Historien om Anime: Fra astro gutt til moderne klassikere og dens evolusjon gjennom tiår

Historien om anime er ikke en enkel rett linje, men et levende arkiv av eksperimentering, en som trekker fra århundrer-gamle visuelle tradisjoner før den noensinne flimret på en TV-skjerm. Når Osamu Tezukas ]Astro Boy luftet i 1963, det ikke kom ut av ingensteds ⁇ det var kulminasjonen av tiår med korte filmer, krigstidspropagandafunksjoner, og en blomstrende etterkrigsmanga industrien som allerede hadde lært å holde et publikum. Hva Tezuka gjorde var å smelte det momentum med en produksjonsmodell som kunne jobbe på kringkastingsplaner, og i å gjøre det ga han japansk animasjon et kjøretøy som kunne reise langt utover hjemmemarkedet. I dag er anime et internasjonalt språk av sjangerhistorie, men dets grammatikk ble bygget stykke etter stykke, tiår, ved å spørre hva mediet kunne gjøre neste.

De tidlige rotene til Anime

Selv om begrepet anime] nå forvirrer opp en distinkt visuell stil, så de tidligste japanske animasjonene ikke spesielt japansk. Filmmakere i 1910-tallet jobbet med importert utstyr, studerte amerikanske og europeiske shorts, og prøvde å gjøre noe som kunne konkurrere på lokale skjermer. Men de trakk seg også på fortellingsformer som hadde blitt raffinert i århundrer i illustrerte håndruller, eller ] emakimono, og i teatralismen til kabuki. Den blandingen ⁇ fremmed teknikken som var pakket rundt urfolks historieforteljing ⁇ ville definere mediet i generasjoner.

Første film av animasjon

Noen av de aller første animerte fragmentene som overlevde inkluderer Ōten Shimokawas Imokawa Mukuzō Genkanban no Maki] (1917) og Jun'ichi Kōuchis ]Namakura Gatana (1917), en kort komedie om et smuldrende samur. Disse var stille, håndtrekte og sjelden kjørte lenger enn noen minutter. Seitaro Kitayama, en annen tidlig pioner, grunnla sitt eget studio og presset for mer fortellingssammenhold. Ingen av disse verkene hadde ressursene til en Disney-slott, men de etablerte at japanske kunstnere kunne bygge en innenlandsk industri fra grunnen, selv om resultatene fortsatt var grove rundt kantene.

Krigstid Propaganda og ettermaten

Den japanske regjeringen, som anerkjente kraften i det bevegelige bildet, bestilte propagandafilmer som blandet levende handling med animasjon, den mest berømte var funksjonen-lengden Momotarō no Umiwashi] og dens etterfølger [Momotarō: Umi no Shinpei] (1945)[FLT:]][FLT:][[4]] og dens etterfølger var teknisk ambisiøse for sin tid, men de var moralske våpen, ikke kunst. Etter krigen måtte industrien gjenoppbygge nesten helt, og de neste årene så en bevisst dreie seg om underholdning. Audiens ønsket å escapisme, og studioene begynte å planlegge for en mer kommersiell fremtid.

Toei Animation og Japans første fargefunksjon

I 1958 utgav Toei Animation Talen til den hvite serpent (])), landets første fullfargede animerte funksjon. Modellert på Disney-modellen for produksjon av funksjoner, signaliserte filmen at japanske studioer kunne håndtere langvarig historieforteljing med konkurransedyktig visuell kvalitet. Toei ble raskt den viktigste treningsplassen for en generasjon animatorer og sett standarder for produksjonsrørledninger som ville bli vedtatt over hele bransjen. Studioet begynte også å eksportere sine filmer til Asia og videre, og plante frøene til et internasjonalt publikum.

Osamu Tezuka: Mannen som Drew fremtiden

Få individer har formet et medium så grundig som ]Osamu Tezuka formet anime og manga. Opplæringen som lege, Tezuka helte sin forståelse av menneskelig anatomi og hans kjærlighet til kino i hans tegneserier, som skapte utstrakte fortellinger som leste som storyboards. Hans manga Shin Takarajima (New Treasure Island) i 1947 var en bestselger, og på 1950-tallet var han på å presse animasjon overkommelig på en begrenset animasjonsramme i sekundet, smart gjenbruk av cels, og en vekt på sterk historie og uttrykkelig bevegelse ble malen for hans store trekk. Den var delvis kostbar å gi uttrykk for å gi dem et estetisk uttrykk.

Astro Boy og Dawn of TV Anime

Da Astro Boy] debuterte på Fuji TV på nyttårsdag 1963, flyttet japansk animasjon avgjørende fra filmteater til stuer. Serien fulgte en robotgutt som kunne føle kjærlighet, frykt og rettferdig sinne, som ofte så ham som et våpen i stedet for et barn. Det var den første animeserien som hadde en kontinuerlig historielinje over episoder, og dens suksess viste at publikum ville melde seg i uken etter en serieutstilt tegneserie.

Hvordan Astro Boy ombestemme reglene

Det Tezuka oppnådde med Astro Boy] gikk langt utover rangeringer. Han demonstrerte at animasjonen kunne takle temaer som vanligvis var reservert for live-aksjonsdrama ⁇ identitet, diskriminering, teknologiens etikk ⁇ uten å miste oppmerksomheten til unge seere. Serien etablerte også en produksjonsmodell der merchandiserende rettigheter hjalp til å finansiere episoder lenge før de luftet, en praksis som senere ble standard over hele bransjen. For fremtidige skapere, Astro Boy] var en saksstudie i hvordan man skulle være både kommersielt savvy og kreativt ambisiøs.

Mushi produksjonens globale fotavtrykk

Tezukas Mushi-produksjon fulgte etter Astro Boy med en rekke titler som ville bli tidlige ambassadører for anime i vest.]Kimba den hvite løve (1965) var den første japanske animerte serien som skulle lufte i farge på amerikansk fjernsyn, vinne over familier med sine frodige afrikanske innstillinger og økologiske temaer. Ikke lenge etter introduserte den høyoktanske racingsagaen Speed Racer (1967) en generasjon seere utenfor Japan til anime- og visuelle språk. Disse eksporten ble ofte re-redigert og kulturelt sandet ned, men de viste seg å være etterspurt, og de ga internasjonale distributører en grunn til å holde øye med japanske kataloger.

TV-en tar over

Suksessen til Astro Boy] gjorde anime til en fixtur av japanske kringkastingsplaner. Studioer som Tokyo Movie Shinsha, Tatsunoko Production, og senere Sunrise scramblet for å fylle nettverksspor, og 1960-tallet så en skarp økning i originale animerte serier rettet mot ulike demografier. Med TV kom en appetitt for forskjellige sjangere-sport, science fiction, historiske eventyr-og en ny økonomisk modell som bundet kringkastere, leketøyselskaper og forlag sammen i en tett sløyfe. Anime var ikke lenger en nysgjerrighet; det var en industri.

1970- og 1980-tallet: Genres multiplisere, Ambition gror

De to tiårene etter den svarte og hvite æra så anime strekker seg i alle retninger samtidig. Skapere begynte å skreddersy viser ikke bare til barn, men til tenåringer og voksne, og historien fortrinnsvekst tettere, temaene mørkere og den visuelle eksperimentering dristige.

Mecha, romopera og alvorlig spektakel

Mecha-sjangeren ble det definerende handlingsformatet i perioden. Go Nagais Mazinger Z] (1972) satte en pilot-kjempet robot i sentrum av historien og gjorde ukens monsterkamp til et ritual som drev leketøysalg gjennom taket. Deretter Yoshiyuki Tominos Mobile Suit Gundam (1979] flipte manuset helt: i stedet for en enkel helt-vers-invader plott, tilbød det et moralsk tvetydig krigsdrama der soldater døde, politikk som var masseprodusert, og mobile drakter var masseprodusert våpen i stedet for superheltske verge. Space operaer som Space Battleship Yamato (1974)[FLT:][FLT:][5][5][5] Laget eksisterte i løpet av de mer enn noen av dem som var i 1970, mens det som var blitt funnet som hadde en rekke

Shojo Anime og historier for nye publikum

Mens mecha dominerte zonenlandskapet, i 1970-åra også næring en eksplosjon av shojo anime rettet primært mot unge kvinner. Nippon Animation Heidi, Jente av Alpene (1974]), regissert av Isao Takahata og med scenesetting av Hayao Miyazaki, viste at en langsom, atmosfæresk historie om en sveitsisk foreldreløs kunne fortrylle enorme publikum. I 1979 brakte den franske revolusjonen til japansk fjernsyn med en heroine, Oscar François de Jarjayes, som levde som en mann og navigerte både hoffet og slagmarken med kompleksitet som var sjelden sett i animasjonen på den tiden. Oscar ble et ikon, og serien hjalp til å etablere at shojojoomi kunne bli like politisk tiltalt og sofistikert som noe i shonen.

Akira: Kulturell Shockwave

Katsuhiro Otomos ][] landte som en eksplosjon i et medium som allerede ekspanderte raskt. Med et budsjett som ikke hørte om for en animert funksjon i Japan, gjorde filmen Neo-Tokyo i searing detalj-graffiti-smeared vegger, sykler gjeng jager ved radioaktiv morgengry, psykisk eeri som skyldte like mye til kroppsskrekk som til science fiction.] Akira var aldri i ferd med å holde seg begrenset til Japan. Når den nådde vestlige kunsthusskjermer og midnatt viser, jolted publikum som hadde antatt animasjon var for barn. Mange sporer den andre bølgen av global anime fandom direkte til den filmen. Dens innflytelse er ikke bare synlig i senere etime men i videoer, live-action-filmer og hele cyberpunk som fulgte med.[Flot][5] klar forventninger til den globale effekten dens [FLT] [5]

Dragon Ball og seiler månen: ikoner uten grenser

I slutten av 1980-tallet og begynnelsen av 1990-tallet produserte han to serier som gjorde anime til en verdensomspennende ungdomskultur. Akira Toriyamas Dragon Ball og dens etterfølger Dragon Ball Z kombinert kampsportsbriller med en ubarmhjertig følelse av eskalering, og gjorde Goku til et husstandsnavn fra Latin-Amerika til Sørøst-Asia. I mellomtiden brakte Naoko Takeuchis Sailor Moon (1992) et team av magiske heroiner til førsteklasses tid, og fussing sentai-stil action med temaer om vennskap, kjærlighet og personlig identitet. Begge serien demonstrerte den enorme makten til langrennende shonen og shojo-formater, og begge bygde merchandiserende imperier som strekte seg over kontinentene, og sement anime anime's plass i den globale økonomien.

Studio Ghibli og Anime som filmkunst

Hvis TV anime hadde gjort mediet tilgjengelig og seriert, Studio Ghibli gjorde det prestisjetunge. Med grunnlag i 1985 av Hayao Miyazaki, Isao Takahata og produsenten Toshio Suzuki, studioet foretok en utilbørlig visjon: håndtegnet animasjon kan være en alvorlig kunstform som kan uttrykke de dypeste menneskelige opplevelser.

Miyazakis masterverk

Fra ]]]], ]] og ] Princesss Mononoke, Miyazaki bygget en arbeidskropp som nektet å snakke ned til barn. Hans filmer som aldri hadde tatt animasjonen på alvor, var en åpenbaring av Ghib.[5][5][5][5][5][5][5][5][5][5][5][5][5][5][5]][5][5][5][5][5][5]][5][5]][5]][5]][5][5][5]][5]][5][5][5][5][5][5][5]]][5][5][5][5

Takahatas emosjonelle dyp

Isao Takahata brakte en annen men like potent sensibilitet. Grave av Fireflies (1988), utgitt som en dobbel funksjon med ] Min nabo Totoro, forblir en av de mest ødeleggende krigsfilmene noensinne laget, animert eller på annen måte. Dens utilsiktede utseende på to søsken som sliter med å overleve i etterkant av Kobe brannbombinger fjernet enhver oppfatning om at animasjonen var et iboende mildt medium. Takahata senere presset den visuelle mulighetene videre med The Tale of the Princessss Kaguya, ved hjelp av en malerisk, sumi-e-inspirert stil som syntes å oppløse linjen mellom tegning og følelser.

Spirited away og Oscar som endret alt

Når Spirited Away vant Academy Award for Best Animated Feature i 2002, var det ikke bare et trofe for en enkelt film. Det var en anerkjennelse at japansk animasjon hadde kommet på verdens største filmscene. Filmens surrealistiske underverk, sentrert på en ung jente navigere et badehus for ånder, fortryllende publikum uavhengig av språk, og det er fortsatt den høyeste grossing filmen i japansk historie. Prisen åpnet døren for større internasjonal distribusjon og ga distributørene tillit til å behandle animeutgivelser som vanlige hendelser. Den offisielle Studio Ghibli site fortsetter å feire en katalog som reformet animasjonens kunstneriske rykte.

Moderne Anime: Avbygging, digitale verktøy og global kultur

Etter hvert som det 20. århundret vendte seg, gikk anime inn i en fase av selvundersøkelse og teknologisk overhaling. Den håndmalte celen begynte å gi plass til digital blekk og maling, og en ny regissør brukte mediet til å undersøke sine egne troper.

Evangelion og spøkelse i skallen: sinnet på skjermen

Hideaki Anno’s []][5] tok den kjente rammen av et mechashow og fylte det med psykologisk fragmentering. Teenagepilotene var ikke helter men traumatiserte barn, og seriens siste episoder forlot konvensjonelle fortellinger helt til fordel for en intern, nesten terapeutisk dykk i hovedpersonens psyke. Det samme året slo Mamoru Oshiis Ghost i Shell sammen cyberpunk noir med filosofiske meditasjoner om bevissthet og kroppslig identitet. Begge verkene påvirket filmskapere godt utover Japan ⁇ Wachowskis åpenlyst sitert Ghost i Shell som en inspirasjon for ][FLT:]] ⁇ og de sementerte et rykte som et villig medium.

Den digitale Shift og den streaming revolusjon

I slutten av 1990-tallet og tidlig på 2000-tallet så studioer overgang til digital fargelegging og sammensetning, som tillot mer intrikat belysning og raskere produksjonsplaner. Denne perioden sammenfaller også med økningen av internett. Fansubs ⁇ seere-oversette episoder delt på nettet ⁇ hevet globaliseringen av fandom selv som de komplisert lisensiering. Til slutt, bransjen reagerte med legitime streaming plattformer som tilbød simulcasts innen timer etter en japansk kringkasting. Tjenester som Crunchyroll ble den primære rørledningen for internasjonale seere, og snu det som en gang var en nisje subkultur til en daglig medievane for millioner. Gatekeepers ble erstattet av algoritmer, og publikum plutselig hadde tilgang til nesten hele historien til mediet på én gang.

Landskapet i dag: Isekai, mangfold og slutten på Niche

Moderne anime er definert av sin renere variasjon. Isekai-sjangeren, som transporterer vanlige mennesker til fantasiverder, har blitt en dominerende kommersiell kraft, men den coexisterer med stille stykke-av-liv dramaer, horror antologier og eksperimentelle shorts finansiert gjennom crowdfunding plattformer. Representasjon har også utvidet seg, med flere historier senter LGBTQ+ tegn, takle funksjonshemmede, og utforske relasjoner utenfor konvensjonelle maler. De gamle divisjonene mellom \"Saturday Morning Cartoon\" og \"voksen kunst\" har i stor grad kollapset. Anime snakker nå til et globalt publikum som forventer mediet til å holde på å holde innovasjon, og syklusen som begynte med Astro Boy] ⁇ en tilbakemeldingsløkke mellom kunstnerisk risiko og publikum appetitt ⁇ viser ingen tegn på å bremse ned.

Livsarkivet til et medium

Animes historie er en konstant gjenoppfinnelse under begrensning. Fra de svart-hvitt eksperimentene fra 1910-tallet til de utstrakte digitale universene i dag, har mediet alltid bøygd grensene for budsjett, teknologi og kulturelle forventninger til viljen. Osamu Tezukas freakal animasjonsteknikker, Go Nagais toyetic robot epics, Miyazaki malte himmel, Annos fraktede sinn -hver generasjon tok hva den forrige bygget og spurte om reglene kunne brytes. Resultatet er en kunstform som fortsatt føles så rastløs og overraskende som det gjorde når en robot gutt fløy først gjennom en katodstrålehimmel.