Japon Animasyonu Şafakı: Stüdyolardan Önce Deney

anime küresel bir güç haline gelmeden önce, ortanın temelleri hızla modernize bir Japonya'da sınırlı kaynaklarla çalışan bireysel sanatçılar tarafından ortaya atıldı. ilk bilinen Japon animasyon tarihleri 1907'ye kadar kısa bir filmle, 1907'ye kadar, Katsudō Shashin (Activity Photo), bir çocuğun üç saniyelik bir döngüsü, Winsor McCay ve Émile Cohl gibi figürlerden ilham aldı, 2005 yılında keşfedilen üç öncü film yapımcısı, Jun'ichi Kōi ve Seitarō Kitayama. Imokawa Mukuzo Genkanban hiç Maki (1917) ilk uygun Japon animasyonlu kısa olarak kabul edilir, bir hizmetçinin bir kapıdaki komik mishap tasvir eder. Kōuchi takip etti Namakura Gatana (Dull Kılı) Aynı yıl, bu çağın basit çizgi çizimlerini kullanarak, resmi kurumlardan ziyade kişisel ağlarla paylaşmanın bir tema – daha sonraki nesiller için Japonya'nın yaratıcı iştahını oluşturan bu dönem, Japonya'nın animasyon için yaratıcı iştahını yarattı ama daha sonra endüstriyel altyapıyı yoksun bıraktı.

Japon animasyonunun teknik kısıtlamaları bu öncüleri yenilikden uzaklaştırdı. Disney'in her çerçeveden hareket etmesi için fotoğrafladı; Kōuchi, çok sayıda kameraya veya her iki celerse erişim sağlamadı. Bunun yerine, Shimokawa, bu değerli bir ekspres hattın oluşturulması için bir araya gelen estetik çizimleri kullanarak, bu tür bir animasyonun yeniden tanımlanmasını istedi.

Sanatçı-Studio Modeli: Kitayama, ⁇ fuji ve Bağımsız Öncüler

Tokyo'nun Suginami'deki küçük bir tesisin kullanımını yürüten Seitarō Kitayama, Kitayama Eiga Seisakujo'yu buldu, muhtemelen Japonya'daki ilk özel animasyon stüdyosunu kurdu. daha sonra anime üretimi için bir merkez haline gelecek -Kitayama'nın küçük takımı eğitim ve eğlence kısaları üretecek, endüstriyi şekillendirecek birkaç animatör yetiştirdi. Sarukani Gassen (The Monkey and the Crab, 1922) Japon halk masallarının animasyon anlatılarına adapte olabileceğini, daha sonra anime ile ünlü eserler ortaya çıkaracağını gösterdi. Başka bir titan, Noburō ⁇ fuji, büyük ölçüde kendi stüdyosundan bağımsız olarak, küçük bir işbirlikçi çemberi ile çalışırdı. chiyogami- Renkli kağıt kesimleri - gibi olağanüstü görsel zarafetin eserleri oluşturmak Kujira (1927) ve Köy Festivali. Onun tekniği, dekore edilmiş Japon kağıtlarından gelen şekilleri ele geçirdi, onları cam plakalara dikti ve onları dikkatli aydınlatma altında çerçeveyle fotoğrafladı. Sonuç, Batı'da üretilen her şeyden farklı görünüyordu. ⁇ fuji'nin filmleri, genellikle tiyatrolarda canlı benshi narrasyonla ekranlandı, Paris ve Venedik'te festivallerde uluslararası ödüller kazandı. Kujira Özellikle, bir balinanın lekeli dalgalar aracılığıyla soyut tasviri için övgüyle karşılandı, sadece siyah, beyaz ve gri bir kağıt kullanarak hipnotik bir görsel ritmi oluşturmak için.

Bu sanatçı-studio hibritleri, bugün Japonya'daki animasyona öncülük edecek bir felsefe olan Yasuji Murata ve Kenzō Masaoka gibi bir komediye öncelik verdi. Chikara to Onna no Yononaka (1932), Japonya'nın ilk animasyonlu konuşması, filmle birlikte bir balmumu disk kayıt sistemi senkronize ederek, bu teknik başarı, bağımsız animatörlerin geleneksel stüdyo çerçevelerinin dışında çalışmasını sağladı. ⁇ fuji, bu arada, modern anime üretimine mükemmel bir karşı devam etti, tatmin edici ve etkileyici bir iş dünyasıyla ilgili ödüller kazandı. Lambiek Comiclopedia girişi Noburō ⁇ fuji.

Savaş zamanı Propaganda ve Full Production için Push

1930 ve Dünya Savaşı sırasında, Japon hükümeti, animasyonun propaganda ve milliyetçi mesajlaşma potansiyelini gördü, hareketli görüntülerin statik posterlerden veya radyo yayınlarından daha etkili bir şekilde şekillendirebileceğini fark etti. Momotarō Umiwashi (Momotarō'nun Deniz Kartalları, 1943) ve daha sonra Japonya'nın ilk özellik uzun animasyon filmi, Momotarō: Umi no Shinpei (Momotarō: Denizin İlahi Askerleri, 1945), Mitsuyo Seo tarafından Shōchiku'nun animasyon bölümünde çalıştı. Bu üretimler daha büyük takımlar, daha sofistike bir iş bölümü ve Disney benzeri çok gezegen kamera etkileri benimsemek, rakipsiz müzikler yaratmak için. Momotarō: Umi no Shinpei 70 dakikadan fazla çalışır ve antropolog hayvanları Batı sömürge kuvvetlerini yenerek, on iki saatlik bir savaş mesajıyla tanıdıkları bir araya getirirler.Filmler, modern izleyicilerin doğru bir şekilde eleştiri yaptığını, Japonya'nın yenilgisinden sonra, bu yeteneklerin birçoğunun onbeş gün boyunca zorlandığını ve çok uzun süre boyunca çok sayıda teknik açıdan nasıl koordine edileceğini öğrettiler.

Savaş ayrıca animasyon altyapısının gelişimini hızlandırdı. Hükümet, daha fazla animatör üretmek için eğitim programları kurdu ve Seo ve Kenzō Masaoka'nın kendilerini işlerden, ticari veya eğitim filmlerinden hayatta kalmaları için önemli bulduğunu gösterdi. Ancak, Tokyo'nun birkaç animasyon tesisini yok etti ve savaş sonrası meslekleri başlangıçta, modernistleri arasında verimli bir şekilde yasakladı ve bu gece boyunca süren bir müzikle birlikte çalışarak, modernistleri de bir araya getirdi.

Modern Stüdyoların Doğumu: Toei Animation Endüstriyi Buluyor

1956 yılında, Yeni Toei Şirketi, Nichidō Eiga'nin mallarını satın aldı ve Toei Dōga (şimdi Toei Animation), Japonya'nın ilk büyük stüdyo sistemini animasyon için işaretlemek için yaptı. Şirket başkanı Hiroshi ⁇ kawa, Disney'in eğitim programlarından bir Japon eşdeğeri yaratmaya ve Japonya'nın ilk renkli sanat üniversitelerinden mezunlar almaya karar verdi. Hakujaden (Beyaz Yılanı, 1958) Bu film, Çin Halk efsanesine dayanarak, 78 dakika boyunca koştu ve tam animasyon, ayrıntılı arka planlar ve müzik puanları, besteci Taku Izumi tarafından ölçülecek bir müzik puanı aldı. Üretim, Yasuji Mori ve Isao Takahata Mori gibi bir araya geldi - stüdyonun tam animasyonu vurgulayan büyük bir girişimde bulundu, ayrıntılı ve müziksel bir metin hazırladı.

Toei'nin sonraki özellikleri –Shōnen Sarutobi Sasuke (1959), Saiyūki (1960), ve Zushiō Maru'ya bir gün (1961) – yurtdışındaki başlıklar altında ihraç edilen cevaplar Magic Boy ve Alakazam BüyükBu stüdyo ilk kez Japon animasyonuna küresel izleyiciler tanıtıyor: Bu fabrika benzeri verimlilik yılda çok sayıda özellik üretmek için izin verdi, sanatçılar arasındaki boşluklar, arka plan ressamlar lush ortamları yarattı ve kameramen çok fazla uçak sürmüşlerdi. Dragon Ball, Sailor MoonVe Bir parça anime'nin küresel egemenliğini kilitleyecekti, ancak onun özelliği film dönemi, Toei'nin doğrudan üretim komitesi modelini şekillendirdi, birçok pay arasında yaratıcı kontrolü merkezileştirirken, Toei'nin erken özellikleri altında yeniden yapılandırırken, Toei'nin üretim komitesi modelini mükemmel bir şekilde şekillendirdi. Resmi Toei Animation tarihi sayfası.

Mushi Production ve Tezuka Dönüşümü

Toei fabrikayı inşa ederse, Osamu Tezuka ürünü tamamen yeniden geliştirdi. kısaca Toei'de çalıştıktan sonra SaiyūkiTezuka, film yapımının yavaş hızıyla ve stüdyonun anlatı hırslarına karşı direnişiyle hayal kırıklığına uğradı. 1961 yılında, Mushi Production (özellikle "Bug Production" olarak adlandırılan karikatür alter ego) onun mangasının animasyonlu bir televizyon adaptasyonunu gerçekleştirme hedefiyle birlikte, Mushi Production'u buldu. Tetsuwan Atom (Astro Boy) 1963 yılında yapılan seri, Japonya'nın ilk haftalık 30 dakikalık animasyon TV şovunu gerçekleştirdi, sınırlı animasyon kullanan bir üretim hattı kurdu - ikinci, tekrarlanan döngüleri ve hareketli karakterlerle statik arka planlar - bir hafta boyunca yayın programları ile buluşmak mümkün oldu. Astro Boy önyargı, savaş ve insan kimliği temalarıyla, milyonlarca çocuğa ulaşan ve küresel anime fandom'un ilk dalgasını tetikledi.

Mushi Production'ın etkisi, çok daha fazla ötesine geçti Astro BoyStüdyo da doğum yaptı. Kimba the White Lion (1965), antropomorphic African savanna'da bir aslan küpü hakkında çığır açan bir renk serisi, Disney'in önlediği bir Afrikalı kurtarıcı Aslan Kral Üç yıl boyunca; Prenses Knight (1967), bir kız hakkında erken bir cinsiyet-gece macerası, kimlik ve toplumsal beklentiyi keşfedebilecek bir şövalye olarak ortaya çıktı; ve daha sonra deneysel çalışmalar gibi çalışır Belladonna of Sadness 1956, animasyonun ne tasvir edebileceğine dair sınırları zorlamak için bir psychedelic, cinsel olarak şarj edici bir özelliktir. Mushi ayrıca “animation yönetmen” rolünü geliştirdi, Yoshinori Kanada gibi görsel tutarlılığı yönetmeyi - endüstride okumaya devam etmek, Tezuka'nın her anime üretiminde bugün baskıcılığa yol açan her köşede finansal olarak kullanılmıştı. Akira Modern shonen serisine. The Tezuka TV için sınırlı animasyon modeli varsayılan üretim yöntemi haline geldi ve mirası hareket sadakati üzerinde olan her anime serisinde görünür.

Tatsunoko ve Genre Televizyonunun Yükselişi

1962 yılında manga sanatçısı Tatsuo Yoshida ve kardeşleri Kenji ve Toyoharu tarafından kuruldu, Tatsunoko Production orijinal TV serisini keskin karakter tasarımları ve enerjik aksiyon dizileriyle vurguladı. Bilim Ninja Takımı Gatchaman Bilim kurgusu ile beş kişilik bir kostüm kahramanı pilot kuşu olan beş kişilik bir takım oluşturmak için tokusatsu kahramanlarını harmanladı. serisi, gelecekteki şovların beş kişilik bir takım biçimini öne sürdü Voltron tom için Power Rangers Türdeki temelleri oluşturan karakter arşivleri oluşturmak: Sıcak kafalı lider, stoic güçlüman, kadın teknisyeni, genç prodiji ve komik rahatlama. Tatsunoko da zaman zamanımı yükselten mecha formülü geliştirdi Tekkaman: Uzay Knight (1975), bir cyborg savaşçısı yabancı kuvvetlerle savaşıyor ve kıvrım espionage of the slapstick espionage of the cyborg savaşçı fighting foreign forces, and the slapstick espionage of the slapstick ofionage of the slapstick Zaman Bokan (1975), bir zaman yolculuğu komedisi kendi franchise'ı uyandırdı. Stüdyonun unutulmaz, pazarlanabilir kahramanlar endüstriye orijinal animasyon IP'nin manga adaptasyonları kadar kârlı olabileceğini öğretti, modern anime tanımlayan multimedya franchise'lar için tohumlar dikti, modern anime tanımlayan, Pokémon Pokémon tom için Şeytan Slayer.

Tatsunoko'nun görsel stili hem Toei ve Mushi'den ayrıydı. Bu yaklaşım, stüdyonun Pierrot ve Bones gibi stüdyoları daha sonra, anime ekranları için iyi tercüme eden standart oldu. Tatsunoko da müzik için sınırlı animasyonun kullanımını destekledi, hız hatları, etki çerçevelerini kullanarak ve sürekli hareket döngüsünü tekrarladı. Gatchaman Yeniden meditasyon yapıldı Gezegenlerin Savaşı ve G-Force Amerikan izleyicileri için, Tekkaman ilham sonra gibi işler Space Knight Tekkaman BladeTatsunoko'nun iş modeli – orijinal IP, lisans agresif bir şekilde yaratıp, parachandising haklarının kontrolünü elinde tutmak – yayıncılardan ve yayıncılardan finansal bağımsızlık isteyen stüdyolar için bir şablon.

70'lerin Boom: Mecha, Space Opera ve Nippon Animation

1970'ler, anime’nin türlerini, seyircileri ve ticari potansiyellerini çeşitlendirmek için yaratıcı bir patlamaya yol açtılar. Studio Nue, Sunrise (initially Nippon Sunrise) ve Toei'nin alt işverenleri beni merkezi bir türe itti, dev robotları kültürel fenomene dönüştürmeye zorladılar. Mobile Suit Gundam (1979), robot hikâyelerini politik gerçekliğe zeminde kullanarak devrime dönüştürdü, hiçbir tarafın tamamen iyi veya kötü olduğu “gerçek robot” altgenreyi yaratmak, süper kahraman makinelerden ziyade savaş silahları olarak ele geçirdi. Yönetmen Yoshiyuki Tomino, karmaşık hikaye anlatımının, dünya askeri tarihinin, onlarca serinin acımasız bir çatışmasını tasvir ederek, Ruh'un krallığının tamamen iyi ya da kötü bir şekilde yaralandığını kanıtladı. Uzay Savaşı Yamato (1974), anime'deki uzay opera türüne öncülük etti, bir Dünya Savaşı II savaş gemisini daha önce radyasyon zehirlenmesinden kurtarmak için bir görevde bir yıldız olarak geri çekti.The serisinin duygusal ağırlığı ve epik kapsamı, anime'nin fedakarlık gibi temalarıyla başa çıkabileceğini gösterdi, ölüm ve it, daha önce çocukların eğlencesi olarak animasyonu reddettiğini belirtti.

1975 yılında kurulan Nippon Animation, sevgili çocukların edebiyatını Dünya Ustası Tiyatrosu serisine adapte ederek kendi nişini aldı. Heidi, Alplerin Kızı (1974), aslında Isao Takahata ve Hayao Miyazaki ile birlikte, ancak daha sonraki başlıklar gibi resmi olarak var oldu, ancak sonraki başlıklar gibi. Yeşil Gables Anne (1979), Annenin Arasında 3000 Lig Tartışma ve Tom Sawyer'ın Maceraları Tartışma: Film, çocukların edebiyat derinliği için bir araç olabileceğini öğretti, yetişkin drama olarak aynı ciddiliği tedavi etti. Nippon Animation'ın üretim yöntemleri vurgulandı: animatörler İsviçre Alplerine edebiyat derinliği için seyahat etti, çocukların edebiyat literatürünü tedavi edebilir. OidiGerçek manzaraları çizerek ve ışıkın dağ tepelerine düştüğünü incelemek. Bu gerçekliğe olan bağlılık, özellikle Miyazaki, bu gözlemsel yaklaşımı Ghibli filmlerine taşıyacak olan bir filmdir.The studio's Influence reached-of-age animeage Kiki'nin Teslimat Servisi tom için Mart Aslan Gibi GeliyorDünya Ustası Tiyatro serisi hakkında daha fazla bilgi edinin Nippon Animation resmi World Masterpart Tiyatro sayfası.

Film Revival: Studio Ghibli ve Art-House Ambitions

1980'ler, yenilenen bir dizi filme tanık oldu, ekonomik refah tarafından kediye, büyüyen bir ev video pazarı ve Japon izleyicilerin artan bu kadarfistikasyonuna tanık oldu. Nausicaä of the Valley of the Wind 1984, şimdiye kadar Topcraft stüdyosu tarafından üretilen, nefes kesen hava dizileriyle epik bir çevresel fable bir şekilde karıştırılmış, Miyazaki'nin doğa, teknoloji ve pasifizm temalarına sahip olan Ghibli, 1985 yılında Miyazaki'nin yapımına yol açtı, Isao Takahata ve yapımcı Toshio Suzuki, Tokumaten mali geri çekilmeye karar verdi. Gökyüzünde Kale (2015), buharlı flair ile macera serisini yeniden canlandırdı; Neighbor Totoro (1988) geleneksel çatışma olmadan çocukluk merak etti, arsadan ziyade atmosfere ve duygulara güvenmek; ve Ateşlerin Mezarı (1988), Takahata tarafından yönlendirilen, Japon film endüstrisinin orta ciddiye almasına zorlanan yıkıcı bir anti-savaş ifadesi teslim etti.

Ghibli'nin üretim modeli eşit derecede farklıydı. çoğu anime stüdyoya hükmeden serbest ekonomiden farklı olarak, Ghibli kalıcı, selamlayıcı personele, arka plan sanatçılara ve üretim yöneticilerine, sanatçıların on yıllar boyunca yeteneklerini geliştirebileceği bir işbirliği kültürü teşvik etti. stüdyoda ayrıca emeklilik, sağlık ve iş güvenliği sağladı, serbest konserleri arasında acele etmek yerine kaliteli odaklanmalarına izin verdi. Ruhed Away (2001) Akademi Ödülü'nü en iyi animasyon özelliği için kazandı, anime'nin dünya çapında kritik prestijini çimentoladı, oysa Prenses Mononoke (1997), zamanın en yüksek harabe Japon filmi oldu, geleneksel animasyonun Hollywood blokbusters ile rekabet edebileceğini kanıtladı. Ghibli'nin müzesi, Ghibli Müzesi, MitakaBu felsefeyi gelecekteki nesiller için korur, ziyaretçileri animasyon zanaatını kutlayan bir paniğe sunar. Stüdyonun mirası kendi filmlerinin ötesine geçer: Ghibli alumni, Studio Ponoc gibi stüdyoları kurdu ve dünya çapında sayısız yönetmenleri etkilemiştir.

OVA Boom ve Deneysel Edge

Simultane olarak, 1980'lerin Orijinal Video Animasyonu (OVA) pazarı ve 90'ların başlarında televizyon sansürleri veya kutu ofis basıncı olmadan riskli projelere izin verdi. OVA formatı 1983 yılında ortaya çıktı. DallosMamoru Oshii tarafından yönlendirildi ve doğrudan VHS'ye serbest bırakıldı, geleneksel yayın ve dağıtım kanallarını atladı. Bu yeni model, stüdyoların olgun içerik, yüksek üretim değerleri ve AIC, Artmic ve Madhouse gibi niş izleyicileri hedef almaya izin verdi - 1972'de dalgalar tarafından kazındı. Megazone 23 138, siberpunk, mecha ve sanal gerçeklik temaları yıllar önce karıştırdı Matrix The Matrix. Bubblegum Krizi (1987) bir rock müziği, kadın süper kahramanları ve distopian şirket entrika; ve Galaktik Kahramanların Efsanesi (1988), 100 bölüm boyunca bir OVA serisi olarak çalışan bir sprawling uzay operası sundu, bu şimdi geleneksel yayıncıların asla yeşil ışık tutamayacağı deneysel seriler.

Madhouse, özellikle Satoshi Kon ve Mamoru Hosoda gibi vizyoner yönetmenler için bir sığınak haline geldi. Kon's OVA çalışması onda Manyetik Gül (1995) imza düzenleme stilini ve psikolojik karmaşıklığını ortaya koydu, Hosoda’nın erken projeleri gibi Digimon Adventure: Savaş Oyunu! (2000), dijital estetikleri duygusal hikaye ile karıştırma yeteneğini gösterdi. OVA pazarı ayrıca daha sonra ana akıma dayalı bir anime dalgasında görsel tekniklerle deneye izin verdi: cel-shaded CGI, dinamik kamera hareketleri ve karmaşık hesaplamalar. OVA formatının özgürlüğü, ticari temyiz üzerine değerli sanatsal ifadeye sahip bir nesile teşvik etti ve onların etkisi, auteur-shaded CGI gibi anime görünür. Devilman Ağbay ve Scott Pilgrim Offs OffOVA boom, Japonya'daki ev videolarının benimsenmesini hızlandırdı, daha sonra küresel akış ekonomisini destekleyecek bir dağıtım altyapısı oluşturmak.

Dijital Geçiş ve Stüdyo Yapıları Bugün

1990'ların sonlarında dijital animasyondan gelen değişim stüdyo operasyonları, bilgisayar destekli iş akışları ile geleneksel el yapımı teknikleri birleştirdi. Production I.G öncül tarama ve hesaplama teknikleri ile bilgisayar destekli tekniklerle öncülendi. Shell'de (1995), dijital renklendirme ve çok düzlemli bir görüntü kullanarak, 1992 yılında kurulmuş olan bir sinematik görünüm oluşturmak için dijital renklendirme ve çok düzlemli animasyon kullanarak, analog yöntemlerle imkansızdı. Stüdyonun yaklaşımı dijital arka planlarla ve etkilerle birlikte dijital animasyonu kullanarak, bugün baskın olan standart bir standart oluşturuyor. Gonzo, 1992 yılında kurulmuş olan dijital üretime daha fazla baskı yaptı. Blue Submarine No. 6 (1998) ve (1998) Son Exile (2003), geleneksel animasyon sahnelerine 3D arka planlarını ve parçacık etkilerini entegre etmek, 2000 yılında kurulan Ufotable, 2D ve 3D elementleri sorunsuz bir şekilde harmanlayan özel dijital kotalama araçları geliştirmek için bu yaklaşımı geliştirdi. Şeytan Slayer: Kimetsu hayır Yaiba (2019). Film Şeytan Slayer: Mugen Tren (2020) Japon tarihinin en yüksek harabe filmi oldu, son iki yılda ortaya çıkan dijital yeniliklerin hem kritik hem de ticari blokaj başarılarını sunabileceğini gösterdi.

Kyoto Animation gibi modern stüdyolar kendilerini, profesyonellerden ziyade tam zamanlı çalışanlar olarak işe alarak, Ghibli şampiyonunun 1981 yılında alt bir işveren olarak kurduğu stüdyo-aile modelini revize etti. Melankoly of Haruhi Suzumiya (2006), (2006), K-On! (2009) ve Violet Evergarden (2018) televizyon animasyonu için yeni standartlar belirledi. Stüdyo aynı zamanda yaratılışları olmadan stüdyoları da çalışır, KA Esuma Bunko, orijinal malzeme ile kendi üretim borusunu beslemek ve tam entelektüel mülkiyet haklarıyla birlikte – aynı temellere karşı bir şekilde inşa etmek için, hikaye dolabına, tekil bir yaklaşımla birlikte, Muebe ve CloverWorks gibi stüdyolardan ilham almıştır.

Modern Anime Estetik ve İş Üzerine Son Etkiler

Öncü stüdyolar, nostaljinin çok ötesine geçen bir indelible işareti bıraktı, hem görsel dili hem de çağdaş animenin ticari altyapısını şekillendirdi. Tezuka'nın sınırlı animasyon yaklaşımı, yenilenen "kanık" hareketine şimdi bir uzlaşma yerine estetik bir seçim olarak başladı, tıpkı bir uzlaşma gibi, bir dizi gibi, Pong the Animation (2014) ve Mob Psiko 100 (2016), Japonya, Güney Kore, Çin ve Güneydoğu Asya'daki stüdyoları içeren uluslararası ortak yapımları koordine eden standart karakter çarşafları, renkli senaryoları ve zamanlama çizelgelerini yarattı. Nausicaä of the Valley of the WindAncak, her TV animesinin finansal omurgası olmaya devam ediyor, yayıncılar, reklam ajansları ve malçılar arasında risk dağıtıyor, bireysel yaratıcı kontrolü korumak için bireysel yaratıcılara izin veriyor. Küresel fanbase bile varlığını Tatsunokooko gibi erken ihracat yapanlara borçludur (viaokoco) Hız Yarışçı ve Gatchaman(Ve Toei (via) Dragon Ball ve Sailor Moon2), şimdi yayın hizmetleri olan dağıtım hatları inşa eden.

Çağdaş izleyiciler bir Crunchyroll simulcast yayınlarken veya Makoto Shinkai filmi kutlamak gibi bir Makoto Shinkai filmi kutlamak Suzume (2022), bugün çalışan küçük bir animatörlerin küçük takımları tarafından bir miras yaşıyorlardı, sınırlı kaynaklarla ancak sınırsız hırs. Öncü stüdyolar, animasyonun duygusal olarak güçlü, ticari olarak uygulanabilir ve sanatsal olarak sınırsız bir orta olduğunu kanıtladılar ve her hikaye dolabını bugün şekillendirdi. Anime News Network'ün anime geçmişiBu öncü stüdyoların hikayesi sadece bir tarih dersi değil; animatörler, yönetmenler ve üreticiler bir sonraki anime nesli yaratırlar olarak her gün çizerler.