애니메이션은 엔터테인먼트와 문화적 표현에 중요한 힘이 되었습니다. 이 방식의 스토리를 형성하고 세대를 통해 경험해 왔습니다. 손으로 그려진 플립북에서 현실적인 디지털 세상으로, 매체는 기술 및 narrative 컨벤션을 도전하는 데 헌신적인 스튜디오의 비전을 통해 지속적으로 진화했습니다. 이 문서는 게임 변화의 작품을 강조하고 지구 산업에 미치는 영향을 지속시키는 상징적인 애니메이션 스튜디오의 타임라인을 추적합니다.

애니메이션 스토리텔링의 새벽

영화 시대를 넘어 애니메이션의 뿌리는 19 세기의 zoetrope와 praxinoscope captivating 청중과 같은 광학 장난감과 함께 늘리고 있습니다. 그러나 상업 예술 형태로 그림을 옮기는 전용 생산 집의 형성이었습니다. 초기 스튜디오는 기초 기술 - cel 애니메이션, 동기화 된 소리 및 문자 중심 스토리 텔링을 구축했습니다. 수십 년 동안 매체를 정의 할 것입니다.

Winsor McCay와 프로토 스튜디오 시대

공식 스튜디오가 등장하기 전에, Winsor McCay와 같은 개별 예술가는 애니메이션의 잠재력을 보여줍니다. 그의 1914 짧은 Gertie the Dinosaur] 성격과 상호 작용하는 성과로 캐릭터를 사용, 애니메이션 별을 위해 청사진을 설치. 맥케이의 작품, 종종 작은 팀의 조수로 생산, 애니메이션은 감정적인 무게와 달의 깊이를 수행 할 수, 스튜디오 시스템에 대한 접지 워크를 놓.

월트 디즈니 스튜디오 (1923)

월트와 로이오 디즈니에 의해 설립 된 스튜디오는 [FLT : 0]]의 출시 후 혁신과 동의가되었다Steamboat Willie[FLT : 1] 1928. 완전히 동기화 된 사운드 트랙이있는 최초의 만화 중 하나로서, 그것은 세계로 Mickey 마우스를 도입하고 놀라운 소리와 이미지의 힘을 전시했습니다. 스튜디오의 relentless 추적은 멀티 비행기 카메라, Technicolor 통합, 디즈니 (FLT)의 첫 번째 영화 [FLT : 2]의 초기 산업을 위해 전시되었습니다. [FLT : 2]의 초기 산업은 다음과 같습니다. [FLT : 3]의 미래에 대한 자세한 내용은 www.ferrys.com에서 문의하십시오.

플레시스 스튜디오 (1921)

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롯데 레이거와 유럽 Silhouette Pioneers

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애니메이션의 황금 시대 (1930s-1950s)

이 십년간 동안, 애니메이션은 본격적인 엔터테인먼트 산업으로 성숙. 이론적 단편은 라이브 액션 영화로 예상되고, 스튜디오는 가장 기술적으로 천식과 전형적으로 날카로운 콘텐츠를 생산하기 위해 치열하게 경쟁했다. 캐릭터 로터는 확장, 스토리텔링은 더 정교한, 그리고 지상 워크는 시대 장벽을 넘어 애니메이션 기능을 위해 놓여 있었다.

워너 브라스. 애니메이션 (1930)

The Leon Schlesinger-produced cartoons under the Warner Bros. 기치는 zany 개성과 급속한 가발에 의해 정의된 집 작풍을 소개했습니다. Bugs Bunny, ]Daffy Duck], Porky Pig]는 Tex Avery와 같은 감독에 의해 형성되었습니다. Bob은 Bob-Ten-Tex의 기본 개념과 함께, Bob-FLT:3의 기본 개념을 창조합니다.

메트로폴 곤돌리 마커 스튜디오

MGM의 애니메이션 유닛은 Tex Avery와 William Hanna와 Joseph Barbera의 도착에 의해 강화되었으며 대부분의 상징적 인 연극적 반바지 중 일부를 생산했습니다. Tom과 Jerry는 1940 년에 데뷔했으며 virtuoso 물리적 오미와 immaculate 캐릭터 디자인을 통해 수많은 아카데미 상을 수상했습니다. Avery의 자신의 반바지는 [Red abs][Red]]Hypert :3][Red]]Hypert :3]의 만화 적 영웅이 겨우는 것을 의미하며, 의혹은 적의 적을 수 있습니다.

미국 (UPA) 및 현대 디자인의 탄생

디즈니와 전쟁 산업 촬영에서 1941 년 공격을 겪고있는 UPA는 현대 예술에 영감을 얻은 그래픽 평평함 인 스타일로 표현함으로써 세부적인 현실주의에서 멀리 떨어진다. Gerald McBoing-Boing] (1950)과 Mr. Magoo 시리즈는 제한된 애니메이션으로 모든 것을 강조하는 것보다 더 나은 감성을 측정하는 것이 아니라, TV에서 가장 중요한 요소의 개념을 강조하는 것보다 더 좋은 느낌을 제공합니다.

디즈니의 기능 길이 Triumphs

1937 년과 1967 년 사이에 디즈니의 황금 나이 출력은 애니메이션에서 예상되는 관객을 정의합니다. Snow White와 Seven Dwarfs (1937)는 전체 길이 만화가 상자 사무실의 파워 하우스가 될 수 있다는 것을 증명했습니다. ]]Pinocchio] (1940), Bambi[LT:][LT:0]]]], 이 작품은 예술과 예술의 조화를 이루고 있습니다. (1995)

애니메이션 TV로 이동 (1960s-1970s)

영화는 영화의 장편 데뷔작으로, 영화는 영화의 장편 데뷔작으로, 영화의 장편 데뷔작인 <아름다움>(아름다움)과 <아름다움>(아름다움)의 장편 데뷔작으로, 영화의 장편 데뷔작인 <아름다움>(아름다움)의 장편 데뷔작으로, 영화의 장편 데뷔작인 <아름다움>(아름다움)의 장편 데뷔작인 <아름다움>(아름다움)의 장편 데뷔작이다.

Hanna-Barbera 생산 (1957)

윌리엄 한나와 조셉 바베라는 강한 목소리 행동, 재생 배경 및 최소 운동을 강조하는 생산 모델을 갖춘 TV를 정복했습니다. 플린트 스톤 (1960)은 첫 번째 단편 애니메이션 sitcom이되었으며 스코비-듀, 어디 있습니다! (1969)는 미스터리-LTLT-LT:7]의 프랜차이즈를 시작 ] ]

영화의 동료 (1962)

영화는 액션 모험과 슈퍼 히어로 시리즈에 알려져있다, 종종 운동에 대한 상세한 로토스코핑과 애니메이션 스탬프를 사용하여. HE-Man과 우주의 마스터] (1983) 도덕적 교훈과 함께 판타지 혼합, 이전 같은 쇼 Fat Albert와 Cosby Kids tackled 소셜 이슈를 직접. 그들의 접근 방식은 초연의 이야기를 재생하는 데 도움이되는 드라마의 개발 및 재고의 개발에 대한 몇 년 동안.

일본의 TV 애니메이션의 상승

미국 스튜디오는 서쪽으로 지배했지만, 일본은 자신의 애니메이션 텔레비전 인프라를 구축했다. Osamu Tezuka의 Mushi Production은 Astro Boy] (1963), 미국의 첫 인기 애니메이션 일본어 시리즈를 만들었습니다. 제한된 애니메이션 스타일, 단단한 예산에 의해 구동하고, compelling 이야기 아크에 초점을 맞추고, 결국 명백한 애니메이션 미적으로 진화. 이 교차 문화 교환은 나중에 세계 애니메이션에 대한 철학을 심었습니다.

디지털 르네상스 (1980s-1990s)

강렬한 창의력과 기술적인 위대감을 지닌 시대는 수십 년 동안 손으로 그리는 아티스트가 한계에 밀어넣고 컴퓨터 생성 된 이미지로 재현되었습니다. 스튜디오 경쟁은 어린이와 성인 모두에게 호소한 야심 찬 영화의 파도를 연료로 썼으며, 영화 예술 형태로 애니메이션을 세웠습니다.

피아자 애니메이션 스튜디오 (1986)

Lucasfilm의 컴퓨터 부문으로 시작된 것은 세계에서 가장 영향력있는 CGI 스튜디오로 바뀌었습니다. Pixar의 첫 번째 특징 인 Toy Story (1995)는 첫 번째 전적으로 컴퓨터 애니메이션 영화였으며, 그 중반의 쓰레기를 교체했습니다. ]라는 철학을 가진 것은 왕이며, 스튜디오는 감성적인 재봉 ]]를 통해 디지털 방식으로 제작되었습니다.]는 다음과 같은 디지털 방식으로 제작되었습니다.]

DreamWorks 애니메이션 (1994)

스티븐 스펠버그, 제프리 캐츠버그, 그리고 데이비드 Geffen, DreamWorks SKG는 빠르게 Antz](1998)와 그 팝 컬리지 현상 Shrek](2001)로 마크를 만들었습니다. 후자의 유머, 성인 참조 및 골절-공정-테스 전제는 Ostert-Tut-Tut-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T-T

스튜디오 Ghibli (1985)

미야자키와 이사오 다카하타가 공동 창업한 이 일본 스튜디오는 아름다운 손으로 그리는 애니메이션과 깊이 층으로 이루어진 narratives와 함께 동시 출연했습니다. 내 이웃 토토로 (1988)과 ]Spirited Away] (2001)와 같은 영화는 최고의 애니메이션 기능 Oscar-weave 환경, lores의 전통적 인물을 위한 디지털 화려함을 전적으로 전해 주었습니다.

아드만 애니메이션 (1972)

영국 스튜디오 아드만은 정지 모션 찰흙 애니메이션과 구별되는 마법사와 함께 틈새를 새겼습니다. Wallace & Gromit] 시리즈를 시작으로 ]A Grand Day Out(1989), 기능 Chicken Run(2000)는 디지털 방식으로 촉각을 갖는 디지털 방식으로 촉각을 갖추는 디지털 방식으로 촉각을 갖추었습니다.

21세기와 그 이상: 글로벌 중개

새로운 밀레니엄은 애니메이션 기술, 유통, 문화적 영향력의 다양화를 가속화했습니다. 디지털 시대에 태어난 스튜디오는 스트리밍, 글로벌 협업, 그리고 모든 동시 스타일과 관객을 포괄하는 콘텐츠를 제작하는 데 성공하는 기능을 활용했습니다. 기능 영화, TV 시리즈 및 인터랙티브 미디어 간의 라인은 흐르기 위해 계속됩니다.

블루 스카이 스튜디오 (1987–2021)

Blue Sky Studios는 원래 시각 효과 집, ]Ice Age 프랜차이즈와 함께 명성을 얻은 것입니다. 2002년 초창기 도입된 Scrat, acorn-chasing antics가 CGI에서 캐릭터 중심의 물리적 코미디가 된 saber-toothed Squirrel. 스튜디오의 독점적 인 인 인 인 인 인 인 인은 일찍이 애니메이션 세트의 빠른 확장에 기여합니다.

라카 스튜디오 (2005)

오레곤 기반 라카는 멈 모션에 대한 불완전의 아름다움을 구현, 신속한 프로토 타이핑 및 3D 인쇄 교체 얼굴을 통합하여 탁월한 얼굴 표현을 달성. Coraline] (2009), ]ParaNorman] (2012), KuboLT와 두 개의 문자열을 갖는 것은 (2016), ]]]], 옵티컬렉션의 스트레이션과 스트레이션을 갖는 것은 어둡고, 촉촉촉한 영화의 촉감을 제공.

조명 엔터테인먼트 (2007)

밝게 착색된, 고에너지 영화, 조명은 ]]를 가진 금을 훔치는 Me] 시리즈와 그 틈새 특성, 사소한. 조명의 사업 모델은 예산 의식적인 생산에 초점을 맞추고 (프랑스 스튜디오 맥 그프와 함께 일하는) 넓은 국제 유머, 모든 시간의 가장 높은 거슬리는 애니메이션 영화의 일부에 유래. 그들의 접근은 어떻게 현대 스튜디오에서 창조할 수 있는지 설명합니다.

소니 사진 애니메이션 (2002)

소니의 그림 애니메이션은 CGI spectacles와 함께 시작 Open Season]과 Surf's Up 하지만 진정한 지상파와 목소리를 발견 ]Spider-Man: Into the Spider-Verse (2018). 영화 결합된 스타일리시한 2D-books-D-Training-Dive-Dive-Dive-Dive-Dive-Dive-Dive-Dive-Dive-Dive-Dive-Dive-Dive-Dive-Dive-Dive-Dive-Dive-Dive-Dive-Dive-Dive-Dive-Dive-Dive-Dive-Dive-Dive-Dive-Dive-Dive-Dive-Dive-Dive-Dive-Dive-Dive-Dive-Dive-Dive-Dive-Dive-Dive-Dive-Dive-Dive-Dive-Dive-Dive-

카툰 네트워크 스튜디오와 프레더레이터 르네상스

TV 애니메이션은 2000 초에 제작자 주도 쇼와 창의적인 서지 경험. 만화 네트워크 스튜디오 생성 Dexter의 실험실, Powerpuff Girls], 나중에 ]]]]Adventure Time], 어떤 episodic 애니메이션 스토리텔링이 될 수 있는지 확장. 프레드러레이터 스튜디오 유사한 개념]],]]]]

의약

애니메이션 스튜디오의 여행은 조용한 잉크와 페인트에서 가상 생산과 실시간 렌더링으로의 상수도 재 발명의 만성입니다. 각 시대는 기술 가능성과 문화적 감각을 반영하는 게임 변화 작품을 제작했습니다. 새로운 플랫폼과 글로벌 인재 풀이 계속 등장함에 따라, 한 번에 한 번 정의 된 스튜디오는 이제 독립적 인 제작자와 국제 파워 하우스와 무대를 공유합니다. 그러나 핵심은 변하지 않습니다. 애니메이션의 능력은 불가능한 인물과 잊을 수없는 프레임으로 세상을 가져갈 수 있습니다.

  • Winsor McCay – 공룡 (1914)
  • 월트 디즈니 스튜디오 – Steamboat Willie (1928)
  • Fleischer 스튜디오 – 팝아이 (1933)
  • 워너 브라더스. 애니메이션 – 버그 버니 (1940)
  • MGM 카툰 스튜디오 – 톰과 제리 (1940)
  • UPA – 제럴드 맥보링-보링 (1950)
  • 디즈니 골든 에이지 – 자이 뷰티 (1959)
  • Hanna-Barbera – 플린트스톤 (1960)
  • Pixar – 장난감 이야기 (1995)
  • DreamWorks 애니메이션 – Shrek (2001)
  • 스튜디오 Ghibli – Spirited Away (2001)
  • Aardman – 월리스 & Gromit: 의 커스 오브 위르-리브 (2005)
  • 라카 – 코린 (2009)
  • 소니 사진 애니메이션 – 스파이더맨: 스파이더 - 배스 (2018)

애니메이션 역사에 더 넓은 관점을 위해, Animation World Network]는 업계 혁신의 지속적인 적용을 제공하고, ] 모션 그림 예술과 과학의 아카데미]는 매체의 진화에 대한 맥락을 제공하는 애니메이션 기능 수상자에 아카이브를 유지합니다.