Історія аніме: від Astro Boy до сучасних класиків і його еволюції через декади

Історія аніме не є єдиною прямою лінією, але живим архівом експериментації, що тягнеться з вікових візуальних традицій, перш ніж він коли-небудь захопився на телевізійний екран. Коли Osamu Tezuka's Астро Хлопець повітрюючись у 1963 році, не прибув з нодези — це кульмінація десятків короткометражних фільмів, вегетаційних особливостей, а також бумінг післявоєнної манги, яка вже навчалася, як тримати аудиторію. Що Тезука запобіжила, що імпульс з виробничою моделлю, яка могла працювати на розкладі мовлення, і так що він дав японську анімацію транспортного засобу, який може подорожувати далеко за її домашній ринок. Сьогодні аніме є міжнародною мовою жанру сюжету, але його граматика була побудована фігурою, декажджуючи, декажуть художники, які зберігають запит, що середовище може зробити далі.

Ранні корені аніме

Який термін аніме Зараз завоювавши чіткий візуальний стиль, найперші японські анімації не виглядали особливо японською. Плівки в 1910-х роках працювали з імпортним обладнанням, навчаючи американський і європейський шорти, і намагались зробити щось, що може конкурувати на місцевих екранах. Але вони також звернулися на оповідні форми, які були вишукані протягом століть в ілюстрованих ручках, або манго, а в театральності кицька. Ця суміш — занурення техніки, загорненої навколо корінних сюжетів, — визнають середню для поколінь.

Перші флікери анімації

До числа перших анімаційних фрагментів можна віднести гончарний Shimokawa Імокава Мукузо Генканбана Ні Макі (1917) та Юнічі Кобучі Намакура Гатана (1917), коротка комедія про об'єднання самураї. Вони мовчали, ручні, і рідко вибігли довше декількох хвилин. Сеітаро Кітайма, ще один ранній піонер, заснував власну студію і натискав на більш пропаговану згуртованість. Ніна цих робіт мала ресурси Дісней короткого, але вони встановили, що японські художники можуть побудувати внутрішню галузь з нуля, навіть якщо результати все ще були грубими по краях.

Пропаганда Wartime і його післямат

Світова війна II сформувала мету анімації практично на ніч. Японський уряд, визнаючи потужність рухомого зображення, введено пропагандистські фільми, які змішують живу дію з анімацією, найвідоміші істоти Маматоарьо немає Umiwashi (1943) і його дикеля Маматоарьо: Умі Ні Shinpei (1945). Вони були технічно амбітними за час, але вони були зброєю морального, не арти. Після війни промисловість повинна перебудувати практично повністю, а наступні кілька років побачили свідомий пік назад до розваг. Аудиторіях захотіла есапизм, а студії почали планувати більш комерційного майбутнього.

Toei Анімація та перша характеристика кольорів Японії

У 1958 році, Toei Анімація випустили Поцілунок білого подарунку (Українська)Акуджаден), перша повнокольорова анімаційна функція країни. Сформувалася на моделі Дісней, фільм сигналізував, що японські студії можуть обробляти довгострокові оповідання з конкурентоспроможною якістю візуальної якості. Toei швидко став найважливішим навчальним майданчиком для створення аніматорів і встановлених стандартів для виробничих трубопроводів, які будуть прийнятися по всій галузі. Також студію почали експортувати свої фільми в Азія і за її межами, висаджуючи насіння міжнародної аудиторії.

Оману Тезука: Людина, яка переніс майбутнє

Фахівці формують середовище, як ретельно, як і Осаду Тезука подібна аніме і манга. Вчився як лікар, Тезука заливила своє розуміння анатомії людини і його любов кінотеатру в свої комати, створюючи розкидливі наративи, які читають як сюжетні щити. Його манга Шин Такарайма (Новий острів скарбів) 1947 р. був кращимселером, а 1950-ті роки він був відштовхований послідовний арт на більш психологічно складну територію. Найкоротший рух Тезуки був привезти власну мангу до телебачення через невелику студію, яку він заснував, Мусійське виробництво. Щоб зробити анімацію доступним на щотижневому графіку мовлення, він прийняв систему обмеженої анімації—фючерних кадрів на другий, розумний результат келихів, а акцент на міцній історії та виразному дизайні персонажа над плинним рухом. Великий, емоттив очі його персонажі були частково захоплені Діснею і частково практичним способом телеграфа швидко почуватися. Цей підхід був не просто естетичним.

Астро Хлопчик і Світанок TV Аніме

Коли Астро Хлопець (Українська)Атому) дебютував на Fuji TV на День Нового Року 1963 року, японська анімація пережила рішуче від кіно театрів у вітальні. Показував себе хлопчиком-працею, який може відчувати себе любов, страх і православство, захоплюючи світом, який часто бачив його як зброя, а не дитину. Це був перший аніме серії, щоб мати безперервну сюжетну лінію по епізодах, і його успіх довели, що слухачі будуть звучати в тиждень після тижня для серійного мультфільму.

Як Астро Хлопець перевернути правила

Що таке Тезука зробила з Астро Хлопець продовжив рейтинги. Він показав, що анімація може зашифрувати теми, зазвичай зарезервовані для драми-акції. Ідентифікація, етика технології — без втрати уваги молодих глядачів. Також показ було створено модель виробництва, де запліднення прав допомогли проводити фінансові епізоди до того, як вони повітали, практика, яка пізніше стала стандартом у галузі. Для майбутніх творців, Астро Хлопець був кейсом, як бути комерційно-совісно-професійно амбітним.

Глобальна ставка «Мусих»

Виробництво Мухі Тезуки з подальшим виробництвом Астро Хлопець з рядом назв, які стануть ранніми посланями для аніме на заході. Кімба Білого Лева (1965) був першим японським анімаційним серіалом, щоб повітря в кольорі на американський телебачення, вигравши сім'ї з африканськими налаштуваннями та екологічними темами. Недовго після того, як високе русло сага Швидкість Racer (1967) запровадив покоління глядачів за межами Японії до відмінної пам'яті аніме і візуальної мови. Ці експорти часто були сильно переоцінені і культурно розсічені вниз, але вони довели, що попит, і вони давали міжнародні дистриб'ютори причину, щоб зберегти погляд на японські каталоги.

Телевізор приймає над

Успіх Астро Хлопець перетворили аніме в фіксацію японських розкладів мовлення. Студійки, як Токіо КіноШинша, Tatsunoko Production, а пізніше Sunrise scrambled для заповнення мережевих слотів, а 1960-ті побачили різкий підйом в оригінальних анімаційних серіалах, спрямованих на різні демографічні. З телебаченням прийшла апетит для різних жанрів—спорту, наукознавства, історичної пригоди— і нова економічна модель, яка прив'язувала трансляторів, іграшка компаній, і видавців разом в тісній петлі. Аніме не була більш пишною, це була промисловість.

1970-ті роки: Жанри багатоплі, Амбіція вирощує

Два десятиліття після того, як чорно-біла епоха побачили аніме, що простягається в кожному напрямку відразу. Кріпи почали пошиття шоу не тільки дітям, але і дорослим, а й оповіданняРозвиток виросло більш щільним, темним і візуальним експериментом болдера.

Меха, Космічна опера та серійне видовище

У мехаському жанрі став дефінований формат дії періоду. Мазінгер З (1972) поставив пілотований гігантський робот в центрі історії і перетворив щотижневу монстрську битву в обряд, що подала іграшкам продаж через дах. Тоді Йошіюцький Томіно Мобільний Суїт Гунддам (1979) повністю послав сценарій: замість простої герої-вересень-посадкової ділянки, вона запропонувала морально неоднозначну війну драми, де загинув солдати, політичну справу, а мобільні костюми були масово-виготовленою зброєю, а не супергероїдних охоронців. Космічні опери, як і Космічна битва Ямато (1974) нанесені існуючі ставки на міжзоряльні подорожі, а Наука Неймана (1972) доставила високу оцінку колективу, яка пізніше буде озвучена в безлімітних шоу. До кінця 1970-х років аніме довели, що вона може підтримувати довгі дуги і справжню емоційну вагу.

Shojo Аніме і історії для нових Audiences

У той час як меха переважає шунь, 1970-ті роки також ненав'язав вибуху соно-імему, спрямованого переважно на молодих жінок. Напкон Анімація Гейді, Дівчина Альп (1974), режисер Ісао Такахата та з сценарним розташуванням Хайо Міязаки, показали, що повільна, атмосферна історія про швейцарський сиріт може шифрувати величезні аудиторії. У 1979 році, Роза Версаль Приніс французьку Революцію японському телебачення з героїнею, Оскар Франсуа де Яржайс, який жив як чоловіка, так і навігував як суд, так і поле бою з складністю рідко бачив в анімації в той час. Оскар став іконою, і серія допомогли встановити, що синонім може бути як політично заряджений і емоційно складний як що-небудь в шоненській сфері.

Акіра: Культурний Шокхвильова

Катсуйро Отомо Ахіра (1988) висаджував як вибух в середовищі, який вже швидко розширюється. З бюджетним нездоровим для анімаційної функції в Японії фільм продає Нео-Токіо в об'ємному деталях—граффіті-скарбовані стіни, байкерські гайки на радіоактивних світанках, психічної енерності, яка кинулася як багато для тіла жахів, так і для наук. Ахіра ніколи не продовжить залишатися хижаним до Японії. Коли він досягав західних екранів артхауса і нічних показів, він занурився аудиторіями, які прибули анімацію, була для дітей. Багато слідують другій хвилі глобального аніме, що вболівальник безпосередньо до цього фільму. Його вплив помітний не тільки в пізній аніме, але в музичних відео, жива діяльні фільми, а весь кіберпанк естетичний, який слідував. А ретроспективний вплив на світовий вплив Зрозуміємо, як ретельно відреставрувати очікування.

Дракон Бал і Сайлор Місяця: Ікона без кордонів

Наприкінці 1980-х років і на початку 1990-х років виготовили два серії, які перетворили аніме у світову молодіжну культуру. Акіра Торяма Дракон Бал (1986) і його дикеля Дракон Яйця З Поєднання бойових мистецтв видовище з нерозривним почуттям скальації, перетворюючи Гоку в побутову назву з Латинської Америки на Південно-Східної Азії. Тим часом Наоко Приймачі Сейлор Місяця (1992) приніс команду чарівних героїнів до прем’єр- часу, що мусить справлятися з темами дружби, любові та особистої ідентичності. Обидва серії демонстрували величезну потужність довгоочікуваних шоненових і шохо-форматів, і як будували харандізаційні імперії, які розтягували по континентах, цементуючи місце аніме в глобальній розважальній економіці.

Студія Ghibli і аніме як кіноарт

Якщо телебачення було зроблено середнє доступне і серійне, Studio Ghibli зробив його престижним. З'єднання в 1985 році Hayao Miyazaki, Isao Takahata і продюсер Toshio Suzuki, майстер-клас поширив нехвильове бачення: ручна анімація може стати серйозною арт-формою, здатною висловити найглибші людські враження.

Майстер-класи Міязаки

Від Наусикая долині вітру (1984 р., виготовлений до офіційного запізнення Гихіблі, але часто розглядав його духовний початок) через Лапута: замок в небо, , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , Мій Сусід Totoroй Принцеса Мононо, Міазаки побудував тіло роботи, що відмовилися говорити дітям. Його фільми граппі з екологічним краєм, жах війни, і пружною часткою звичайних людей. Сама анімація дихає — вітрові рифи трави, водяні замочування в тканину, і тихі моменти дають стільки ваги, скільки дієвих наборів. Для міжнародних критик, які ніколи не вжили японську анімацію серйозно, фільми гіблі були освітлення.

Емоційне глибин Такагата

Ісао Такагата приніс різну, але однаково потенсивну чутливість. Випробування фанів (1988), випущені в якості подвійної функції з Мій Сусід Totoro, залишається одним з найбільш руйнівних воєнних фільмів коли-небудь зробив, анімованих або інших. Його неприпустимо виглядати на двох мурах, які стикалися, щоб вижити в післяматології феєрбомів Kobe, смугастих від будь-якого поняття, що анімація була властиво ніжним середнім. Такагата пізніше проштовхнула візуальні можливості, додатково з Казка принцеси Кагуя, використовуючи живописний, підсумковий стиль, який здавалося б, розчинити лінію між малюнками і емоціями.

Вихователи Ауди і Оскар, які змінили все

Коли Духовний шлях Завоював нагороду Академії за кращу анімаційну функцію в 2002 році, це не просто трофей на єдиний фільм. Було визнання, що японська анімація прибула на найбільшу світову кіностудію. У рамках фестивалю було представлено високий фантастичний фільм, який влаштував на молодих дівчат навігацію халату для спиртних напоїв, чарівних аудиторій незалежно від мови, і залишається найвищим заростом в японській історії. Відзначено двері для більшого міжнародного дистрибуції і дав дистриб'юторам впевненість у лікуванні аніме випускає як основні події. Офіційні Сайт: www.ghibli.com продовжує відсвяткувати каталог, який реформує мистецьку репутацію анімації.

Сучасна аніме: Деконструкція, цифрові інструменти та глобальна культура

У 20-му столітті вийшов аніме, введений в фазу самовизначення і технологічного перекриття. Рукофарбований сел почав давати шлях до цифрової фарби і фарби, а нова порода режисерів використовувала середню допити власних тропів.

Evangelion і привид в Shell: Розум на екрані

Хібаки Анно Неон Генезис Евангельіон (1995) приймав знайомий кадр меха-шоу і заповнивши його психологічною фрагментацією. Пілоти підліткового віку не були героями, але травмовані діти, а фінальні епізоди серії закинуті звичайними наративними альтанки на користь внутрішнього, практично терапевтичного дайва в психіку головного героя. Цього ж року Мамору Ошій Привид в шелл злилися кіберпанку ноір з філософськими медитаціями на свідомості та боділі ідентичності. Обидва твори впливають на кінокерівників добре за Японією - Ваховського відкрито цитують Привид в шелл як натхнення для Матриця— і вони цементовані репутації аніме як середнє бажання запитати на тверді питання.

Цифровий Shift і потокова революція

Останні 1990-ті роки і ранні 2000-ті роки побачили студійні переходи в цифрову розмальовку і композицію, що дозволило більш хитрому освітленню і більш швидке планування виробництва. Цей період також збігався з підйомом інтернету. Fansubs—viewer-translated епізоди поділилися онлайн-, розгорнув глобалізація фендом навіть як ускладненене ліцензування. Зрештою, промисловість відповіла законними платформами, які запропонували мулаки протягом годин японської трансляції. Послуги, як такі КРАНЧИР став основним трубопроводом для міжнародних глядачів, що перетворилося колись нішу субкультуру в щоденну медіа-звичку для мільйонів. Фахівці були замінені алгоритмами, а аудиторії раптом мали доступ до майже всієї історії середовища одночасно.

Сьогодні Пейзаж: Ісекай, Божественність, і кінець Ніче

Сучасна аніме визначається її різноманітністю шерсті. Азекай, який перевозить звичайні люди в фентезі світу, стала домінуючою комерційною силою, але вона співіснує з тихими скибочками-флами, атологи жахів, експериментальні шорти, що фінансуються через натовпопаливні платформи. Представництво також розширилася, з більшістю оповідань центрування ЛГБТК+ персонажів, що зачепить інвалідність, і досліджує відносини з традиційними шаблонами. Старі розділи між «Суботою ранковою мультфільмом» і «достойним мистецтвом» мають великий обпад. Аніме зараз говорить про глобальну аудиторію, яка очікує середовище, щоб тримати інновування, і цикл, і цикл, що почалася з цикл, що почалася з «Су, що з «Су, що з «Су». Астро Хлопець— петля зворотного зв’язку між художньою ризиком та апетитом аудиторії — не містить ознак сповільнення.

Живий архів середовища

Історія аніме є одним з постійної реінвенції під перенапругою. Від чорно-білих експериментів 1910-х до розтягування цифрових всесвітів сьогодні середовище завжди згинає межі бюджету, технології та культурного очікування до її заповіту. Осаму Тезука збили техніки анімації, тонік для роботи Go Nagai, розписані лижі Miyazaki, Анно переломлені думки — вчили, що минуле, а потім запитали, чи можна зламувати правила. Результат – це арт-форма, яка все ще відчуває себе як неспокійний і дивно, оскільки це було коли перший робот з багатим небом