Istoria Anime: De la Astro Boy la Classics moderne și evoluția sa prin decade

Istoria anime nu este o singură linie dreaptă, ci o arhivă vie de experimentare, una care se trage din tradiții vizuale vechi de secole înainte de a pâlpâi vreodată pe un ecran de televiziune. Când Osamu Tezuka . [ ]Astro Boy a fost difuzat în 1963, nu a ajuns de nicăieri, a fost culmionarea decenii de filme scurte, caracteristici propaganda războinică, și o industrie manga postbelică înfloritoare care a învățat deja cum să dețină un public.Ce Tezuka a făcut a fost fuzionează că impuls cu un model de producție care ar putea lucra pe programe de difuzare, și în acest fel el a dat japonez animație un vehicul care ar putea călători departe dincolo de piața sa de origine. Astăzi anime este o limbă internațională de povestire gen, dar gramatica sa a fost construit bucată cu bucată, deceniu de deceniu, de către artiști care au păstrat cerându-o ce ar putea face în continuare mediul.

Rădăcinile timpurii ale lui Anime

Deşi termenul anime[ convoaca acum un stil vizual distinct, primele animații japoneze nu au arătat în mod deosebit japonez. Cineaştii din 1910 lucrau cu echipamente importate, studiind pantaloni scurţi americani şi europeni, şi încercând să facă ceva care ar putea concura pe ecranele locale. Dar au desenat şi pe forme narative rafinate de secole în nişte handscroll-uri ilustrate, sau ]emakimono, şi în teatralitatea ]kabuki. Această tehnică mixată în jurul povestirilor indigene ar defini mediul pentru generaţii.

Primii animaţi

Unele dintre primele fragmente animate care au supraviețuit includ

Propaganda din timpul războiului şi după aceea

Al doilea război mondial a remodelat scopul animării aproape peste noapte. Guvernul japonez, recunoscând puterea imaginii în mișcare, a comandat filme de propagandă care au amestecat acțiunea live cu animația, cea mai faimoasă fiind lungimea caracteristicilor Momotarō no Umiwashi (1943) și continuarea ei Momotarō: Umi no Shinpei (1945]. Acestea au fost ambițioase din punct de vedere tehnic pentru timpul lor, dar au fost arme de moral, nu artă. După război, industria a trebuit să reconstruiască aproape în întregime, iar următorii câțiva ani au văzut un pivot deliberat înapoi la divertisment. Audiențele au dorit ecapism, și studiouri au început planificarea pentru un viitor mai comercial.

Toei Animation și Japonia primul aspect de culoare

În 1958, Toei Animation a lansat Povestea șarpelui alb [[Hakujaden, țara [animație coloră completă prima caracteristică. Modelată ușor pe modelul Disney de producție de caracteristici, filmul a semnalat că studiourile japoneze ar putea gestiona povestirile de lungă formă cu o calitate vizuală competitivă. Toei a devenit rapid cel mai important teren de formare pentru o generație de animatori și a stabilit standarde pentru conductele de producție care ar fi adoptate în întreaga industrie. Studioul a început, de asemenea, să exporte filmele sale în Asia și dincolo de aceasta, plantandu-se semințele unui public internațional.

Osamu Tezuka: Omul care a creat viitorul

Puţini indivizi au format un medium la fel de bine ca ]Osamu Tezuka forma anime şi manga.Shin Takarajima (Noua Insulă a Comorilor) în 1947 a fost un bestseller, iar prin anii 1950 el a împins arta secvenţială pe un teritoriu mai complex psihologic. Tezuka Shin Takarajima. Pentru a face animație accesibilă pe un program săptămânal de difuzare, el a adoptat un sistem de animație limitată pe mai puține cadre pe secundă, o disimulare inteligentă a celor mai vechi, şi un accent pe o poveste puternică şi pe un caracter expresiv design asupra mişcării fluidelor.Personajele sale emotive au fost parţional un mod de a-o evita şi de a-a-şi face repede un calcul practic.

Astro Boy şi Dawn of TV Anime

Când Astro Boy [[Tetsuwan Atomo[) a debutat la Fuji TV de Anul Nou;Ziua anului 1963, animația japoneză s-a mutat decisiv din cinematografe în living.Spectacolul a urmat unui robot care putea simți dragoste, teamă și furie dreaptă, aplaudându-se cu o lume care îl vedea adesea ca pe o armă, mai degrabă decât ca pe un copil. A fost prima serie anime care a prezentat o poveste continuă în episoade, iar succesul său a demonstrat că publicul va acorda în fiecare săptămână pentru un desen animat serializat.

Cum a rescris Astro Boy regulile

Ce a realizat Tezuka cu Astro Boy[ a mers mult peste ratinguri.El a demonstrat că animația ar putea aborda temele rezervate de obicei dramei de acțiune live, discriminării, eticii tehnologiei fără a pierde atenția telespectatorilor tineri.Spectacolul a stabilit, de asemenea, un model de producție în care drepturile de merchandising au ajutat la finanțarea episoadelor cu mult înainte de a difuza, o practică care ulterior a devenit standard în întreaga industrie.Pentru viitorii creatori, Astro Boy a fost un studiu de caz în care să fie atât savvy comercial cât și creativ ambițios.

Mushi Production

Tezuka Mushi Production a urmat Astro Boy cu un șir de titluri care ar deveni ambasadori timpurii pentru anime în Vest. Kimba Leul Alb (1965) a fost primul serial japonez de animație care a fost difuzat la televiziunea americană, câștigând peste familii cu setările sale africane luxuriante și teme ecologice.Nu la mult timp după, saga de curse de mare viteză Speed Racer (1967) a introdus o generație de telespectatori din afara Japoniei la anime distinctive și limbaj vizual.Aceste exporturi au fost adesea puternic re-editate și cultural în jos, dar au dovedit că există cerere, și au dat distribuitorilor internaționali un motiv pentru a continua să se uite la cataloage japoneze.

Televiziunea preia controlul

Succesul Astro Boy a transformat anime într-o piesă de programe de difuzare japoneză. Studiouri precum Tokyo Movie Shinsha, Tatsunoko Production, și mai târziu Sunrise a făcut o omletă de rețea, iar anii 1960 au văzut o creștere puternică în serialele originale de animație destinate unor diferite demografii.Cu televiziunea a venit un apetit pentru diferite genuri, science fiction, aventură istorică și un nou model economic care lega radiodifuzorii, companiile de jucării și editorii împreună într-o buclă strânsă. Anime nu mai era o curiozitate; era o industrie.

Anii 1970 şi 1980: Genurile se multiplică, ambiţia creşte

Cele două decenii care au urmat epocii alb-negru au văzut anime întinse în toate direcţiile odată. Creatorii au început să croiască spectacole nu doar pentru copii, ci şi pentru adolescenţi şi adulţi, iar povestirea a devenit mai densă, temele mai întunecate şi experimentarea vizuală mai îndrăzneaţă.

Mecha, Opera Spaţială şi spectaculul serios

Mecha gen a devenit formatul de acțiune definitor al perioadei. Go Nagai . ]Mazinger Z[ (1972) a pus un robot gigant pilotat în centrul poveștii și a transformat în întregime lupta monstru săptămânal într-un ritual care a condus vânzările de jucării prin acoperiș. Apoi Yoshiyuki Tomino Mobile Suit Gundam (1979) a schimbat scenariul în întregime: în loc de un simplu complot eroic-versus-invader, a oferit o dramă de război ambiguu moral în care soldații au murit, politică contează, iar costumele mobile au fost arme produse în masă, mai degrabă decât supereroici. Opera spațială ca Space-complotul de luptă Yamato (1974]Space a putut fi dovedită în mod real echipa de zbor.

Shojo Anime şi poveşti pentru noi audienţe

În timp ce mecha domina peisajul shoonen, anii 1970 au alimentat şi o explozie de shojo anime care viza în primul rând femeile tinere. Nippon Animation . [ ] Heidi, Fata Alpilor (1974), regizat de Isao Takahata şi cu scena-setare de Hayao Miyazaki, a arătat că o poveste atmosferică lentă despre un orfan elveţian ar putea fermeca publicul enorm. În 1979, ] Rose of Versailles a adus Revoluţia Franceză la televiziunea japoneză cu o eroină, Oscar François de Jarjayes, care a trăit ca un om şi a navigat atât în curtea cât şi în câmpul de luptă cu complexitate văzută în animație la acea vreme. Oscar a devenit un icon, iar seria a ajutat la stabilirea faptului că shojo anime ar putea fi la fel de încărcat politic şi de sofisticat emoţional ca orice altceva în sfera shonen.

Akira: Unda de şoc cultural

Katsuhiro Otomo

Dragon Ball și Sailor Moon: Iconițe fără frontiere

La sfârşitul anilor 1980 şi începutul anilor 1990 au produs două serii care au transformat anime într-o cultură mondială a tineretului. Akira Toriyamas Dragon Ball (1986) şi continuarea Dragon Ball Z a combinat spectacolul de arte marţiale cu un sentiment neobosit de escaladare, transformând Goku într-un nume de gospodărie din America Latină în Asia de Sud-Est. Între timp, Naoko Takeuchis Sailor Moon (1992) a adus o echipă de eroini magici la timp de vârf, funting santine-stil acţiune cu teme de prietenie, dragoste şi identitate personală. Ambele serii au demonstrat puterea imensă a formatelor de shonen şi shojo, şi ambele au construit imperii de merchandising care se întindeau pe continente, cimentând anime în economia mondială de divertisment.

Studio Ghibli şi Anime ca Artă Cinematică

Dacă anime-ul de televiziune a făcut mediul accesibil și serializat, Studio Ghibli l-a făcut prestigios. Cofondat în 1985 de Hayao Miyazaki, Isao Takahata și producătorul Toshio Suzuki, studioul a urmărit o viziune fără întreruperi: animația trasă manual ar putea fi o formă de artă serioasă capabilă să exprime cele mai profunde experiențe umane.

Miyazaki

Din Nausicaä a Văii Vântului[ (1984, produsă înainte de fondarea oficială a Ghibli, dar adesea considerată startul său spiritual] prin]Laputa: Castelul din Cer[, , Meul meu Totoro și Prințesa Mononoke[, Miyazaki a construit un corp de muncă care a refuzat să vorbească copiilor. Filmele sale se luptă cu prăbușirea mediului înconjurător, oroarea războiului și decența decentă a oamenilor obișnuiți.Animația în sine respiră iarbă de vânt, apa se înmoaie în pânză, iar momentele de liniște sunt date la fel de mult ca și piesele de acțiune.Pentru criticii internaționali care nu au luat niciodată animație japoneză în serios, filmele Ghibli au fost o revelație.

Takahata

Isao Takahata a adus o sensibilitate diferită, dar la fel de puternică. Grava licuricilor[ (1988), eliberată ca o caracteristică dublă cu Meul meu Totoro[, rămâne una dintre cele mai devastatoare filme de război realizate vreodată, animate sau altfel. Privirea sa nestingherită la doi frați care se luptă să supraviețuiască în urma bombelor de foc Kobe a îndepărtat orice noțiune că animația era un mediu în mod inerent blând. Takahata a împins mai târziu posibilitățile vizuale cu ] Tale al Prințesei Kaguya, folosind un stil pictor, suma-inspirat care părea să dizolve linia dintre desen și emoție.

Spiritul şi Oscarul care au schimbat totul

Când ]Spited Away a câștigat Premiul Academiei pentru cea mai bună caracteristică animată în 2002, a fost doar un trofeu pentru un singur film. A fost o recunoaștere că animația japoneză a sosit pe cea mai mare scenă cinematografică din lume. Filmul este o minune suprareală, centrată pe o tânără care navighează pe o baie pentru spirite, spectatori fermecati indiferent de limbă, și rămâne cel mai înalt film de profil din istoria japoneză. Premiul a deschis ușa pentru o mai mare distribuție internațională și a dat distribuitorilor încrederea de a trata anime lansările ca evenimente de masă. ]Studio Ghibli site-ul continuă să sărbătorească un catalog care remodelează reputația artistică.

Anime modern: Deconstrucții, Instrumente digitale și Cultură Globală

Pe măsură ce secolul al XX-lea s-a transformat, anime a intrat într-o fază de auto-examinare și revizie tehnologică. Cel pictat manual a început să cedeze cerneala digitală și vopseaua, iar o nouă rasă de regizori au folosit mediul pentru a-și interoga propriile trope.

Evangelion şi Duhul în Shell: Mintea pe ecran

Hideaki Anno Neon Genesis Evangelon (1995) a luat cadrul familiar al unui spectacol mecha și l-a umplut cu fragmentare psihologică. Piloții adolescenți nu au fost eroi, ci copii traumatizaţi, iar episoadele finale au abandonat naraţiunea convenţională în favoarea unui psihic intern, aproape terapeutic, în favoarea unui protagonist. În același an, Mamoru Oshii. Ghost în Shell] a fuzionat noir cibernetic cu meditații filozofice asupra conștiinței și identității corporale. Ambele lucrări au influențat cineaștii de film dincolo de Japonia.Și Wachowski au cimentat reputația ca mediu dispus să pună întrebări dure.

Schimbarea digitală şi revoluţia în curs de dezvoltare

La sfârşitul anilor 1990 şi începutul anilor 2000 au văzut studiouri tranziţie la colorare digitală şi compunere, care a permis pentru iluminat mai complicat şi programe de producţie mai rapide. Această perioadă a coincis, de asemenea, cu creşterea de internet. Fansubs

Astăzi se află peisagistica: Isekai, Diversitate şi sfârşitul lui Niche

Genul modern de anime este definit de varietatea sa pura. Genul iseki, care transportă oamenii obișnuiți în lumi fantastice, a devenit o forță comercială dominantă, dar coexistă cu drame liniștite felie de viață, antologii de groază și pantaloni scurți experimentali finanțați prin platforme de multifinanțare. Reprezentarea a extins, cu mai multe povești centrând personajele LGBTQ+, abordarea handicapului, și explorarea relațiilor în afara teancurilor convenționale. Vechile diviziuni între desene animate de dimineață de sâmbătă ] O buclă de feedback între riscul artistic și apetitul publicului nu prezintă semne de încetinire a mediului.

Arhiva vie a unui mediu

Anime este una dintre povestirile de reinventare constantă sub constrângere. De la experimentele negru-albe ale anilor 1910 până la universurile digitale întinse ale zilei, mediul a îndoit întotdeauna limitele bugetului, tehnologiei, şi aşteptările culturale la voia sa. Osamu Tezuka lui tehnici de animaţie frugal, Go Nagai . Robotul toyetic epics, Miyazakis pictat cer, Anno . Generaţia de fiecare a luat ceea ce a construit anterior şi apoi întrebat dacă regulile ar putea fi rupte. Rezultatul este o formă de artă care încă se simte la fel de neliniştit şi surprinzător ca a făcut-o atunci când un robot a zburat prima dată printr-un cer ray.