动画是日本自身艺术传统和西方动画影响融合而生的最具活力和最受全球喜爱的动画形式之一。 一个多世纪以来,该媒介的视觉语言已经从简单的剪纸实验转变为令人叹为观止的数字化眼镜。 这一概述可以追溯动画风格的历史发展,审视塑造每个时代的关键技术、经济压力和创造性突破。 通过了解像奥萨穆·特祖卡这样的早期先驱是如何发明成本节约方法成为美学的,以及后来的电影制作人是如何在接受计算机技术之前将手绘艺术推向极限的,我们可以欣赏现代动画的每一个框架背后的层次化的视觉历史。

动漫的诞生:早期技术

日本最早的动画出现在1910年代,当时运动电影业还处于世界范围的雏形。 三个先驱者经常被誉为:小岛大川、小町俊一和北山静太郎。 1917年,小川大川制作了[] 木川木藏·根坎班无马基[,使用黑板粉笔画和停止动画摄影;Kouchi的 Namakura Gatana(Dull Sword)使用了剪纸;北山在纸张上用墨水进行实验 Momotaro。这些短篇作品很少超过5分钟,受到kamishibai(纸剧场)和影子剧的影响,以及像Émilel Cohl和Winsor McCbay那样的西方动画像像像像像像像像像像像像像像像像像像像像像像像

到了20世纪30年代,全景动画已经引入,政府对宣传的兴趣导致了更雄心勃勃的制作。 由徐美秀执导的电影故事片 蒙美太郎的神海勇士[(1945年)是日本第一个完整的全景动画片。 由帝国海军资助,它使用一组动画师画透明环,这一创新使得背景更加分明,性格运动更加平稳。 尽管电影具有军事性,但它展示了国家动画产业的潜力。 然而,战时的短缺和工作室的破坏意味着日本投降后,动画几乎消失,为节俭但富有创造性的重生创造了舞台。 这些基础十年的更详细时间可参见由 编曲的百科全书中。 Anime新闻网。

动漫黄金时代:1960年代至1980年代

现代动画工业基本上是在1960年代初期在东京的一间小公寓里形成的。 当一位著名的漫画艺术家奥萨穆·特祖卡试图为电视改编他的命中系列 Astro Boy(Tetsuwan Atom ) 时,他面临着无情的制作时间表和微弱的预算。 特祖卡的激进解决方案是编纂一套“有限动画”技术,大大降低了所需绘画的数量。迪士尼的全动画经常每秒使用12至24幅画,特祖卡的穆希制作有时只用8幅画,有时只用几秒钟的镜头,而只拍动画的嘴裂片或一个相机锅。 这种方法在汉纳·巴尔贝拉电视模型的影响下,产生了一些标志性公约:在动作序列、循环背景中仍然会产生戏剧性的作用,通过极小但可读的绘画表达自己。 特祖卡的经济实用主义无意地使整个美学——其中的特征在静态和突然爆炸之间发展成中性的特征。

在1970年代和1980年代初, " 超级机器人 " 流派和mecha saga的诞生进一步推动了有限的动画,例如 Mazinger Z(1972年)等系列,通过重新使用精心制作的 " 银行 " 序列——可在剧后插入的预先转换和攻击动画,将预算限制变成了场景。同样, Mobile Sute Gundam(1979年)] 采用了一种更现实的机械运动方法,关键是精心设计,即使在帧率仍然很低的情况下,也能够传达重量和惯性。同时,Tudio Toei在Live 制作的像 那样的长片片中培训了一代未来大师,[FLT] 霍鲁斯:太阳王子[FLT](1968年),其中,像山崎和伊绍·高哈塔卡塔(Isao)这样的动画家,在精心绘画背景下,用精巧妙的画风格,用图表达出Tezukakata

主要工作和创新

这一时期的若干标志性标题巩固了将成为行业标准的技术:

  • Astro Boy (1963) — — 建立了电视动画制作管道,有限的动画快捷方式,以及可以通过时髦的,有条理的视觉来传递的道德复杂性。 关于Tezuka的标志性创作,可以在Tezuka Osamu Official 上进行更多探讨。
  • Speed Racer(1967) – 引入通过快速相机运动和夸张的视角转变实现的动能赛车序列,证明有限的动画仍然可以激发强大的速度感.
  • 卢平三世:卡格利俄斯特罗城堡(1979) ——宫崎早男导演的首演展现了流畅的人物动作和击掌手时钟,超越了电视预算限制,为工作室吉布利的哲学奠定了基础.
  • 曲棍球:你还记得爱吗?(1984) – 电视连续剧的特色改编,将"idol"和机械动画推向新的高度,将精心绘制的演唱会序列与激烈的斗狗混为一谈,这一切都是经过谨慎的经济在不太关键的场景中实现的.

特质电影的崛起:1980年代至1990年代

1980年代,日本经济繁荣,动画预算膨胀到以前无法想象的高度。Direct-to-Video(OVA)市场爆炸,允许创作者在没有电视检查或长度限制的情况下进行实验。电影制作者开始将动画作为细腻的电影工艺的画布。 Akira[(1988年)],由大友中和(Katsuhiro)指导,经常被引为转折点。由于生产预算约为10亿日元,有70多名动画师组成的团队,电影利用创纪录的破纪录的天象,许多用300多种颜色的扩大的色盘涂成天象。大友坚持在对话前强调,让动画家能够完美同步的唇动画——在当时是稀有的——并利用背立特和空气冲的阴影来创造灰尘埃、神经素的网络朋克气氛。影片对流人物的奉献精神表现和其第三场的演动画强度可以显示出出场和电影的强烈。

同时,1985年组建的Studio Ghibli还倡导了更温暖,更牧美的画风. Hayao Miyazaki的] My Neigro Totoro[ (1988) 使用了浓郁的,水彩的色彩和柔软的,圆圆形的人物设计来激发童年的奇观. Studio的标志变成了拒绝将人物与环境区分开来的;在Ghibli的电影中,挥舞草或蒸汽拉面碗的场与主角的表达方式一样,用同样的谨慎的画风. Isao Takahata的 火花的邻居 (1988) , 与Totororo一起作为双功能发行,采用了更现实的人文设计以及微妙的自然运动——在实时中扎根,儿童们的气的动作也被仔细观察了. 壳中的鬼魂[[FLT] 将传统动画装装装装装配上装上安装了热

影响电影

故事片复兴出了一系列作品,扩展了动画可以做的: 电影"小说"的"小说","小说","小说","小说","小说","小说","小说","小说","小说","小说","小说","小说","小说","小说","小说","小说","小说","小说","小说","小说","小说","小说","小说","小说","小说",","""""",""""","""""""""","""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""""

  • Akira (1988) – 革命色彩设计,照明,以及使用夸张的解剖细节;其对西方动画和网络朋克媒体的影响是不可估量的.
  • 皇家空间部队:Honnaamise的翅膀(1987)-一种Gainax生产,它试图将现实的机械细节与完全想象的替代世界融为一体,使用刻画的云和透镜的光栅效应。
  • 将手画和数码化, 引入网络空间的视觉语言, 将让整个十年的科幻故事都了解。
  • 蒙诺克公主(1997年) — — 吸收了少量数字绘画和堆肥,同时仍以压倒性优势手工制作,标志着该行业数字化转变前的Cel动画最后高峰.

现代动画: 2000年代至今

1990年代末期,廉价数字工具的出现引发了自1960年代以来动画制作中最迅速的转变。需要手工涂装的圆形画板的圆形画工艺被数字墨水和油漆系统逐渐取代。这种变化带来了一种巨大的扩大的彩色调幅,具有3D背景的易合成2D字符的能力,以及模仿活动电影的复杂相机运动。数字画还使渐变、柔软的阴影和照亮更容易实现,导致2000年代许多节目中看到的“光滑”美观。

过去十年,混合技术开始占据主导地位. Ufotable等工作室率先将3D计算机图形与手绘动画融合在一起,其标题包括Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba(2019). 他们的混搭部门将3D元素——水、烟、动态相机飞过——无缝地融合到最后图像保留了2D字符艺术,同时获得了流畅的、几乎触觉的深度感。同时,导演Makoto Shinkai的(2016) 你的名字,通过将摄影现实的数字照明和粒子效应与传统动画角色相结合,创造一个超现实的情感世界。例如Trigger和SARU等工作室则接受了有限的动画的固定优势。 Kill laked en Kill [F:5] (2013)和流体、手绘画、 预算线[20LT] 的简化[LT]。

互联网上诞生的一个显著趋势是“sakuga”社区,它致力于识别和庆祝杰出的个人动画剪辑。 这提高了关键动画师的地位,并鼓励制作包括英雄般雄心勃勃的系列——往往在纸上手画,然后进行数字扫描——这些系列在影响大的时刻每秒以24帧的全长运行。你可以在社区枢纽上探索无数的这种工艺美术的例子。 独立在线分发作品的WebXgen动画师也影响了主流工作室,将爆炸性的新运动风格带入连锁化的动画中。

当代趋势

目前的形势呈现出若干相互关联的发展:

  • 2.5D 编曲:[ 常规展示集成3D模型,用于人群,车辆,和效果,带有模仿传统2D艺术的线性重量和阴影形状的遮荫器.
  • Flat,图形美学:[一些工作室,如Science SARU,使用矢量像平面颜色和最小的阴影,引用数字插图,并允许使用涂鸦的cirs实现壁球和stretch变形.
  • Sakuga ⁇ Driven Episodes: 某些剧集,如Mob Psychology 100 II的终极剧集,是有意为关键动画家设计的展示,其绘画风格因纯粹运动哲学而异乎寻常.
  • 国际Co ⁇ 产: 日本和西方工作流程的混合,见于 Castlevania或[ Cyberpunk: Edgerunners,在仍然依赖核心动量生产管道的同时带来了新的导演感知.

结论:动漫的未来

人工智能的视觉进化从来就不是进步的线性行进;它是一个循环的自我——自我——弹性的旅程,每个新技术都重新发现了古老的魅力。 出于必要而采用的有限动画《德祖卡》现在已成为全球珍视的艺术形式、研究与模仿。 人工智能一旦宣告死亡,就在短片和实验作品中复活。 人工智能工具开始协助在人间和色彩上进行交流,虚拟现实为沉浸的故事故事开辟了新的途径,而这一行业将继续将超现实与印象主义融合。 但人工智能的灵魂却在于画家的铅笔,即刻意地选择了该作品的持有和投入狂热运动。 通过百年的创新,这种人类的触动将保证一种事物的延续,无论是在刻画上还是用虚拟引擎制作,它总是能记住如何移动的媒介。