Animacijski slogi skozi stoletja: Zgodovinski pregled tehnik v animeju

Do 30. let prejšnjega stoletja je bila uvedena celostna animacija, zanimanje vlade za propagando pa je vodilo v ambicioznejše produkcije. Celovečerni film Momotaro's Božanski morski bojevniki[] (1945], ki ga je režiral Mitsuyo Seo, je bil prva polnoletna animirana značilnost Japonske. Finančno podprta s strani cesarske mornarice je bila skupina animatorjev, ki so slikali prosojne ječe, inovacijo, ki je omogočala večplastna ozadja in gladkejše gibanje likov. Film je kljub militarističnim temam pokazal potencial nacionalne industrije animiranega filma. Vendar pa je pomanjkanje vojnega časa in uničenje studia pomenilo, da je po predaji Japonske skoraj izginila proizvodnja anima, ki je postavila oder za frugalno, vendar ustvarjalno prerodnost. Podrobnejši časovni okvir teh temeljnih desetletij je mogoče najti v enciklopedičnih vnosih, ki jih je kuriralo Anim News Network.

Zlata doba anime: 60. do 80. let

Sodobna industrija animejev je bila v začetku 60. let 20. stoletja v bistvu skovana v majhnem stanovanju v Tokiu. Ko se je Osamu Tezuka, slaven umetnik mange, za televizijo, soočil z neusmiljenim proizvodnim načrtom in majhnim proračunom. Tezuka je radikalna rešitev, da bi kodificiral niz tehnik »omejene animacije«, ki so dramatično zmanjšale število potrebnih risb. Na Disneyjevo polno animacijo je pogosto vplivalo 12 do 24 risb na sekundo, Tezukina proizvodnja mušijev, ki je bila namenjena kot nekaj kot osem, včasih z eno samo kupico za več sekund, medtem ko je le animiral usta ali pan za kamero. Ta pristop, ki ga je vplival na televizijski model Hanna-Barbera, je ustvaril ikonične konvencije: dramatične še vedno pozira med akcijskimi zaporedji, kolesarskim ozadjem, da bi prenesel gibanje in like, ki so se izražali z minimalnimi, vendar zelo berljivimi risbami. Tezuka je nenamerno rodil celotno estetsko napetost, kjer je med seboj nena oblikam, je zraslo nenamerno podobo, ki je bila v obliki.

V 70. in zgodnjih 80. letih 20. stoletja je omejena animacija še bolj porinila »super robot« žanr in rojstvo meha sage. Serija, kot je ]Mazinger Z[ (1972) je preoblikovala proračunske omejitve v spektakel z uporabo dovršenih »bank« sekvenc, pred-madenih transformacij in napadov animacij, ki bi lahko bile vstavljene epizode po epizodi. Podobno je Mobile Suit Gundam (1979) uvedel bolj realističen pristop k mehanskemu gibanju, s ključnimi pozami, ki so bili skrbno zasnovani za prenos teže in vztrajnosti, tudi ko je bila stopnja slikanja še nizka. Studio Toei je medtem treniral generacijo bodočih mojstrov na razkošno izdelanih celovečernih filmih, kot so Horus: Princ sonca

Ključna dela in inovacije

Več mejnikov v tem obdobju cementirane tehnike, ki bi postali standardi industrije:

• Astro Boy (1963) – Vzpostavljen je bil televizijski anime proizvodni cevovod, omejene bližnjice animacije in moralna kompleksnost, ki bi jo lahko dostavili skozi stilno, stilizirano vizualizacijo. Več o Tezukovi ikonični stvaritvi je mogoče raziskati na Tezuka Osamu Official.
• Speed Racer[ (1967) – Uvedena kinetična zaporedja ras, dosežena s hitrimi gibi kamere in pretiranimi premiki perspektive, ki dokazujejo, da lahko omejena animacija še vedno vzbudi močan občutek hitrosti.
• Lupin III: Grad Cagliostro (1979) – režijski prvenec Hayao Miyazaki je predstavil gibanje lika tekočine in sunkovito časovno razporeditev, ki je presegla proračunske omejitve televizije, in postavil temelje za filozofijo Studia Ghibli.
• Macross: Ali se spomniš ljubezni? (1984) – Feature adaptacija televizijske serije, ki je potisnila »idol« in mehansko animacijo v nove višine, združevala ljubeče risane koncertne zaporedja z intenzivnimi dogborbami, vse to je omogočila skrbna ekonomija v manj kritičnih prizorih.

Vzpon celovečernih filmov: 80-ta do 90-ta leta

V 80-ih letih so se japonski proračuni za animacijo povečali na višine, ki so bile prej nepredstavljive. Trg za neposredno v video (OVA) je eksplodiral, kar je ustvarjalcem omogočilo eksperimentiranje brez cenzure ali omejitev dolžine televizije. Filmski ustvarjalci so začeli anime obravnavati kot platno za natančno, kinematografsko obrt. Akira (1988], ki ga je režiral Katsuhiro Otomo, je pogosto navedeno kot prelomnica. S produkcijskim proračunom okoli 4,81 milijarde in ekipo več kot 70 animatorjev je film uporabljal rekordno prelomno število celov, veliko jih je naslikalo z razširjeno paleto več kot 300 barv. Otomo je vztrajal pri pred-ostritvi dialoga, tako da bi lahko animatorji popolnoma uskladili gibe ustnic – redkost v času – in uporabljal prefinjene svetlobne učinke, kot so bili back-lit in airbrushed sence, da bi ustvarilo, neo-o-o-o-o-o-o-o-okrljivo ki jih je lahko oblikovala in s pomočjo v smislu sprememb v smislu gibanja v praksi v

Studio Ghibli, ki je nastal leta 1985, je bil v njem ustvarjena toplejša, pastoralna estetika. Hayao Miyazaki Moj sosed Totoro (1988) je uporabil bujna, akvarelna ozadja in mehke, zaokrožene karakterne zasnove, da je vzbudil občutek otroškega začudenja.Studijev znak je postal zavrnitev ločevanja lika od okolja; v ghiblijskem filmu je bilo posneto polje mahanja ali skleda parne ramine z enako skrbnostjo kot protagonistov izraz. Isao Takahata Gravo kresnic (1988], ki je bilo objavljeno kot dvojna značilnost s Totorom, je zaposlilo bolj realistično človeško oblikovanje in subtilno, naturalistično gibanje[[FLT:]].

Vplivni filmi

V celovečerni renesansi je nastala vrsta del, ki so razširila, kaj lahko stori animacija:

• Akira (1988) – Revolucionizirano barvno oblikovanje, osvetlitev in uporaba pretirane anatomske podrobnosti; njen vpliv na zahodno animacijo in kiberpunk medije je neizmeren.
• Royal Space Force: The Wings of Honnamise (1987) – Gainaxova proizvodnja, ki je poskušala zliti realistične mehanske podrobnosti s popolnoma izmišljenim alternativnim svetom, z uporabo ročno poslikanih oblakov in efektov na leče.
• [Ghost in the Shell (1995) – Združeval ročno in digitalno, z uvedbo novega vizualnega jezika za kibernetski prostor, ki bi obveščal ostale o Sci-Fi desetletja.
• Princess Mononoke (1997) – Vgradila majhno količino digitalnega slikarstva in komponiranja, medtem ko je ostala v veliki meri ročno izdelana, kar je zaznamovalo zadnji vrh celo animacije pred digitalnim premikom industrije.

Sodobni anime: 2000-ih, da predstavi

Prireditev cenovno dostopnih digitalnih orodij v poznih devetdesetih letih prejšnjega stoletja je sprožila najhitrejšo preobrazbo v proizvodnji animejev od šestdesetih let prejšnjega stoletja. Proces slikanja po celi barvi, ki je zahteval fizične acetatne liste, naslikane ročno, je postopoma nadomestil digitalni črnilo in barvni sistem. Ena prvih popolnoma digitalnih animejevih produkcija je bila popolna modra [] (1997], vendar je bila TV serija ]]InuYasha[ (2000) in funkcija [Duhovljena Away[[]]], ki je do leta 2002 objavila nov standard. Skoraj vsi televizijski anime je opustil fizične kline. Ta premik je prinesel zelo razširjeno barvno paleto, sposobnost, da zlahka sestavijo 2D like s 3D ozadjem in zapletene gibe kamere, ki so posnemali živo akcijsko kino. Digitalna je prav tako naredila menjake, mehke sence in osvetlih osvetlih, ki so močno osvetlila

V zadnjem desetletju so se pojavile hibridne tehnike. Studioji, kot je Ufotable, so v integraciji 3D računalniške grafike z ročno risano animacijo v naslovih, kot so , Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba] (2019) in njihov komponirajoči oddelek združuje cele elemente 3D – vodo, dim, dinamične kamere fly-to-to-to-to-to-to-to, da končna slika ohranja 2D-tokovno umetnost, hkrati pa pridobiva tek, skoraj taktilni občutek globine. Medtem pa je direktor Makoto Shinkai Vaše ime. (2016) uavplivajo občinstvo z združevanjem fotorealistične digitalne osvetlitve in učinkov delcev s tradicionalno animiranimi liki, ki ustvarjajo hiper-realni čustveni svet.

Pomemben trend, ki se je rodil iz interneta, je skupnost »sakuga«, ki se posveča prepoznavanju in praznovanju izjemnih posameznih rezov animacije. To je povečalo status ključnih animatorjev in spodbudilo produkcije, da vključujejo junaško ambiciozna zaporedja – pogosto ročno narisana na papirju in nato digitalno skenirana – ki delujejo na 24 okvirov na sekundo za trenutke velikega vpliva.Raziskujete lahko nešteto primerov te obrti na vozlišču skupnosti Sakugabooru. Animatorji spletnih genov, ki svoje delo distribuirajo samostojno, so vplivali tudi na mainstream atelje, ki so vpeljali eksplozivne nove stile gibanja v serijski anim.

Sodobni trendi

Sedanje stanje zaznamuje več medsebojno povezanih dogodkov:

• 2.5D Kompozit: Prikazuje rutinsko integracijo 3D modelov za množice, vozila in učinke, s senčniki, ki posnemajo linijsko težo in senčne oblike tradicionalne 2D umetnosti.
• Flat, Grafična estetika: Nekateri studii, kot je Science SARU, uporabljajo vektorsko podobne ravne barve in minimalno senčenje, ki vzbuja digitalno ilustracijo in omogočajo deformacijo squash- and stretch, ki bi jo bilo težko doseči z naslikanimi jeklicami.
• Sakuga-Driven Epizode: Določene epizode, kot so Mob Psycho 100 II, so namerno strukturirane kot predstavitve za ključne animatorje, z divje raznolikimi risanimi slogi, združenimi s filozofijo čistega gibanja.
• Mednarodne soproizvodnje:[] Mešanje japonskih in zahodnih delovnih tokov, kot je razvidno iz []]Castellevania[] ali Ciberpunk: Robovniki[]], prinaša nove direktorske čutnosti, medtem ko se še vedno zanaša na proizvodni cevovod jedrnega animeja.

Zaključek: Prihodnost animeja

Animejeva vizualna evolucija ni nikoli bila linearni korak napredka, temveč je bila zanka, samorefleksna pot, v kateri vsaka nova tehnologija ponovno odkriva čare starega. Omejena animacija Tezuka, ki je bila sprejeta iz nujnosti, je zdaj cenjena umetniška oblika, proučena in poučna globalno. Ročno vlečeni cel, ko je bil razglašen za mrtvega, se v kratkih filmih in eksperimentalnih delih oživlja prav zaradi svoje tople, analogne nepopolnosti. Ker umetna inteligenčna orodja začnejo pomagati pri mediaciji in barvanju, virtualna resničnost pa odpira nove poti za pomlajevanje zgodb, bo industrija verjetno še naprej združevala hiper-realistično in impresionistično. Toda duša animatorja leži v svinčniku na papirju, na katerem se namerno odloča, kateri se bo držalo in ki ga bo vih vihla v frantičnem gibanju. Ta človeški dotik, ki je bil prenesen skozi sto let inovacij, je tisto, kar bo identiteta anima, je še naprej – ali pa bo slikana v virtualnem motorju, je vedno v spominu na to, kako se bo v njem giblje.