Anime vēsture: no Astro Boy uz mūsdienu klasikas un tās evolūcijas caur desmitgadēm

Anime vēsture nav viena taisna līnija, bet gan dzīvs eksperimentu arhīvs, kas balstās uz gadsimtiem senām vizuālām tradīcijām, pirms tā jebkad uzsprāga uz televīzijas ekrāna. Kad Osamu Tezuka ]Astro Boy 1963. gadā tika atklāts, tas neradās no nekurienes – tas bija vairāku desmitgažu īsfilmu kulminācija, kara laika propagandas funkcijas un plaukstoša pēckara mangas industrija, kas jau bija iemācījusies, kā noturēt auditoriju. Tas, ko Tezuka izdarīja, bija impulss ar producēšanas modeli, kas varēja strādāt ar raidīšanas grafikiem, un tā viņš deva japāņu animācijas līdzeklim, kas varēja ceļot tālu ārpus savas mājas tirgus. Šodien anime ir starptautiska žanru stāstīšanas valoda, bet tās gramatika tika uzcelta no skaņdarba, desmitgades, ko bija radījuši mākslinieki, kuri turpināja uzdot to, ko medijs varētu darīt tālāk.

Anime pirmie pirmsākumi

Lai gan termins anime tagad saviļņo atšķirīgu vizuālo stilu, senākās japāņu animācijas īpaši nešķita japāņu. 1910. gados filmu veidotāji strādāja ar importētu aprīkojumu, pētot amerikāņu un eiropiešu īsfilmas un mēģinot radīt kaut ko, kas varētu konkurēt uz vietējiem ekrāniem. Bet tās arī zīmēja uz stāstījuma formām, kas gadsimtiem bija izsmalcinātas ilustrētās rokas šūpulēs, vai emakimono, un kabuki] teatralizējot, ka sajaukums – ārzemnieku tehnika, kas aptīta ap vietējiem stāstījumiem, – varētu definēt mediju paaudzēm.

Pirmie animācijas zibspuldzes

Daži no pirmajiem animācijas fragmentiem, kas izdzīvoja, ir ~ten Shimokawa Imokawa Mukuzō Genkanban no Maki (1917) un Jun’ichi Kōuchi Namakura Gatana (1917) — īsa komēdija par samuraju samuraju. Tie bija klusi, ar rokām zīmēti un reti skrēja ilgāk nekā dažas minūtes. Seitarō Kitayama, cits agrīns pionieris, nodibināja savu studiju un stūma pēc lielākas stāstījuma kohēzijas. Nevienam no šiem darbiem nebija Disney short resursi, bet viņi konstatēja, ka japāņu mākslinieki varētu veidot vietējo industriju no nulles, pat ja rezultāti joprojām būtu raupji ap malām.

Kara laika propaganda un tās posts

Otrā pasaules kara laikā animācijas mērķis tika pārveidots gandrīz vienā naktī. Japānas valdība, atzīstot kustīgā attēla spēku, pasūtīja propagandas filmas, kas sajauca dzīvo darbību ar animāciju, slavenākās bija pilnmetrāžas Momotarō no Umiwashi (1943) un tās turpinājumu Momotarō: Umi no Shinpei (1945). Tās bija tehniski vērienīgas savam laikam, bet tās bija morāli, nevis mākslas ieroči. Pēc kara industrijai bija jāatjauno gandrīz pilnībā, un nākamajos gados tā atkal saskatīja apzinātu pagriezienu izklaidē. Audiences vēlējās eskapismu, un studijas sāka plānot vēl komerciālāku nākotni.

Toei animācijas un Japānas pirmais krāsu iezīme

1958. gadā Toei Animation izlaida Tals par Balto serpentu] (]) Hakujaden), pirmo pilnkrāsu animācijas spēlfilmu. Filmas modelis brīvi balstījās uz Disney modeli, kas bija producēts, un signalizēja, ka japāņu studijas var apstrādāt garus stāstus ar konkurētspējīgu vizuālo kvalitāti. Toei ātri kļuva par svarīgāko mācību vietu animatoru paaudzei un noteica standartus ražošanas kanāliem, kas tiktu pieņemti visā nozarē. Studija arī sāka eksportēt savas filmas uz Āziju un ārpus tās, stādot starptautiskas auditorijas sēklas.

Osamu Tezuka: Cilvēks, kurš deva nākotni

Tikai dažas personas ir izveidojušas mediju tik pamatīgi, kā Osamu Tezuka veidojušas anime un manga. Trenējies kā ārsts, Tezuka 1947. gadā iebēra savu izpratni par cilvēka anatomiju un kino mīlestību savos komiksos, radot izplešošus stāstus, kas lasāmi līdzīgi sižetiem. Viņa manga Shin Takarajima (New Treasure Island) bija bestsellers, un 1950. gados viņš stumja secīgu mākslu psiholoģiski sarežģītākā teritorijā. Tezuka radikālākais gājiens bija likt savu mangu uz televīziju caur mazu studiju, kuru viņš dibināja, Mushi Production. Lai animācijas iespējas būtu pieejamas nedēļas raidījuma grafikā, viņš pieņēma ierobežotas animācijas sistēmu — uz sekundārus kadrus, gudrs atkārtojums un uzsvars uz spēcīgu sižetu par šķidruma kustību. Lielās, emotives acis bija palikušas, un daļēji praktisks veids, kā telegrāfs ātri jutās. Šī pieeja bija tikai taupātam.

Astro Boy un TV Anime rītausma

Kad Astro Boy Tetsuwan Atomu) debitēja Fuji TV 1963. gada Jaungada dienā, japāņu animācijas filma izlēmīgi pārgāja no filmu teātriem uz dzīvojamām istabām. Šovam sekoja robots zēns, kurš varēja sajust mīlestību, bailes un taisnīgas dusmas, grapping ar pasauli, kas viņu bieži uzskatīja par ieroci, nevis bērnu. Tā bija pirmā anime sērija, kurā bija iekļauts nepārtraukts sižets par epizodēm, un tās panākumi pierādīja, ka auditorija nedēļas laikā noskaņosies uz serializētu multiplikācijas filmu.

Kā Astro Boy pārrakstīja noteikumus

Tas, ko Tezuka paveica ar Astro Boy, bija daudz plašāks nekā reitingi. Viņš demonstrēja, ka animācija varētu risināt tēmas, kas parasti ir rezervētas dzīvās darbības drāmai—identitātei, diskriminācijai, tehnoloģiju ētikai, nezaudējot jauno skatītāju uzmanību. Izrāde arī izveidoja producēšanas modeli, kurā merčendaizinga tiesības palīdzēja finansēt epizodes ilgi pirms to atklāšanas, praksi, kas vēlāk kļuva par standartu visā nozarē. Nākotnes veidotājiem Astro Boy bija gadījuma izpēte, kā būt gan komerciāli savtīgam, gan radoši ambiciozam.

Mušiju ražošanas globālais pēdas nospiedums

Tezuka Mushi Production sekoja Astro Boy ar virkni titulu, kas kļūtu par agrīniem anime vēstniekiem Rietumos. Kimba Baltā lauva (1965) bija pirmā japāņu animācijas sērija, kas tika uzņemta ar krāsu amerikāņu televīzijā, uzvarot pār ģimenēm ar sulīgiem Āfrikas iestatījumiem un ekoloģiskajām tēmām. Neilgu laiku pēc tam augsta oktāna sacīkšu sāga Speed Racer (1967) ieviesa skatītāju paaudzi ārpus Japānas, lai anime raksturīgo pacing un vizuālo valodu. Šis eksports bieži vien bija ļoti no jauna nomierināts un kulturāli noslīdēts, bet viņi pierādīja, ka tur bija pieprasījums, un viņi deva iemeslu turpināt meklēt japāņu katalogus.

Televīzija pārņem vadību

Astro Boy panākumi pārvērta anime japāņu raidījumu grafikiem. Studijas, piemēram, Tokijas Movie Shinsha, Tatsunoko Production, un vēlāk Sunrise scrrambled aizpildīt tīkla slots, un 1960. gados redzēja strauju pieaugumu oriģinālo animācijas seriālu, kas bija vērsti uz dažādiem demogrāfijas. Ar televīziju radās vēlme pēc dažādiem žanriem – sporta, zinātniskās fantastikas, vēsturiskā piedzīvojuma – un jauna ekonomikas modeļa, kas cieši sasaistīja raidorganizācijas, rotaļlietu kompānijas un izdevējus kopā. Anime vairs nebija zinātkāre, tā bija industrija.

70. un 80. gadi: Žanrs: Žanrs: Multiply, Ambition Grows

Divdesmit gadu desmitos pēc melnbaltā laikmeta anime uzreiz saskatīja stiepšanos katrā virzienā. Radītāji sāka pielāgot izstādes ne tikai bērniem, bet pusaudžiem un pieaugušajiem, un stāstīšana kļuva blīvāka, tēmas tumšākas, un vizuāli eksperimentēšana drosmīgāka.

Meča, kosmiskā opera un nopietns skats

Mecha žanrs kļuva par noteicošo darbības formātu laika posmā. Go Nagai Mazinger Z (1972) lika izmēģinājuma gigantu robotu stāsta centrā un pārvērta iknedēļas briesmoņu kaujas rituālu, kas brauca rotaļlietu pārdošanas pa jumtu. Tad Yoshiyuki Tomino Mobilie Suit Gundam (1979) pilnībā uzvilka scenāriju: vienkārša varoņa pretvainības kauju gabala vietā, tas piedāvāja morāli neskaidru kara drāmu, kurā karavīri mira, bija svarīgi politikā un mobilie kostīmi bija masveidā ražoti ieroči, nevis superheroiski sargi. Kosmosa operas, piemēram Kosmosa kaujas Jamato (1974], kas bija daudzkārtīgas eksistenciālās daļas uz starpzvēru braucieniem, bet Zināt Ninja Team Gatchaman] (1972] tika piegādāts augstas komandas, kas vēlāk bija redzams, ka bija.

Shojo Anime un stāsti jauniem skatītājiem

Kamēr mecha dominēja shojo ainavā, 70. gados arī izkopa shojo anime sprādzienu, kas galvenokārt bija vērsts uz jaunām sievietēm. Nippon Animation Heidi, Alpu meitene (1974), režisēja Isao Takahata un Hayao Miyazaki, kas ar ainu radīja ainavu, parādīja, ka lēns, atmosfēras stāsts par Šveices bāreni varētu apburt milzīgu auditoriju. 1979. gadā Versaļas roze] atveda franču revolūciju uz Japānas televīziju ar varoni Oskaru Fransuā dedžadži, kurš dzīvoja kā cilvēks un ar savu animāciju bija ļoti sarežģīts, un Oskarams kļuva par ikonu, un sērija palīdzēja izveidot, ka shojoime varētu būt tikpat politiski uzlādēta un emocionāli izsmalcināta kā jebkas shonoņas sfērā.

Akira: Kultūras satricinājums

Katsuhiro Otomo Akira (1988) nolaidās kā sprādziens medijā, kas jau strauji izpletās. Ar animācijas filmas budžetu Japānā nedzirdēja neo-Tokyo jūras detaļās, grafīti uzmanās no sienām, bikeru banda izdzen radioaktīvas rītausmas, psihiskās erozijas, kas bija tikpat briesmīgi kā zinātniskā fantastika. Akira nekad negrasījās atrasties Japānā. Kad tā sasniedza Rietumu mākslas namu ekrānus un pusnakti, tā parādīja, ka tā bija joltēta auditorija, kas bija uzskatījusi animāciju bērniem. Daudzi izsekoja pasaules anime fandomas otro vilni tieši šai filmai. Tās ietekme ir redzama ne tikai vēlāk animē, bet mūzikas videoklienos, dzīvās darbības filmās un visā kiberpankatētikā, kas sekoja. retrospekts uz tās globālo ietekmi[FLT][5]], skaidri redzams, cik rūpīgi ir redzamas cerības.

Dragon Ball un Sailor Mēness: ikonas bez robežām

Astoņdesmito gadu beigās un deviņdesmito gadu sākumā tika izveidotas divas sērijas, kas anime pārvērta par pasaules jaunatnes kultūru. Akira Torijama Dragon Ball (1986) un tās turpinājums Dragon Ball Z apvienoja cīņas mākslas briļļu ar nebeidzamu eskalācijas sajūtu, pārvēršot Goku par mājvietu nosaukumu no Latīņamerikas uz Dienvidaustrumāziju. Tikmēr Naoko Takeuchi Silor Moon [1992] atveda maģisko varoņu komandu uz pirmatskaņojumu, saliekot senatnes darbību ar draudzības, mīlestības un personīgās identitātes tēmām. Abas sērijas demonstrēja milzīgu spēku, kas bija ilgmūžīgi shonen un shojo formāti, un abas veidoja merchandistiskas impērijas, kas stiepās pāri kontinentiem, nostiprinot anime vietu pasaules izklaides ekonomikā.

Ghibli studijas un anime kā kinomāksla

Ja televīzijas anime būtu padarījusi media pieejamu un serializētu, Studio Ghibli to padarīja prestižu. 1985. gadā līdzdibināts Hayao Miyazaki, Isao Takahata un producents Toshio Suzuki, studija īstenoja nesatricināmu vīziju: animācija ar rokām varētu būt nopietna mākslas forma, kas spēj izteikt dziļāko cilvēces pieredzi.

Mijazaki meistardarbi

No Vēja ielejas Nausticaä (1984, ražots pirms Ghibli oficiālās dibināšanas, bet bieži vien uzskatīja par garīgo sākumu) caur Laputu: Pils debesīs, ] Mans Neighbor Totoro un Princess Mononoke[, Miyazaki uzbūvēja darba ķermeni, kas atteicās runāt ar bērniem. Viņa filmas bija apburtas ar vides sabrukumu, kara šausmām un parastu cilvēku noturīgu denci. Pati animācija elpo – vēju skabargu, ūdens iesūcas drānā, un klusus mirkļus tiek dota kā darbības komplekts. Starptautiskajiem kritiķiem, kas nekad nebija nopietni uzņēmuši japāņu animāciju, Ghibli filmas bija atklāsme.

Takahatas emocionālais dziļums

Isao Takahata atnesa atšķirīgu, bet vienlīdz spēcīgu jūtīgumu. Šķirnes lūzums] (1988), kas izlaists kā dubultpazīme ar ]Mans kaimiņs Totoro, paliek viena no postošākajām kara filmām, kāda jebkad ir tapusi, animēta vai citādi. Tās nemaldīgais skats uz diviem brāļiem un māsām, kas cīnās, lai izdzīvotu pēc Kobes ugunsbombingiem, atņēma jebkuru priekšstatu, ka animācija bija jau pēc būtības maigs medijs. Takahata vēlāk atstūma vizuālās iespējas tālāk ar Princeses Kagujas pasaka, izmantojot gleznotāju, sumi-e-inspired stilu, kas šķita, lai likvidētu līniju starp zīmējumu un emociju.

Garīgs ceļš un Oskars, kas izmainīja visu

Kad Spired Away 2002. gadā ieguva Kinoakadēmijas balvu par labāko animēto rakstu, tā nebija tikai vienas filmas trofeja. Tā bija atzinība, ka japāņu animācijas filma ir nonākusi uz pasaules lielākās kino skatuves. Filmas sirreālais brīnums, kura centrā bija jauna meitene, kas pārvietoja pirti gariem, burvīgiem skatītājiem neatkarīgi no valodas, un tā joprojām ir visaugstākā filma Japānas vēsturē. Balva pavēra durvis plašākai starptautiskai izplatīšanai un deva izplatītājiem pārliecību, ka anime relīzes tiks uztvertas kā plaši notikumi. Oficiālā Studio Ghibli vietne turpina svinēt katalogu, kas pārformulē animācijas māksliniecisko reputāciju.

Modernā anime: dekonstrukcija, digitālie instrumenti un globālā kultūra

20. gadsimtā pagriezās, anime sākās posms pašpārbaudes un tehnoloģisko kapitālo remontu. Ar roku krāsotā cel sāka dot ceļu uz digitālo tintes un krāsu, un jauna šķirne direktori izmanto vidējo, lai pratinātu savu tropes.

Evaņģēlija un spoku čaulā: prāts uz ekrāna

Hideaki Anno Neona Genesis Evangelions (1995) paņēma pazīstamo mečas šova rāmi un piepildīja to ar psiholoģisko sadrumstalotību. Pusaudžu piloti nebija varoņi, bet traumēja bērnus, un sērijas pēdējās epizodes pameta tradicionālo stāstījumu par labu iekšējam, gandrīz terapeitiskam ienirt par varoņa psihi. Tajā pašā gadā Mamoru Ošii Shell viesmīlis apvienoja kiberfunkciju ar filozofiskām meditācijām par apziņu un ķermeņa identitāti. Abi darbi ietekmēja kino veidotājus arī ārpus Japānas — Vahovskis atklāti citēja Šellā kā iedvesmu Matrix] — un nostiprināja anime reputāciju kā vidē, kas vēlējās uzdot smagus jautājumus.

Digitālā pāreja un straumēšanas revolūcija

90. gadu beigās un 2000. gadu sākumā studijas pārtapa ciparu krāsojumā un komposinēšanā, kas ļāva izveidot sarežģītāku apgaismojumu un ātrākus ražošanas grafikus. Šis periods sakrita arī ar interneta pieaugumu. Fansubs— skatītājs translētās epizodes, kas tika izplatītas tiešsaistē, pacēla fandomas globalizāciju pat tad, kad tās bija sarežģītas licencēšanas. Galu galā industrija reaģēja ar likumīgām straumēšanas platformām, kas piedāvāja simulcastus dažu stundu laikā pēc Japānas apraides. Tādi pakalpojumi kā Krunhirols kļuva par galveno cauruļvadu starptautiskajiem skatītājiem, pārvēršot kādreiz nišu subkultūru par ikdienas mediju ieradumu miljoniem. Vārtsargus aizvietoja algoritmi, un skatītājiem pēkšņi uzreiz bija pieejama gandrīz visa mediju vēsture.

Mūsdienu ainava: Izekai, daudzveidība un Ničes gals

Mūsdienu anime ir definēta pēc savas ideālās dažādības. Izekai žanrs, kas pārceļ vienkāršos cilvēkus uz fantāzijas pasaulēm, ir kļuvis par dominējošu komerciālo spēku, bet tas līdzās pastāv ar klusām dzīves šķelšanās drāmām, šausmu antoloģijām un eksperimentāliem īsumiem, ko finansē no pūļa finansēšanas platformām. Pārstāvniecība ir paplašinājusies, ar vairāk stāstiem centrējot LGBTQ+ rakstzīmes, risinot invaliditātes problēmas un pētot attiecības ārpus tradicionālajām veidnēm. Vecās šķelšanās starp „Sestdienas rīta multfilmu” un „pieaugušo mākslu” ir lielā mērā sabrukušas. Anime tagad runā ar globālu auditoriju, kas sagaida, ka medijs turpinās jaunradi, un ciklu, kas sākās ar Astro Boy]-atsauksme starp māksliniecisko risku un skatītāju apetīti-nenerāda palēnināšanos.

Medija dzīvais arhīvs

Anime stāsts ir viens no pastāvīgajiem izgudrojumiem, kas ir ierobežots. No 1910. gadu melnbaltajiem eksperimentiem līdz mūsdienu izplešamajiem digitālajiem visumiem, medijs vienmēr ir saliekis budžeta, tehnoloģiju un kultūras gaidas robežas līdz tās gribai. Osamu Tezuka frugal animācijas tehnikas, Go Nagai toyētisko robotu episki, Mijazaki gleznotās debesis, Anno lauztie prāti – katra paaudze paņēma to, ko iepriekšējā bija uzcelts, un tad jautāja, vai noteikumi varētu tikt pārkāpti. Rezultāts ir mākslas forma, kas joprojām jūtas tikpat nemierīga un pārsteidzoša, kā tas bija, kad robota zēns pirmo reizi lidoja caur katodstaru debesīm.