Desde as primeiras notas do seu tema de abertura, Feito em Abismo estabelece um mundo onde o som é inseparável da história. A adaptação do anime, dirigida por Masayuki Kojima e baseada no mangá de Akihito Tsukushi, mergulha os espectadores em um abismo partes iguais maravilha e pesadelo. Enquanto o design visual de Orth, os ecossistemas em camadas, e as relíquias monstruosas do Abyss são impressionantes, é a música - composta por Kevin Penkin - que respira vida na descida. A trilha sonora não apenas acompanha a ação; constrói uma geografia emocional, mapeando os contornos psicológicos e culturais de um cenário onde cada passo para baixo é um passo para o desconhecido. Entendendo como a música funciona em .

Kevin Penkin e uma abordagem não convencional

Para apreciar o papel da música em Feito em Abismo, é preciso entender primeiro o compositor por trás dele.O compositor australiano Kevin Penkin[] era um nome relativamente novo na indústria do anime quando ele assumiu o projeto, tendo trabalhado anteriormente em Norn9[] e o curto Sob o cão[]. Sua abordagem para o Abyss era rejeitar o som de fantasia épica orquestral típico. Ao invés disso, Penkin misturou composição neoclássica com texturas eletrônicas, instrumentação folclórica e performances vocais que soavam como se tivessem surgido do próprio Abys. Ele descreveu o processo como criando um “puzzle sônico”, onde cada peça precisava se sentir orgânico e antigo, mas distintamente moderno ao mesmo tempo.

A colaboração de Penkin com um grande conjunto de vocalistas, incluindo o coral australiano Adelaide Voices e solistas como Takeshi Saito e o cantor-compositor Myth & Roid, com camadas de ambiguidade linguística, são frequentemente cantadas em línguas inventadas ou desenham fonemas que ignoram a compreensão racional, comunicando emoções puras.

Música como um mapa do abismo

O Abismo é um mundo vertical, e a trilha sonora reflete sua estrutura, cada camada do poço é caracterizada por uma paleta sônica distinta, efetivamente transformando a música em um guia acústico que aprofunda o senso de progressão e destruição do espectador.

A superfície e a órbita, a inocência em bronzes e cordas.

Na superfície, a cidade de Orth se agarra ao aro do abismo. Aqui, a música é quente, aventureira, e cheia de um otimismo infantil. Faixas como “Made in Abyss”, o tema principal do show, começam com uma melodia suave de piano que incha em uma declaração orquestral completa. As fanfarras de bronze e harmonias de cordas evocam uma sensação de exploração, reminiscência de filmes de aventura clássicos. Esta inocência musical é crucial porque estabelece a linha de base a partir da qual a história vai descer. Ela reflete a determinação sonhadora de Riko e a maravilha mecânica de Reg, pintando Orth como um lugar de começos, não termina.

A Primeira Camada e além, a Transição para a Maravilha e o Mal-estar

Enquanto Riko e Reg passam pela primeira camada do Abismo, a música muda. Os motivos aventureiros se intercalam com drones eletrônicos ambientais e linhas de piano esparsos. Em “Dias no Sol”, uma peça vocal suave, sussurrada com nostalgia, o ouvinte sente o anseio pela superfície que os invasores carregam. No entanto, sob essas melodias, uma tensão silenciosa se constrói. Penkin introduz uma dissonância sutil e as primeiras dicas do som metálico, ecoando que dominará os reinos mais profundos. A música não é mais puramente otimista; é agora um companheiro que conhece os perigos à frente, mas sussurra suavemente, permitindo que os personagens - e o público - continuem avançando.

As Camadas Profundas e a Maldição, Horror em Dissonância e Silêncio

A quarta camada, o Cálice dos Gigantes, e a quinta camada, o Mar dos Corpos, marcam uma mudança dramática do tom. Aqui, o trabalho de Penkin se aventura em verdadeiro horror. A faixa “O Rumble do Triunfo Científico”, que sublinha as experiências de Bondrewd, combina uma cadência de tambores de laço militar com rosnados eletrônicos distorcidos e um vocal de zumbido infantil. O resultado é uma peça que se sente como uma perversão da inocência, uma canção de ninar cantada sobre um pesadelo cirúrgico.

O Abismo não é apenas perigoso, é ativamente hostil à biologia humana, reconfigurando a mente e o corpo.

Ilblu e a Vila das Hollows: Cultura Forjada em Música

A sexta camada, a Capital do Não Retorno, introduz a aldeia de Iruburu (Ilblu). Este arco é onde o papel da trilha sonora como um sinal cultural se torna mais explícito. A faixa “VOH” é uma peça hipnotizante impulsionada por profundos cânticos ritualistas e respiração percussiva. A linguagem é fabricada, mas transmite a tristeza e a comunidade distorcida do Narehate. A música aqui não descreve simplesmente um lugar; expressa o estado psicológico dos seres que sacrificaram sua humanidade. Os arranjos corais imitam uma voz comunal, mas as harmonias são distorcidas, refletindo uma sociedade unida por trauma mútuo e o sistema de valor opressivo estabelecido por Faputa.

O uso de sons vocais e drones em camadas cria a ilusão de um submundo vivo e em respiração, a música de Iruburu se sente antiga, como se tivesse ressoado no escuro por séculos antes dos protagonistas chegarem, o que aprofunda a tradição, sugerindo que a música não é apenas uma camada estética, mas uma parte intrínseca de como essas culturas isoladas processam sua existência.

Instrumentação como Arquitetura Mundial

Além do mapeamento temático, a instrumentação eclética da trilha sonora constrói o mundo evocando materiais e texturas que se pode esperar encontrar no Abismo. Penkin utilizava instrumentos raramente ouvidos em anime de pontuação: o didgeridoo australiano, ventos de madeira étnicos, dulcimers martelados, e uma grande variedade de percussão sintonizada.

Em faixas como “Amanhã”, a melodia é levada por um piano suave em camadas com delicados sinos que soam como fragmentos de memória. O uso de guitarra elétrica é poupador, mas impactante, surgindo em momentos de desafio como se canalizando o canhão Incinerador do Reg. Enquanto isso, a peça vocal recorrente “Hanezeve Caradhina” (caradeza proeminente durante a cena de partida do nascer do sol) mistura uma voz feminina com um pano de fundo eletrônico atmosférico. O título da música é uma frase inventada, mas seu conteúdo emocional é inequivocamente um de despedida e de intenso anseio. Os ouvintes podem explorar a trilha sonora completa no Spotify para apreciar como cada escolha de instrumento se sente arrancada do próprio mundo – nada soa como uma orquestra de estúdio tradicional tocando uma peça de gênero.

Aberturas, Finais e o Perímetro Emocional

O papel da música em ] Feito em Abismo estende-se aos seus temas vocais, que funcionam como o perímetro emocional de cada parcela. A primeira temporada de abertura, “Deep in Abyss”, interpretada por atrizes de voz de Riko e Reg, é um hino animado e determinado que planta as sementes da aventura. Em contraste, o tema final “Tabi no Hidarite, Migi no Te” (The Traveler’s Left Hand, Right Hand) é uma doce e melancólica canção que puxa o espectador para trás da beirada, lembrando-lhes que ainda são crianças em uma jornada frágil. Juntos, eles agendam cada episódio com uma promessa e uma oração, enquadrando os horrores do Abyss dentro de uma concha emocional protetora.

O filme ]A luz da alma profunda ] e a segunda temporada mudar essa dinâmica.O tema final “Abrace sem fim” por MYTH & ROID é uma balada eletrônica assombrosa que fala da natureza inescapável da maldição do Abismo.Sua letra, quando traduzida, oferece uma conversa direta entre o abismo e o mergulhador. Esses temas não são meras músicas promocionais; são extensões da narrativa, oferecendo insights sobre as psiquiatrias dos personagens que o diálogo sozinho não pode transmitir.Eles também servem como pontos de entrada para novos espectadores, seus ganchos emocionais puxando fãs potenciais para as camadas mais profundas e instrumentais da trilha sonora.

Abyss como uma entidade viva

Uma dimensão muitas vezes negligenciada da música é como ela se mistura e melhora o design de som ambiente do programa. A pontuação de Penkin frequentemente se funde com os sons diegéticos do Abismo – o rugido distante de uma criatura, o gotejamento lento da água, o zumbido de força do campo de força na camada inferior. Na Frente Ido da quinta camada, o uso sutil de sons de baixa frequência cria uma sensação constante de pressão, como se o próprio ar fosse grosso com a malevolência do Abismo. Esta mistura faz desaparecer a fronteira entre o mundo e sua música, forjando um ambiente que se sente realmente vivo.

O som da Maldição, quando atinge, é frequentemente marcado por um tom eletrônico repentino e estridente que parece vir de dentro da própria cabeça do espectador, esta técnica transforma música de um acompanhamento externo em uma experiência interna, visceral, quando Riko é envenenada pela espinha do Orb Piercer na quarta camada, as fraturas de partitura em grupos de piano dissonantes e batimentos cardíacos desvanecentes, alinhando nossa experiência sensorial com seu sofrimento, o Abismo, através de sua música, torna-se um caráter, um vasto organismo respiratório que se comunica em sinais além da linguagem.

História emocional contando através de Motif e memória

O verdadeiro gênio do universo musical de Abismo está em seu uso do motivo, alguns fragmentos melódicos se repetem em episódios, adquirindo novos significados à medida que a história escurece, o tema gentil associado à mãe de Riko, Lyza, é ouvido pela primeira vez como um farol esperançoso, e mais tarde, quando a verdade do destino de Lyza se torna ambígua, a mesma melodia é reorganizada em uma chave menor, despojada de seu calor, e esta transformação transforma o motivo em um ponto de interrogação, refletindo a recusa da série em fornecer respostas fáceis.

A faixa "Underground River", que abre a série, é uma obra-prima de uma memória emocional em camadas, que começa com um violoncelo baixo e ressonante que se sente como a voz do próprio Abismo, e então introduz uma linha soprano que flutua acima da escuridão.

A capacidade de Penkin de gerar empatia se estende aos antagonistas, o leitmotif de Bondrewd, com sua percussão fria e clínica e o zumbido desencarnado das crianças, força o público a enfrentar o monstruoso resultado do amor obsessivo, a música não nos pede para perdoar Bondrewd, mas insiste que entendemos a humanidade distorcida em seu núcleo, essa complexidade é o que eleva a construção do mundo além da simples fantasia escura em algo filosófico rico.

Uma trilha sonora que sobrevive à descida

A música de "Made in Abyss" é um órgão de construção mundial em seu próprio direito, tão essencial quanto o mapa vertical, as relíquias, ou a maldição.

Para aqueles que procuram estudar o ofício por trás desta paisagem sônica, recursos como o vídeo musical oficial para “Hanezeve Caradhina” e ] Kevin Penkin’s Bandcamp fornecem janelas para o processo do compositor. A trilha sonora não dura porque imita o mundo, mas porque se torna o mundo - um corpo ressonante, ecoando de trabalho que continua a puxar os ouvintes para baixo em suas profundezas muito depois que a tela desaparece para o preto.