पारंपरिक से डिजिटल में अनीम का संक्रमण: एक ऐतिहासिक परिप्रेक्ष्य

एनीमे उद्योग की दृश्य भाषा कला और प्रौद्योगिकी के बीच एक सदी लंबे नृत्य द्वारा आकार दिया गया है। फ्लिकरिंग ब्लैक-एंड-व्हाइट शॉर्ट फिल्मों से लेकर आज के 4K HDR स्ट्रीमिंग स्पेक्ट्राकल्स तक, उत्पादन पाइपलाइन पूरी तरह से पुन: आविष्कार किया गया है। इस लेख में पता चलता है कि ऐतिहासिक चाप, यह जांच करते हुए कि कैसे हाथ से पेंट किए गए सील्स ने डिजिटल कंपोसिटिंग का रास्ता दिया, जो कलाकारों और दर्शकों के लिए शिफ्ट का मतलब था, और पुराने और नए का संलयन एनीम के भविष्य को परिभाषित कर रहा है।

नींव रखना: पूर्व डिजिटल युग

जापानी एनिमेशन की कहानी एक उच्च तकनीक स्टूडियो में शुरू नहीं होती है, लेकिन अकेले कलाकारों के साथ कट-पेपर, चाकबोर्ड चित्र और आयातित कैमरों के साथ प्रयोग किया जाता है। पहला जीवित जापानी एनीमेशन, दो मिनट का चुप शॉर्ट Namakura Gatana (1917), पहले से ही मूल विशेषता का प्रदर्शन किया जो दशकों तक मध्यम को परिभाषित करेगा: सीमित बजट के चेहरे में संसाधन क्षमता। इन शुरुआती प्रयोगों ने पश्चिमी अग्रदूतों जैसे कि एमाइल कोहल और विन्सर मैकके के लिए एक ऋण दिया, लेकिन उन्होंने विशिष्ट जापानी कला के रूप के लिए बीज लगाया।

1930 के दशक तक, युद्ध-समय पर प्रचार फिल्मों जैसे मोटारो की दिव्य सागर वॉरियर्स (1945) ने हाथ से तैयार फ्रेम के साथ छोटी टीमों की सीमाओं को धक्का दिया। हालांकि, वास्तविक औद्योगिक नींव को युद्ध के बाद के वर्षों में रखा गया था। 1956 में, टोई एनिमेशन को "पूर्व की यात्रा" बनने का स्पष्ट लक्ष्य के साथ स्थापित किया गया था। इसकी पहली रंग सुविधा, ] व्हाइट साँप Enchantress (1958), ने हॉलीवुड की असेंबली लाइन मॉडल से आयातित पूर्ण सेल एनीमेशन प्रदर्शित किया, हालांकि यह एक पल के रूप में दिखाई देगा।

यह मार्ग आर्थिक रूप से अस्थिर साबित हुआ। सच मोड़ बिंदु ओसामु टेज़ुका और उनके स्टूडियो मुशी उत्पादन के आगमन के साथ आया। टेज़ुका, अपने मांगा को लाने के लिए बेताब Astro Boy] को टेलीविजन के लिए लगभग कोई बजट नहीं है, "सीमित एनीमेशन" की तकनीक को एकीकृत किया। पात्रों को अभी भी पकड़कर, केवल मुंह को ही देखते हुए, और चक्रों का पुन: उपयोग करते हुए, मुशी प्रो एक बूटस्ट्रिंग पर साप्ताहिक 30 मिनट का प्रकरण पैदा कर सकता है। इस दृष्टिकोण ने केवल टीवी एनीम को सहयोगी बनाया लेकिन आज भी अमूर्त चित्र बनाया - एक गतिशील कैमरा भी बनाया।

Cel पाइपलाइन और इसके मास्टरपीस

अगले तीस वर्षों के लिए, प्रमुख उत्पादन विधि cel एनिमेशन थी: हाथ से पेंटेड एसीटेट शीट चित्रित पृष्ठभूमि पर और फ्रेम द्वारा फोटो फ्रेम पर आधारित थी। प्रक्रिया श्रम-गहन, धीमी और अforgit थी। प्रत्येक कुंजी एनिमेटर के चित्र स्याही के माध्यम से सील्स में स्थानांतरित कर दिए गए थे, जो लाइन आर्ट को संरक्षित करने के लिए रिवर्स साइड पर रासायनिक पेंट्स के साथ रंगा हुआ था, और फिर कैमरे के लुढ़का होने से पहले सावधानीपूर्वक जांचा गया। स्टूडियो ने श्रम का एक अत्यधिक विशेष विभाजन विकसित किया, और सकुगा (की एनीमेशन) समुदाय पूरे उद्यम का धड़कन दिल बन गया।

इसके शिखर पर, cel युग ने आश्चर्यजनक दृश्य उपलब्धियों का उत्पादन किया। Katsuhiro Otomo's Akira] (1988) ने कथित तौर पर 160 000 से अधिक cels का इस्तेमाल किया, एक अख्तरबंद संख्या जिसने फिल्म के सबसे जटिल दृश्यों के दौरान 24-फ्रेम-प्रति सेकंड गति की अनुमति दी। विस्फोटों की शानदार चमक और व्यापक रूप से हाथ से पेंट किए गए शहरी परिदृश्यों ने एक बेंचमार्क निर्धारित किया कि आज भी एनालॉग शिल्पकलाओ की ज़ेनथ के रूप में उद्धृत किया गया है। इसी तरह, स्टूडियो Ghibli का उत्पादन-विशेष रूप से हिता के लिए निर्देशित पृष्ठभूमि-अनुभव

फिर भी सेल प्रणाली की बहुत ताकत इसकी कमजोरियों द्वारा छायांकित थी। उत्पादन लागत दर्शकों के रूप में उच्च दृश्य गुणवत्ता की मांग की गई थी। भौतिक कला का भंडारण एक तार्किक रात बन गया, और अंतरराष्ट्रीय वितरण में अक्सर विदेशी भाषा प्रिंटों का उत्पादन करने के लिए मास्टर तत्वों के विनाश की आवश्यकता होती है। उद्योग ने महसूस किया कि अगर मोबाइल जीवित रहना और वैश्विक स्तर पर बढ़ने के लिए था, तो एक तकनीकी लीप अपरिहार्य था।

डिजिटल क्रांति स्टूडियो में आक्रमण करती है

डिजिटल प्रौद्योगिकी रात भर में मोबाइल फोनों में प्रवेश नहीं किया था; यह पीछे के दरवाजे के माध्यम से crept। 1980 के दशक के शुरू में, कंप्यूटर नियंत्रित गति कैप्चर कैमरों और डिजिटल स्कैनिंग के साथ प्रयोग किए जाने वाले कुछ स्टूडियो, लेकिन महत्वपूर्ण धुरी डिजिटल पेंट और कम्पोसिटिंग सॉफ्टवेयर के उदय के साथ मध्य-1990 के दशक में आई। अचानक, सबसे टेटिक और महंगे कदम-सेल पेंटिंग, कैमरा ऑपरेशन और ऑप्टिकल प्रभाव- लागत के एक अंश पर प्रदर्शन किया जा सकता है और सटीक के स्तर के साथ एनालॉग उपकरण मिलान नहीं कर सकते।

जापान के अपने टूलमेकर ने एक निर्णायक भूमिका निभाई। RETAS! प्रो सूट, Celsys द्वारा विकसित और पहले 1993 में जारी किया गया, उद्योग के वर्कहोर्स बन गए। इसके मॉड्यूल- स्कैनिंग और लाइन प्रोसेसिंग के लिए ट्रेसमैन, डिजिटल रंग के लिए पेंटमैन, कोररेटास को कम्पोसिटिंग के लिए, और RenderDog निर्यात करने के लिए - पारंपरिक पाइपलाइन की तुलना में लेकिन डेस्कटॉप कंप्यूटर पर। 1990 के दशक के अंत तक, घरेलू स्टूडियो के 90% से अधिक ने RETAS को अपनाया था! प्रो, मूल कुंजी फ्रेम के हाथ से तैयार किए गए चरित्र को संरक्षित करते हुए स्याही-और-पेंट प्रक्रिया को प्रभावी ढंग से डिजिट करना।

1995 टर्निंग प्वाइंट: ] शेल में भूत

Mamoru Oshii's Ghost in the शैल (1995) अक्सर फिल्म है कि डिजिटल मोबाइल आगमन की घोषणा की के रूप में उद्धृत किया जाता है, हालांकि बयान nuance की जरूरत है। फिल्म अभी भी मौलिक रूप से हाथ से तैयार किया गया था, लेकिन डिजिटल compositing का व्यापक उपयोग, थर्माप्टिक छलावरण अनुक्रम के लिए CGI, और डिजिटल रूप से उत्पन्न पृष्ठभूमि तत्वों के लिए एक सहज मिश्रण है कि पहले कभी नहीं देखा गया था बनाया गया था। प्रसिद्ध उद्घाटन क्रेडिट, मोटोको Kusanagi के शरीर डेटा के एक हरे रंग के लिए तैयार मैट्रिक्स के खिलाफ इकट्ठा किया जा रहा है, जो ऑप्टिकल प्रिंटर के लिए एक संभावित फिल्म का उपयोग कर लिया गया है।

1990 के दशक के अंत में, डिजिटल पेंट ने तेजी से सेल पेंटिंग की जगह ली। ]Pokémon] (1997) और Dragon Ball GT (1996) मध्य उत्पादन में संक्रमण के लिए पहली लंबे समय तक चलने वाली टीवी श्रृंखला में से एक थे। समय पर प्रशंसक ने क्लीनर, अधिक सुसंगत रंग और "सेल डस्ट" कलाकृतियों के गायब होने के बारे में देखा, लेकिन थोड़ा कठोर, कम कार्बनिक रूप भी। डिजिटल उद्योग का गले व्यावहारिक था: एक डिजिटल रंगवादी तुरंत गलतियां ठीक कर सकता है, पैलेट को वापस करने योग्य फ़ाइलों के साथ स्वैप किया जा सकता है।

डिजिटल संक्रमण में माइलस्टोन

पूरी तरह से डिजिटल उत्पादन का रास्ता तकनीकी और कलात्मक सफलताओं की एक श्रृंखला द्वारा चिह्नित किया गया था।

]1997 - Princess Mononoke:] स्टूडियो Ghibli ने फिल्म के शॉट्स के लगभग 10% के लिए डिजिटल पेंट अपनाया, मुख्य रूप से परतों और प्रभावों को संयोजित करने के लिए। यह एक सावधान परीक्षण था जो Hayao Miyazaki साबित करता था, हाथ से पेंट किए जाने वाले हर फ्रेम की आवश्यकता के बिना अपने हस्ताक्षर को गर्म रख सकता था।
2000 - Blood: The Last Vampire: अक्सर डिजिटल उपकरणों के साथ पूरी तरह से उत्पादित पहली एनीम फिल्म के रूप में श्रेय दिया, यह सभी डिजिटल रंग और व्यापक CGI तत्वों के साथ हाथ से तैयार कुंजी एनीमेशन संयुक्त। इसके अंधेरे, वायुमंडलीय पैलेट ने प्रदर्शित किया कि डिजिटल डरावनी और सूक्ष्मता से मेल खा सकता है।
2004 - Ghost in the शैल 2: Innocence]: ओशिई ने 2D और 3D की शादी को नई ऊंचाई तक धकेल दिया, 3D पृष्ठभूमि, डिजिटल पिल्ला और वास्तविक समय प्रतिपादन प्रयोगों का उपयोग किया जो वीडियो गेम इंजन से आकर्षित हुए थे।
2013]]The Garden of Words:] Makoto Shinkai की गहन विस्तृत पृष्ठभूमि, लगभग पूरी तरह से डिजिटल पेंट और फोटोग्राफिक संदर्भ में बनाई गई, यह दिखाया गया कि एक एकल कलाकार दृष्टिकोण पूरी पारंपरिक पृष्ठभूमि टीमों के प्रतिद्वंद्विता कर सकता है। प्रकाश और बारिश का फोटोग्राफिक इंटरप्ले डिजिटल सौंदर्य के लिए एक बेंचमार्क बन गया।

2000 के दशक के मध्य तक, सेल लगभग टीवी उत्पादन लाइन पर विलुप्त हो गया था। लंबे समय तक चलने वाले फ्रेंचाइजी जैसे Naruto , one पीस ], और Bleach] अब डिजिटल पैदा हुए थे, जो कि युवा दर्शकों की उम्मीद के लिए चमकदार विशेष प्रभाव और द्रव कार्रवाई की अनुमति देता था। बदलाव ने छोटे स्टूडियो और स्वतंत्र निर्माताओं के लिए दरवाजा भी खोल दिया ताकि एक एनालॉग पाइपलाइन के विशाल ओवरहेड के बिना बाजार में प्रवेश किया जा सके।

कैसे डिजिटल पाइपलाइन के आकार का रचनात्मकता

नए वर्कफ़्लो ने सिर्फ गति की चीजों को नहीं बढ़ाया; यह मूल रूप से बदल गया कि क्या कलाकार कल्पना कर सकते हैं। डिजिटल कम्पोसिटिंग ने निर्देशकों को आसानी से तीन-आयामी अंतरिक्ष के माध्यम से कैमरे को स्थानांतरित करने की क्षमता दी, भले ही पात्र अभी भी 2D विमान थे। लेआउट कलाकार एक चरित्र के पीछे आभासी "कैमरा" रख सकते हैं, फोकस खींच सकते हैं, या 360 डिग्री में एक दृश्य के आसपास स्विंग कर सकते हैं - तकनीकें जो शारीरिक एनीमेशन स्टैंड पर असंभव या खंडहर से महंगा हो गया था।

दृश्य प्रभाव और "सकुगा" शोकेस के उदय

डिजिटल से पहले, बिजली, जादुई आभास और विस्फोटों जैसे प्रभाव फ्रेम द्वारा चित्रित किए गए थे, जिसमें विशेष एनिमेशन और रंग सिद्धांत की गहरी समझ की आवश्यकता होती है। डिजिटल उपकरण इन कौशलों को लोकतांत्रिक बनाते हैं: प्रभाव टेम्पलेट के बाद एक अच्छी तरह से डिज़ाइन किया गया कण सिस्टम, चमक और गति सैकड़ों शॉट्स में लगातार धुंधला हो सकता है। यह 2010 के दशक में दृश्य रूप से घने काल्पनिक शो के लिए योगदान दिया। इस प्रकार, उदाहरण के लिए, डिजिटल जादू चक्रों पर भारी रूप से दुबला, वास्तविक समय के प्रकाश खिलता है, और 3 डी राक्षस जो एक दशक पहले से ही अवांछनीय हो चुके हैं। फिर भी अति उत्पादित, समरूप "प्रकाश" का भी बड़ा हो गया।

स्वतंत्र निर्माता क्रांति

शायद सबसे गहरा सांस्कृतिक प्रभाव प्रवेश के लिए बाधा की कमी थी। एक सभ्य कंप्यूटर और क्लिप स्टूडियो पेंट या टून बूम हार्मनी के लिए लाइसेंस के साथ, एक एकल निर्माता या एक छोटे से डोजिन सर्कल उच्च गुणवत्ता वाले एनीमेशन के मिनट का उत्पादन कर सकता है। Makoto Shinkai ने प्रसिद्ध रूप से अपने सफलता को कम कर दिया, एक दूरस्थ स्टार (2002) के वोइस, जो लगभग पूरी तरह से एक पावर मैक जी4 पर अकेले थे। डिजिटल पारिस्थितिकी तंत्र ने उन आवाज़ों को सक्षम किया जो कभी एनालॉग स्टूडियो सिस्टम से बच नहीं आए थे, जिससे शैलियों, कला शैलियों और कहानी के परिप्रेक्ष्य को समृद्ध किया गया।

प्रतिरोध, बर्नआउट, और मानव तत्व

संक्रमण दर्द रहित नहीं था। वेटरन एनिमेटर जिन्होंने दशकों में सेल पेंट और कैमरा तकनीकों का मास्टरिंग किया था, ने अचानक अपने कौशल को अवमूल्यन किया। कुछ ने उद्योग छोड़ दिया; अन्य गंभीर रूप से पीछे छोड़ दिया। एक लगातार था, और पूरी तरह से अनफ़ाउंड नहीं था, डर था कि डिजिटल आसानी से आलस्य को प्रोत्साहित करेगी - कि निर्देशक स्टोरीबोर्ड चरण में उन्हें सावधानी से योजना बनाने के बजाय पोस्ट-प्रोडक्शन में समस्याओं को ठीक करेंगे, जिससे स्लोपियर बेस एनीमेशन का नेतृत्व किया गया।

हालांकि, डिजिटल उपकरणों की बहुत दक्षता ने एक चल संकट में योगदान दिया। क्योंकि अब एक एपिसोड का उत्पादन करना तेजी से था, उत्पादन समिति ने अधिक सामग्री, स्पिन-ऑफ और तंग समय की मांग की। एनिमेटर का कार्यभार सिकुड़ने से दूर, गुब्बारे से दूर है। उद्योग के बहुत-सार्वजनिक मुद्दों को कम वेतन और लंबे समय तक एक पाइपलाइन द्वारा बढ़ाया जाता है जो तकनीकी रूप से दिन में 24 घंटे तक चल सकता है, निर्देशकों को सभी घंटों में क्लाउड प्लेटफॉर्म के माध्यम से सुधार भेज सकते हैं। मानव तत्व बोतलबंद रहता है: कुशल कुंजी एनिमेटर अभी भी पात्रों में जीवन को सांस लेने की जरूरत है, और डिजिटल इन-बीमायन एल्गोरिदम केवल आंशिक रूप से सफल हो गए हैं।

Aesthetic Divide

एक भयंकर बहस "डिजिटल लुक" पर निर्भर करती है। प्रारंभिक डिजिटल एनीमे अक्सर अत्यधिक सपाट, एंटीसेप्टिक रंगों और ग्रेगिएंट मेष पर भारी निर्भरता से पीड़ित होते हैं, जिसमें भौतिक रंग की बनावट की कमी होती है। पिस्ट एक पेंटेड सेल के माध्यम से सूक्ष्म प्रकाश अपवर्तन की ओर इशारा करते हैं, ब्रश स्ट्रोक की कार्बनिक खामियां, और सेल्युलॉइड द्वारा बनाई गई गहराई को बिना किसी जगह के गुण के सामना करना पड़ता है। इस का मुकाबला करने के लिए, कई आधुनिक स्टूडियो जानबूझकर कृत्रिम शोर, अनाज और रंग को एनालॉग गर्मी को अनुकरण करने में सक्षम बनाते हैं। अन्य, जैसे कि उफ़ोटेबल (Demon Slayer])

हाइब्रिड वर्तमान: जहां एनालॉग आत्मा डिजिटल प्रेसिजन से मिलती है

आज, लाभांश अब एक साफ रेखा नहीं है। लगभग हर उच्च प्रोफ़ाइल मोबाइल उत्पादन एक हाइब्रिड पाइपलाइन संचालित करता है। कुंजी एनीमेशन अभी भी मुख्य रूप से कागज पर पेंसिल के साथ तैयार किया जाता है, जिसे उच्च संकल्प पर स्कैन किया जाता है, और फिर डिजिटल रूप से संसाधित किया जाता है। स्टोरीबोर्ड अक्सर गोलियों पर बनाए जाते हैं, लेआउट को 3 डी सॉफ्टवेयर में कैमरा आंदोलनों को अवरुद्ध करने के लिए बनाया जाता है, और पृष्ठभूमि डिजिटल पेंटिंग और फोटोग्राफिक हेरफेर का एक संलयन है।

हाल के कुछ उदाहरणों में दृष्टिकोण की सीमा को प्रकाशित किया गया है:

]Studio Ghibli: Hayao Miyazaki's ]The Boy and Heron] (2023) ने अपने अधिकांश रंग के लिए डिजिटल पेंट का इस्तेमाल किया, फिर भी उत्पादन ने पात्रों के लिए पूरी CGI का विरोध किया, जो फ्रेम-by-फ्रेम हैंड-ड्राफ्ट आर्टिस्ट्री पर भरोसा करते हुए सात साल तक थे।

] Attack on Titan (Wit Studio / MAPPA):]] Colossal Titan और अन्य जीवों को 3D मॉडलों के साथ महसूस किया गया था, जो 2D वातावरण में मिश्रित थे। एकीकरण, हालांकि शुरू में कुछ प्रशंसकों के लिए जा रहा था, पैमाने और उन्माद गति को व्यक्त करने के लिए एक शक्तिशाली उपकरण में विकसित हुआ।

]]Land of the Lustrous](Orange):]]] इस श्रृंखला ने 3D CGI को एक स्तर तक धकेल दिया जो लगभग 2D की तरह महसूस करता है, टोन शेडिंग और फ्रेम-रेट मॉडुलन का उपयोग करके हाथ से तैयार किए गए एनीमे के कैडेंस की नकल करने के लिए किया। यह दर्शाता है कि पूर्ण-CG एनीमे भावनात्मक रूप से अनुनाद और कलात्मक रूप से वैध हो सकता है।

समकालीन एनीमे परिदृश्य इसलिए एक जीवित प्रयोगशाला है। स्टूडियो प्रत्येक युग के टूलबॉक्स से स्वतंत्र रूप से उधार लेते हैं। एक दृश्य पारंपरिक रूप से एनिमेटेड चरित्र को जोड़ सकता है, एक 3 डी-प्रिंटेड पृष्ठभूमि लेआउट, डिजिटल सेल शेडिंग और प्रभाव वास्तविक समय के खेल इंजन में अनुकरण किया गया। एनीमे न्यूज नेटवर्क की डिजिटल संक्रमण पर सुविधा विवरण यह संलयन नए सामान्य के रूप में स्वीकार किया गया।

The Future: AI, Real-Time Engines, and Uncharted Territory.

अगले फ्रंटियर का पता पहले से ही किया जा रहा है। कृत्रिम बुद्धि, खुद मोबाइल के एक विषय में लंबे समय तक उत्पादन पाइपलाइन में प्रवेश कर रहा है। स्टार्ट-अप्स एआई-सहायक इन-बिल्डिंग प्रदान करते हैं जो फ्रेम भरने के मैनुअल काम को कम करते हैं, हालांकि वर्तमान में इन प्रणालियों को भारी ओवरसाइट की आवश्यकता होती है ताकि वे वार्ड लाइन और असंगत गति से बच सकें। वास्तविक समय में इंजन जैसे कि अवास्तविक इंजन 5 आभासी उत्पादन तकनीक को सक्षम कर रहे हैं, जहां निर्देशक उड़ान पर प्रकाश और कैमरा कोणों को समायोजित कर सकते हैं, जहां एनीमेशन और लाइव एक्शन फिल्म निर्माण के बीच की रेखा को धुंधला कर सकते हैं।

ये विकास चुनौतीपूर्ण प्रश्नों को बढ़ाते हैं। क्या एआई ने व्यक्तिगत कुंजी एनिमेटरों के विशिष्ट हस्ताक्षर को अलग-अलग फ्रेम्स को अलग-अलग तरीके से अलग कर दिया? क्या "एनीम-शैली" सामग्री को उत्पन्न करने में आसानी से बाजार को आत्माहीन नकली के साथ बाढ़ में ला सकती है? इसके विपरीत, ये उपकरण अंततः वापस तोड़ने वाले पीस से मुक्त हो सकते हैं, जिससे उन्हें कहानी कहने और अभिव्यक्तिपूर्ण प्रदर्शन पर ध्यान केंद्रित करने की अनुमति मिलती है कि केवल मनुष्य ही प्रदान कर सकते हैं? नैतिक और रचनात्मक तनाव वास्तविक हैं, और उद्योग केवल अपने दिशानिर्देशों को तैयार करना शुरू कर रहा है। इस बात पर ऐतिहासिक दृष्टिकोण के लिए कि कैसे एनीम ने पहले तकनीकी उथल-पुथल-पुथल-पुथल-पुथल को नेविगेट किया है।

क्या लगता है कि कुछ एनीमे का सार - इसकी क्षमता स्टाइलाइज्ड आंदोलन के माध्यम से गहन भावनाओं को व्यक्त करने और किसी भी उपलब्ध प्रौद्योगिकी को अवशोषित करने और पुनः व्याख्या करने की इच्छा - सहन करना होगा। अगली पीढ़ी के लिए चुनौती पारंपरिक और डिजिटल के बीच चयन नहीं करना है, लेकिन यह याद रखने के लिए कि उपकरण कहानी की सेवा करते हैं, और कहानी हमेशा एक मानव हाथ से एक पृष्ठ पर एक पंक्ति खींचती है।

विरासत को सम्मान देने, संभावित को प्रोत्साहित करना

पारंपरिक से डिजिटल में संक्रमण प्रतिस्थापन की कहानी नहीं बल्कि सह-विकास की कहानी है। प्रत्येक तकनीकी लीप, सेल एनीमेशन के आविष्कार से लेकर नवीनतम वास्तविक समय में रेंडर तक, मध्यम के शब्दावली का विस्तार किया है जबकि समय, वजन और अभिव्यक्ति के गहरे स्तर के सिद्धांतों को संरक्षित किया गया है कि टेज़ुका की पीढ़ी ने शिल्प में कोडित किया। एनीम हम आज देखते हैं, चाहे एक कुरकुरकुरा डिजिटल ब्लॉकबस्टर या जानबूझकर मोटे इंडी शॉर्ट हो, एक सदी के नवप्रवर्तन के लायक के कंधे पर खड़ा है- प्रत्येक फ्रेम की कुंजी एनिमेटरों के पसीने के साथ मिलकर, मानव चित्रों की असीमता और अभी भी समय में चलने के लिए।

अगले अध्याय अभी लिखा जा रहा है, स्टूडियो में, बेडरूम में और आभासी स्थानों में। यदि इतिहास कोई गाइड है, तो यह हमें आश्चर्यचकित करेगा।