Anime jau sen ir zaudējusi savu reputāciju kā vienreizēja izklaide. Pēdējo trīs desmitgažu laikā mediji arvien vairāk ir pievērsuši uzmanību savam skatienam, izmantojot stāstus ne tikai izklaidēšanai, bet arī pašu stāstu rakstura apšaubīšanai. Šī pašapziņa – drosmīga vēlme izkonsektēt žanra konvencijas, salauzt ceturto sienu un noturēt spoguli līdz skatītājam – ir parādījusies kā viena no visviltīgākajām strāvām mūsdienu animē. Šīs kustības pamatā ir metanaratīvs, grandiozs stāsts, kas komentē stāstīšanas aktu, izaicina kultūras pieņēmumus, un aicina mūs izpētīt, kāpēc mēs stāstām par to, ko mēs darām.

Kas ir metanaratīvs?

Terminu „metanarratīvs" popularizēja franču filozofs Žans Fransuā Liotards (Jean-François Lyotard) savā 1979. gada darbā Postmodernā kondicionēšana: ziņojums par zināšanām. Liotards definēja metanaratīvus — arī tā saucamos grandiozus stāstus — kā visaptverošus stāstus vai ideoloģijas, kas mēģina sniegt pilnīgus vēstures, kultūras un cilvēka pieredzes skaidrojumus. Domājiet par apgaismības racionālismu, marksismu vai kristietību: katrs apgalvo, ka ir vienots ietvars, caur kuru var saprast visus pārējos stāstus. Liotarda slavenā „neskaidrība pret metanaratīviem” iezīmēja postmoderno pagriezienu, skepticismu, ko neviens stāsts nevar apgalvot par vispārēju patiesību.Stanfordas Filozofu enciklopēdija padziļināti pēta Liotarda idejas.)

Stāstījumu teorijā metanaratīvs darbojas vienā līmenī virs teksta. Tas ne tikai stāsta, bet arī atspoguļo to, kā tiek veidoti, patērēti un doti jēdzieni. Anime izvieto metanaratīvu, vienlaikus ir stāsts par tās personāžiem un pašu mediju, auditorijas vēlmēm vai kultūras bagāžu, ko ved konkrēts žanrs. Šī slāņainā pieeja pārvērš skatīšanās aktu intelektuālā mīklā, aicinot skatītājus dekodēt atsauces, subversijas un slēptus dialogus ar animācijas vēsturi.

Pašapmierinātības pieaugums

Lai gan agrākos darbos pastāvēja pašapziņas sēklas, 1995. gadā izdotais Neona Genesis Evangelions ] bieži tiek dēvēts par ūdensšķirtnes brīdi. Hideaki Anno meča drāma sākās kā maldinoši tradicionāla milžu-robotu izrāde, pirms tā izjuka, saraujot cilvēka psiholoģijas, autorības un emocionālās izklaides radīšanas izpēti. Evangeliona slavenās pēdējās epizodes un tai sekojošā filma Evangelion beigas aizmigloja robežu starp anime izdomāto pasauli un režisora garīgo stāvokli, faktiski pārvēršot visu producēto par metanaratīvu par radošu depresiju un otaku kultūras gaidām. Seriāls apšaubīja, vai “hero ceļojums” varētu izdzīvot lūzušās identitātes laikmetā, un tajā tika noteikts posms stāstu slavinātāju vilnim, kas atteiktos no žanra uz pašsacionālu.

2000. un 2010. gados šī tendence paātrinājās. Internets faniem deva jaunas platformas, lai analizētu un diskutētu par seriāliem, bet studijas kļuva drosmīgākas, slāņus piepildot ar atsaucēm, kas paredzētas uzmanīgo skatītāju atalgošanai. Anime arvien vairāk kļuva par sarunu par sevi, un grandiozie stāstījumi, kas reiz noturēja veselus žanrus, – maģiskās meitenes tīrību, tehnoloģiskās glābšanas solījumu – tika sistemātiski dekonstruēti, rekonstruēti un reizēm nojaukti ar greznu atteikšanos.

Maģiskā meitenes dekonstruēšana: Madoka Magica un tās mantojums

Netiek apspriesta metanarreāla animē bez Puella Madoka Magika Magica, sērija, kas paņēma maģisko meitenes formulu un savērpja to drūmā meditācijā par upuri, līgumiem un neredzamajām cerībām. Gadsimtiem ilgi tādi tituli kā Sailor Moon un Kardkaptors Sakura bija izveidojis grandiozu stāstījumu: jauna meitene saņem citu pasaulīgu spēku, cīnās ar ļaunumu un aug caur draudzību un mīlestību. Madoka Maģija interrogē šo ietvaru no sākuma skatuves. Gen Urobuchi skripts uztver maģisko meiteni kā svētību, bet kā Faustu darījumu, kas preys on pusaudze neaizsargātība. Maskota Kyubey, kas ir teksta cute skaitlis, tiek atklāts kā auksti, utilitāru ārzemnieks, kurš uzskata, ka cilvēku ciešanas kā pieņemamu degvielas avotu, lai noglabātu no visa mūža.

Atklājot maģisko meitenītes mītu slēpto tehniku, sērija veic metanaratīvu operāciju: tā jautā, kāpēc mēs kā skatītāji tik viegli esam pieņēmuši žanru, kas prasa fizisku un emocionālu upuri no saviem jaunajiem heroīniem. Madoka Kaname stāsts kļūst par atspulgu uz pašu tropu, kulminējot finālā, kur varonis pārraksta pašus realitātes noteikumus, lai maģiskajām meitenēm piešķirtu cieņu, kādu žanrs nekad tām nav devis. Šī stāstījuma dumpja darbība pārvērš šo izstādi pamatīgā paziņojumā par stāstīšanas spēku vai nu uzstāstīt vai atbrīvot. Madoka Magica ietekme saplēsta uz āru, apburot citus radītājus, lai atmiskotu šķietami nevainīgo žanru dzīrojumu.

Meča un mīts par progresu: Evaņģēlija, Gurren Lagann un Spiral Narrative

Mecha anime vienmēr ir bijis spēcīgs ideoloģisks lādiņš. Milzīgais robots ir tehnoloģiskā triumfa simbols, cilvēku sadarbība un solījums, ka var pārvarēt pat vislieliskākos draudus. ] Neo Genesis Evangelion sistemātiski demontēja šo grandiozo stāstījumu. Šindži Ikari nav varonīgs pilots; viņš ir biedējošs, pašaizliedzīgs zēns, kas iesprostots ierīcē, kas fiziski un psiholoģiski viņu ievaino. Evangelion vienības nav atbrīvošanas rīki, bet groteski, organiskie monstri, kas aizmiglo līniju starp cilvēku un citiem. Sērijas noraidījums tīras stāstījuma izšķirtspējai, un tās slavenās ceturtās sienas lauskas kino ainas – liek pievilināt pirkstu auditorijai, kas bija izjutusi ērtus ar formulāro briesmoņu no nedēļas gabaliem un nepārprotamām morālām uzvarām. Evangelion’s metanarative stāsta, ka mītiskais varonis ir trausla spēlība, kas sabrūk zem īstas trauma.

Drosmīgā pretstatā Gurren Lagann parādījās kā eksuberanta rekonstrukcija. Studio Trigger’s opus sagrāba shattered fragmenti no mecha stāstījuma, izkausēt tos un viltoja stāstu, kas darbojas uz tīras, neapoloģiskas spirāles enerģijas. Sērija ir pilnībā informēta par savu absurdumu; rakstzīmes kliedzot uzbrukumi to plaušām, urbj caurdurt debesis, un varas mērogošana piepūšas burtiski galaktiskām proporcijām. Tomēr šī pašapziņa nav pārāka par emociju, tā to pastiprina. Gurren Lagann darbojas kā metanaloģisks spēks par pašu stāstu spēku: evolūcija, dumpis un izaugsme ir mests spirālē, forma, kas sasaucas gan ar dzīvības DNS, gan ar nepārvarama plāna struktūru. Aizstājot tehnokrātisko pesimismu par savu priekšteci ar bezsaturīgu potenciālu, sērija parādīja, ka dekonstrukcijai ir lemts. Tā vietā, tā ir ļoti svarīga, lai cilvēki būtu.

Ceturtais mūris kā Narrative Engine: Re:Creators un Haruhi Suzumiya

Daži anime kapitulēja uz metanarmatizēm, padarot ceturto sienu nevis par barjeru, bet par centrālo sižetu mehānismu. Re:Creators] ir pārsteidzošs piemērs: mangas tēli, vieglie romāni, un videospēles tiek ierautas reālajā pasaulē, kur viņi satiek savus radītājus un saskaras ar savas izdomātās eksistences realitāti. Maģiska princese uzzina, ka viņa ir traģisks upuris; stoisks zobens atklāj savu pasauli ir komercprodukts; fanojam, kurš kļuvis par autoru, ir jāskatās sava varones cīņa par savu dzīvi. Sērijas funkcijas kā ieilga diskusija par autoratkarību, kanonu un attiecībām starp radītāju un patērētāju. Kad raksturs lūdz, “Kāpēc tu mani padarīji ciest?” tas sasaucas ar plašāku kultūras sarunu, kurā tiek iesaistīti forumi un sociālie mediji, kur fani pieprasa atbildību no rakstniekiem.

Haruhi Suzumiya melanholija pietuvojās metanarriskam no cita leņķa, ieliekot to šova realitātes fasādē. Haruhi, vidusskolas meitene, kas neapzināti pārveido Visumu, ir galvenais autors. Stāstītājs Kyon sardonic komentārs bieži vien skan kā skatītājs, kas critiquing ļoti anime viņš apdzīvo, un sērijas scrambled apraides kārtība, kas atspoguļo Haruhi kaprīzo dabu, transformējot skatīšanās pieredzi līdzdalības mīklā. Ar padarot auditorijas rekonstruēt “proper” laika līniju, izrādes pasvītroja savu uzbūves un pārvērta stāstīšanu par sadarbības nozīmes aktu. Anime News Network funkcijas ir ilgi analizējušas šos postmodernos eksperimentus, uzsverot, kā viņi aicina dziļāku iesaistīšanos.)

Simulācija, identitāte un postmodernais pašpārbaudījums: sērijveida eksperimenti

1998. gadā Seriālie eksperimenti Lains prezentēja pirmzinātnes metanarma. Seriālā iezīmējas Laina Ivakura pakāpeniska sevis izšķiešana, kad viņa virzās pa vadu, protointerneta, kas aizmiglo robežas starp fizisko un digitālo. Agrīnie epizodi jūtas kā standarta tehno-trilleris, bet stāstījums drīz vien fragmenti. Atmiņas izrādās neuzticamas, identitātes vairojas un līnija starp dievu un programmētāju izgaist. Laina ceļojums ir tieša interrogācija par lielo progresa stāstu, sapnis, ka savienošana tuvinās cilvēci. Tā vietā Stieples kļūst par telpu, kur dvēseles tiek komodificētas un sevi nebeidzami reproducētas.

Metanaratīvs darbojas divās frontēs. Pirmkārt, stāsts pats pretojas lineārai izpratnei, liekot skatītājam apkopot no izkaisītajām clues-procesu, kas atspoguļo Lainas paša identitātes meklējumus. Otrkārt, sērijas komentāri par anime kā simulāciju nesēju. Jošitosi ABe veidotie personāžu modeļi ir apzināti eerie, to mīkstās ēnas un tukšās acis liecina, ka Laina un visi apkārtējie ir konstrukti, lelles digitālā teātrī. Laina slavenais paziņojums: “Nekas, kur tu esi, visi vienmēr ir saistīti,” kļūst gan solījums, gan drauds, iekapsulējot postmodernajām raizēm, ka visi stāsti, tostarp tie, ko mēs paši sakām, galu galā ir tīklā, kalderīgs un bez fiksētas izcelsmes. (Akadēmiskās platformas, piemēram, Mehadēmija, ir publicējušas plašas analīzes par to, kā anime, piemēram, Lain deconstructurctive naration formas.)

Postmodernais rotaļīgums: Monogatari sērija un popkomandas epikss

Ne visi metanaratīvi ir sombre. Monogari franšīze, kuru ierakstīja Nisio Isin un kuras režisors ir Akiyuki Shinbo, uztver dialogu kā pašreferātu laukumu. Rakstzīmes regulāri lauž ceturto sienu, lai komentētu savus balss dalībniekus, mangas avota materiālu, un neiespējamo kameru leņķo studijas priekšrocības. Kad Koyomi Araragi apspriež savus harēmam līdzīgos apstākļus, dialoga winks pie auditorijas iepazinuma ar gaismu-novel ekči formulu. Tomēr Monogatari metanaratīvs ir vairāk nekā joks: tas izvērš tās iekšējos procesus, pārvēršot katru sarunu par naratīvu kontroli. Pārdabiskās “odas” konfrontācijas ir psiholoģiskās pakārtošanās burtiskas izpausmes, kas izjaucas starp metaforām un briesmoni. Sērija aicina skatītājus to lasīt kā antinaratīvu, vienu, kas neuzticas vienkāršām rezolūcijām un nevis revelēs cilvēku cilpām, bet gan niecīgu domāšanu.

Vēl radikālāks ir Pop Team Epic, īsas formas sērija, kas bieži vien šķiet kā eksperimentāls uzbrukums vien saskaņota stāstījuma koncepcijai. Skits beidz viduspuskārtu, mākslas stili mainās bez brīdinājuma, un tas pats saturs tiek atskaņots ar dažādiem balss aktieriem otrā pusē, kas izsmej ideju par “direktora griezumu”. Pop Team Epic ne tikai salauž ceturto sienu, tas rada jaunu no haosa un nihilistiska humora. Šova metaanarratīvs vēstījums ir atteikšanās uztvert kaut ko nopietni, vismaz visu anime kā mākslas formu. Atmetot nepārtrauktību, tas izaicina skatītāju vajadzību pēc stabilas stāstīšanas un jautā, vai interneta kultūras gags neproporcionālā barža pati var funkcionēt kā leģitīma, ja absurds, grand stāstījums.

Skatītājs kā līdz-izveide: Interaktīvi metanaratīvi un fanu kultūra

Anime metanaratīvi reti ir pabeigti bez skatītāja. Parādās Steins;Gate] ietver vizuālo romānu mehāniku tieši savā sižetā, ar laika cilpām un alternatīvām pasaulēm, kas atspoguļo spēlētāja pieredzi saglabāt failu pārlādēšanā. Protagona Okabe Rintaro izmisīgie mēģinājumi mainīt likteni kļūst par metaforu auditorijai vēlmei pārtīt un pārrakstīt stāstu, kas ir nogājis nepareizi. Līdzīgi, Re:Zero – Sākuma dzīve citā pasaulē pārvērš isekai žanru metatekuālajā masohismā, kur Subaru “Atgriešanās pēc nāves” spēja atmasko brutālo izmēģinājuma un terora loģiku aiz videospēļu naratīviem. Katrs nāve un atstāsta komentārus par vojeristisku baudījumu, kas ieraugās pēc rakstura, un pakāpeniski piespiež Subaru un auditorijai cīnīties pret psiholoģisko spēku cilpāciju.

Pati otaku subkultūra kļūst par metanariska objektu sērijās, piemēram, Genshiken un ]]Širobako, kas attēlo anime fanu un radītāju dzīvi ar dokumentālām detaļām. Genšikena tēli debatē par fanu tulkojumu ētiku, moe pievilkšanu un vēlmi komodifikāciju, faktiski pārvēršot izstādi par tekošu simpoziju uz medija socioloģijas. Savukārt Širobako demistē producēšanas procesu, atklājot haotisko cilvēka sadarbību aiz nevainojamas animācijas ilūzijas. Kad mēs redzam animatorus, kas cīnās ar termiņiem vai balss aktieriem, kas savas emocijas nodod ainā, mēs tiekam atgādināts, ka katra anime ir neskaitāmu nelielu stāstījumu – ambīciju, degšanas un amatniecības – rezultāts, ka ogles ieplūst mūsu grandiņā.

Kad spoguļa plaisas: kritikas un spriedzes

Par visu savu intelektuālo bagātību, metanarative-smagh anime staigāt saspringts. Sērija, kas liesās pārāk tālu uz sevis atsauces risks atsvešināt gadījuma skatītājiem, kas nāca uz skaidru stāstu un tā vietā atrast sev iesprostots zālē spoguļiem. Apsūdzība par iecietību ir izplatīta, un ne vienmēr nepamatoti: kad šovs vinks pie auditorijas tik bieži, ka tas aizmirst pateikt pārliecinošu stāstu, rezultāts var justies kā stāstījums onānisms, nevis sarežģīta māksla. Darbi, kas paļaujas uz stipri in-jokes un žanra rakstpratība var arī novecot slikti, jo kultūras pieskārienus viņi atsaucas izbalināt no kolektīvās atmiņas.

Pacing var kļūt par vēl vienu negadījumu. Metanaratīvi bieži pieprasa, lai skatītājs apstājas un atstarojas, kas var pulsēt sērijas impulsu. Evangelion introspektīvie gala stiepumi un Laina apzinātā dezorientācija ir atalgojoši, bet prasa pacietību. Līdzīgi, kad sižeta ierīce galvenokārt kalpo kā metateksta idejas simbols, tēli var kļūt par dobiem šifriem, nevis pilnībā realizētiem cilvēkiem. Radītājiem ir uzdevums līdzsvarot tematisko svaru ar emocionālu pieejamību, nodrošinot, ka slāņi piešķir nozīmi, nenoslogojot cilvēka stāstu centrā.

Kāpēc tagad ir svarīgi runāt par to, kas ir domāts ar metanarāciju

Mūsdienu animē metanarmatīvā izplatība nav nejaušība. Laikmetā, kur straumēšanas platformas ir padarījušas desmitiem satura uzreiz pieejamu, auditorija ir rakstpratīgāka nekā jebkad agrāk. Viņi ierodas pie jaunas maģiskas meitenes vai mečas šova ar psihiatrisko Tropes bibliotēku, un visvairāk rezonantās sērijas ir tās, kas atzīst, ka uzkrātās zināšanas. Metanaratīvs ir tilts starp radītāju un patērētāju, veids, kā teikt: “Mēs zinām, ka jūs to esat redzējuši iepriekš – tagad parunāsim par to, kāpēc jūs turpināt nākt atpakaļ.”

Šie stāsti arī sniedz vārdu krājumu, lai niknumā ar pasauli, kas piesātināta ar konkurējošiem grand stāstījumiem. Politiskās ideoloģijas, korporatīvā mītu veidošana, influencer kultūra- mūsu realitāte ir veidota no stāstiem, kas apgalvo, ka ir patiesība. Anime, kas disectē savu fikciju, netieši apmāca skatītājus kritiski skatīties uz figūrām, kas veido viņu dzīvi. Kad Re:Creators uzsāk karu starp izdomātiem tēliem un viņu autoriem, tas sasaucas ar reālās pasaules cīņu par reprezentāciju, intelektuālo īpašumu un kultūras īpašumtiesībām. Kad Madoka Magica atklāj slēpto vēlmi, tas aicina mūs izpētīt cenu zīmes, kas piesaistītas mūsu mantotajiem sociālajiem rakstiem.

Galu galā metanaratīvs animē ir svētki medija unikālajai spējai izslīdēt ārā no sevis. Tas pārveido skatīšanos no pasīvā patēriņa aktīvā interpretācijā. Kamēr būs stāsti, būs radītāji, kas gribēs nolobīt slāņus un uzdot visnekustīgāko jautājumu par visiem: Kas šo stāstu stāsta, un ko viņi no manis vēlas? Šis jautājums, kas tūkstoš dažādos veidos tiek uzdots pāri tūkstoš dažādām sērijām, nodrošina, ka anime paliek viena no intelektuāli avantūriskākajām mākslas formām uz planētas.