院最佳动画特写奖,并成为日本历史上最受欢迎的电影。 吉布利的电影通过国际发行交易和最终流传,巩固了日本境外的安美威望。 工作室还开创了独特的生产理念:没有严格的剧本,允许故事板有机地演化,这种方法产生有机但往往令人惊恐的昂贵的制作。 吉布利的影响是不可估量的,它证明一个自成一体的、不妥协的视觉能够征服全球票房。 工作室历史的全面概述可以在Britannica找到。

吉布利之所以分裂,是因为他致力于手绘动画,即使行业转向数字化。 工作室在2010年代一直保持着一种全封闭的管道,只是完全过渡到数字化,其中 嘉谷公主的故事[(2013)和 玛妮在那里时(2014)。 拒绝在工艺上妥协,造成了一种不可变现的视觉特征 — — 丰富的背景、流畅的人物动画,以及细心关注光和纹理。 吉布利还开创了“制作者作为创意伙伴”的模式,由铃木俊雄担任叙事合作者,而不仅仅是一个金融家。 工作室在宫崎临时退休后进行的2015年后的重组表明,即使是传奇的机构也必须适应,但吉布利的遗迹作为艺术之家的外观仍然安全。

制作I.G和数字波

到了1990年代中期,该产业正处在技术转变的关头. Production I.G,成立于1987年,抓住了这一时刻. 在Mamoru Oshii的指导下,[ Shell 中的鬼魂成为传统单曲动画和数字混音的标志性混合体. 其网络朋克视觉语言,哲学深度,CG元素的无缝融合不仅影响了动画,而且影响了瓦奇夫斯基和詹姆斯·卡梅伦等西方电影制片人.

制作I.G继续用]血型:最后吸血鬼[和单机复合体系列来推进边界,开发了数字动画的专有工具,使得光环无法进行流体相机移动和复杂的照明。 工作室的成功标志着整个世纪的结束和全数字管道的开始,这很快成为整个行业的标准。 通过将高概念的科幻技术与尖端技术结合,制作I.G证明了动画可以引导而不是遵循全球动画趋势。

工作室还大量投资国际联合制作,与漫画网络合作制作[ IGPX,并与西方导演合作制作[天空爬行者[]等项目。 这种跨界方法使生产I.G暴露在新的生产方法和分销渠道中。工作室经过20年的改进后,数字管道成为行业的典范:它允许非线性编辑、实时色度分级以及2D和3D元素的无缝融合。生产I.G的子公司Wit Studio,后来的Wit Studio,在Titan和Vinland Saga上生产,将母公司的技术DNA带入流时代。 生产I.G的数码浪潮从此成为行业的规范,但这是他们早期的投资。

京都动画:重新定义字符-扭曲的故事

京都动画公司成立于1981年,最初在推出自己的作品之前曾作为其他公司的完成工作室。 工作室的方法是独一无二的:它雇用年轻艺术家作为全职员工,在内部学校对他们进行培训,并支付工资而不是自由职业者费用。 这创造了稳定、合作的环境,将质量和情感微妙置于速度之上。

其结果是系列的,如[]Clannad[K-On!,A静音,每个都具有人物动画和静音故事的大师级。[ 电影室强调内部的才能和视觉光辉,为电视动画的外观提高了栏目,影响了一代动画家,用电影的注意来处理即使是普通的场景。

2019年的纵火袭击摧毁了京都动画主演室,这是一场震撼整个行业的悲剧。 包括关键导演和动画师在内的36名工作人员的丧生对一个像家庭一样运作的摄影棚来说是一个毁灭性的打击。 然而,全世界粉丝和同行的支持的涌现反映了京都动画赢得的深刻尊重。 摄影棚的后期制作,如[小林龙女神S 和即将到来的电影项目,都表现出了坚韧性,并致力于延续质量和关怀的风貌。 京都动画的模式 — — 稳定的就业、内部培训和艺术诚信 — — 仍然是支配着大部分行业的千金经济规范的反点,而且它对人物驱动的动画的影响是无法磨灭的。

疯人院:永恒实验者

Madhouse出生于1972年,由希望创造自由的动画家创建的Mushi Production的骨灰中,这种自由成为了工作室的身份。Madhouse从未融入过一种单一的风格,而是成为了有远见的导演的避难所。它产生了Satoshi Kon的心灵刺激器[,完美地蓝]Paprika[,Ninja Scroll[和[Redline,Death Note的大脑猫和Hunter x Hunter的扩展史诗。

玛德豪斯冒险的意愿往往要付出财政代价,但将动画推向了新的美学和叙事领域。 工作室还是国际联合制作的早期采纳者,致力于马维尔动画的适应和海外人才合作。 在向配方发展的趋势行业中,玛德豪斯仍然是自闭症驱动动画的堡垒,证明了多样性本身可以成为一个可持续的品牌。

工作室的制作理念被故意分散。 与吉布利的等级模型或京都动画的内部系统不同,Madhouse是半独立单位组成的集体,每个单位都由一名几乎完全具有创造性的导演领导。 这一结构吸引了萨托希·孔(Satoshi Kon)等高手,他把他的编辑室心理学带到了[千年女演员 和马莫鲁·霍索达(Mamoru Hosoda,),而马莫鲁·霍索达则在不花手绘的太阳象环的花费的情况下,让环境更加丰富。 沃夫儿童 在创立Shizu之前,他赢得了国际的赞誉。 Madhouse还开创了在1990年代末期使用数字背景,特别是在[ Cardcaptor Sakura和,这让2010年代的金融不稳定导致在BABY电视下仍是一个实验性遗留下来。

现代里程碑:Ufographable、触发器和MAPPA

2010年代推出了新一代的将数字创新与独特的艺术身份融合在一起的演播室。 Ufotable 成为数字堆肥精品的同义词。它改编了 命运/停留之夜:无限的刀锋工程[]和电影[ Demon Slayer: Mugen Train[(它成为了所有时间中最高的成比例的动画) 混合了2D字符动画,与动态3D相机工作,粒子效果,以及色彩分级,使动作序列几乎具有电影的重量。 Ufotable的专有作品流程证明,CG元素可以增强而不是与传统艺术家冲突。

由前盖纳克斯成员于2011年创立的Studio Trigger,将前身的无政府能量引向了诸如[ Kill la Kill[,,以及[ Cyberpunk: Edgerunners[]等标题。 特里格夸大、有风格的动画和造反调建立了一个专门的国际风扇形基,并表明一个工作室的品牌可以像导演的签名一样被认出来。

与此同时,MAPPA[(丸山动画制作项目协会)作为一个能够同时处理多个高知名度项目的动力厂出现,从攻击泰坦[到[Jujutsu Kaisen和Chainsaw Man]. MAPA的侵略性演播室-成长模式,加上自由职业人才和内部人才的组合,重新定义了现代生产管道能够实现的目标——尽管它也引发了业界对劳动条件的辩论。 这些演播室共同说明了生产如何通过技术、品牌和雄心壮志的不断发展。

现代还包括一些工作室,如[]]bones,这些工作室由前日出工作人员于1998年创立,将mecha的专业知识与流体动作动画结合在系列上,如[]Fulmetal Alchemist: Mobries, My Hero Academia[,Mob Sychool 100,Bones建立了一种高能格斗的舞蹈和情感深度的声誉,成为了光线流流流流流流流流流的流体的主干。 Scial SARU,由Masaaki Yusa共同创立,将数字动画界推向抽象的Devilman Crybaby,将你的手从Eize-

结论

动漫的历史并非一线之长,而是突破的织物,每一条都是由一个敢于做出不同事情的录音室的奇特愿景驱动的。 从穆希制作的有限动画使得电视动画成为可能,到富井特许工厂,日出真正的机器人革命,盖纳克斯的心理解构,吉布利的艺术高涨,制作I.G的数码飞跃,京都动画的情感工艺,Madhouse的自发性,以及现代的Ufotable, Trigger和MAPA的数码造型,都把媒体推向了未知的地域。

改变游戏的摄影棚不仅产生点击率;它们重新连接了动画的制作、资助和感知。 今天的流传影视、全球日日发布和国际联合制作的景观都站在了他们的创新上。 随着实时渲染和虚拟制作等新技术进入舞台,下一个历史摄影棚很可能已经勾画了它的第一帧,准备再次重塑动画。 历史的持久教训是,摄影棚——机构文化、风险容忍度以及藐视公约的意愿——仍然是日本动画中最强大的创造性演进引擎。