Dalle prime note del suo tema di apertura, Made in Abyss stabilisce un mondo in cui il suono è inseparabile dalla storia. L'adattamento anime, diretto da Masayuki Kojima e basato sul manga di Akihito Tsukushi, immerge gli spettatori in un chasm parti uguali meraviglia e incubo.

Kevin Penkin e un approccio non convenzionale

Per apprezzare il ruolo della musica in Made in Abyss, si deve prima capire il compositore dietro di esso. compositore australiano Kevin Penkin era un nome relativamente nuovo nel settore anime quando ha preso le prestazioni del progetto, avendo precedentemente lavorato su Norn9

La collaborazione di Penkin con un grande gruppo di vocalisti, tra cui il coro australiano Adelaide Voices e solisti come Takeshi Saito e il cantautore Myth & Roid, ha aggiunto strati di ambiguità linguistica. I testi sono spesso cantati in linguaggi inventati o disegnare su fonemi che bypassano la comprensione razionale, comunicando l’emozione pura.

Layers tematici: Musica come mappa dell'Abyss

L’Abisso è un mondo verticale, e la colonna sonora rispecchia la sua struttura. Ogni strato della fossa è caratterizzato da una tavolozza sonica distinta, trasformando efficacemente la musica in una guida acustica che approfondisce il senso di progressione e di destino dello spettatore.

La superficie e l'orto: Innocenza in ottone e corde

In superficie, la città di Orth si aggrappa al bordo del chasm. Qui la musica è calda, avventurosa, e riempita di un ottimismo infantile. Tracce come “Made in Abysss,” il tema principale dello spettacolo, iniziano con una melodia piano dolce che si gonfia in una dichiarazione orchestrale completa. Le fanfarette in ottone e armonie di archi evocano un senso di esplorazione classica, ricorda la storia.

Il primo livello e oltre: la transizione verso la meraviglia e l'unease

Riko e Reg discendono oltre il primo strato dell’Abisso, la musica si sposta. I motivi avventurosi diventano interspersi di droni elettronici ambientali e di linee di piano sparse. In “Giorni nel Sole”, un dolce brano vocale gonfio di nostalgia, l’ascoltatore sente il desiderio della superficie che i raider delle caverne portano.

I Livelli Profonda e la Cursa: Horror in Dissonanza e Silenzio

Il quarto strato, il Goblet dei giganti, e il quinto strato, il Mare dei Corpi, segnano un drammatico turno tonale. Qui, il lavoro di Penkin si avventura in un orrore autentico. La traccia “The Rumble of Scientific Triumph”, che sottolinea gli esperimenti di Bondrewd, combina una cadenza di lancina militare con dei distorsioni elettroniche distorte e un voce di ronzio infantile.

Questo disagio è essenziale per la costruzione del mondo. L’Abisso non è solo pericoloso; è attivamente ostile alla biologia umana, riconfigurando la mente e il corpo. L’uso del silenzio tra motivi aspri lascia respirare l’orrore, costringendo il pubblico a sedersi con il terrore piuttosto che a guidarlo.

Ilblu e il villaggio degli Hollows: Cultura forgiata in Canzone

Il sesto strato, il Capitale dell’Incontrato, introduce il villaggio di Iruburu (Ilblu), dove il ruolo della colonna sonora come segno culturale diventa più esplicito. La traccia “VOH” è un pezzo mesmerificante guidato da un canto profondo e ritualistico e da una respirazione percussiva. Il linguaggio è fabbricato, ma trasporta la comunità dolorosa e contorta del Narehate.

L’uso di Penkin di overdubs vocali e droni a strati crea l’illusione di un mondo vivo e respirante. La musica per Iruburu si sente antica, come se fosse stata risuonando nel buio per secoli prima che i protagonisti arrivassero. Questo approfondisce il lore, suggerendo che la musica non è solo uno strato estetico ma una parte intrinseca di come queste culture isolate procedano la loro esistenza.

Strumentazione come Architettura di Mondo-Costruito

Oltre alla mappatura tematica, la strumentazione eclettica della colonna sonora costruisce il mondo evocando materiali e texture si potrebbe aspettare di trovare nell'Abisso. Penkin utilizza strumenti raramente ascoltati nel punteggio anime: il didgeridoo australiano, i venti di legno etnici, i dulcimeri martellati, e una grande serie di percussioni sintonizzate.

In brani come “Tomorrow”, la melodia è portata da un piano morbido e a tratti delicato che suona come frammenti di memoria. L’uso della chitarra elettrica è spargente ma impattante, emergendo in momenti di disinvoltura come se si incanalasse il cannone dell’incantore di Reg.

Aperture, Endings e il Perimetro Emozionale

Il ruolo della musica in Made in Abyss si estende ai suoi temi vocali, che funzionano come il perimetro emotivo di ogni installazione. La prima stagione di apertura, “Deep in Abys pulls,” eseguita da Riko e Reg’s voce attrici, è un vivace, determinato anthem che pianta i semi di avventura.

Il film Danno della Deep Soul[] e la seconda stagione spostano questa dinamica. Il tema finale “Endless Embrace” di MYTH & ROID è una ballata elettronica che parla alla natura ineguagliabile della maledizione di Abyss. I suoi testi, quando tradotto, offrono una conversazione diretta tra le canzoni abissi e i punti di dialogo più profondi.

Ambient Soundscapes: L'Abisso come un'Envidenza Vivente

Il punteggio di Penkin si fonde spesso con i suoni diegetici dell’Abisso – il ruggito lontano di una creatura, il lento goccio d’acqua, l’umile umorismo della forza sul fondo dello strato – nel quinto strato Ido Front, il sottile uso di rullante a bassa frequenza.

Il suono della Curse, quando colpisce, è spesso segnato da un improvviso tono elettronico stridente che sembra provenire dall’interno della testa dello spettatore. Questa tecnica trasforma la musica da un accompagnamento esterno in un’esperienza interiore e viscerale. Quando Riko è avvelenata dalla spina dorsale dell’Orb Piercer nel quarto strato, la frattura del punteggio in dissonanti cluster piano e fading heartbeats, allinea la lingua sensoriale.

Storytelling emozionale attraverso Motif e Memoria

Il vero genio del Made in Abyss] Il mondo musicale-costruzione sta nel suo uso di motivo. Alcuni frammenti melodici si ripetono tra gli episodi, acquisendo nuovi significati come la storia oscura. Il tema delicato associato alla madre di Riko, Lyza, è sentito per la prima volta come un faro sperabile.

La traccia “Underground River”, che apre la serie, è un capolavoro di memoria emotiva stratificato. Inizia con un violoncello ribelle che si sente come la voce dell’Abisso stesso, poi introduce una linea soprano che galleggia sopra le tenebre. Quando questo tema ritorna durante la morte dei personaggi critici, come quella di Mitty, non solo mette sotto la tristezza; collega quel momento alla tragedia del mondo disordine, che si escuote inta la grande scala personale.

La capacità di Penkin di generare empatia si estende agli antagonisti. Il leitmotif di Bondrewd, con la sua fredda, percussione clinica e l’umidiazione disincarnata dei bambini, costringe il pubblico a confrontarsi con il mostruoso risultato dell’amore ossessivo. La musica non ci chiede di perdonare Bondrewd, ma insiste che comprendiamo l’umanità dispersa al suo nucleo.

Una colonna sonora che sopravvive alla discesa

La musica di Made in Abyss[] è un organo di costruzione mondiale a suo diritto, essenziale come la mappa verticale, le reliquie, o la maledizione. Il punteggio di Kevin Penkin crea uno spazio in cui l'innocenza e l'orrore cantano nello stesso respiro, dove l'identità culturale si esprime attraverso opere corali inventate, e il modo in cui l'atto di ascoltare la musica diventa parte della serie.

Per coloro che cercano di studiare l’artigianato dietro questo paesaggio sonoro, risorse come [] il video musicale ufficiale per “Hanezeve Caradhina” e Kevin Penkin’s Bandcamp fornire finestre nel processo del compositore. La colonna sonora non sopporta perché imita il mondo, ma perché fa eco il corpo profondo