आधुनिक संगीत एनीम साउंडट्रैक में पारंपरिक जापानी इंस्ट्रूमेंट्स के उपयोग की खोज

जापानी एनिमेशन में संगीत के ऐतिहासिक संदर्भ

विशिष्ट उपकरणों की खोज करने से पहले, यह समझने में उपयोगी है कि संगीत एनीमे में एक मूलभूत कहानी कहने का तरीका कैसे बन गया। माध्यम के शुरुआती दिनों से, संगीतकारों ने पश्चिमी ऑर्केस्ट्रल परंपराओं, जैज़ और लोक संगीत से दृश्य कथाओं के पूरक के लिए उधार लिया। 1960s Astro Boy Tatsuo Takai द्वारा थीम पहले से ही एक अलग जापानी संगीत संवेदनशीलता के साथ मार्चिंग बैंड ऊर्जा का मिश्रण प्रदर्शित किया। हालांकि, पारंपरिक उपकरणों के जानबूझकर शामिल होने के बाद निर्देशकों और संगीतकारों ने अपने कार्यों के भीतर मजबूत सांस्कृतिक पहचान स्थापित करने की मांग की।

1980s और 1990s ने विश्व संगीत में एक बढ़ती दिलचस्पी देखी, और जापानी रचनाकारों ने आगे की ओर देखने शुरू कर दी। फिल्म निर्माताओं जैसे हयाओ मियाज़ाकी और संगीतकार जो हिसाशी ने कोटो और शाकुहाची के साथ प्रयोग करना शुरू किया, न कि संग्रहालय के टुकड़े के रूप में बल्कि जीवित ध्वनियों के रूप में जो प्रकृति, आध्यात्मिकता और उदासीनता को उजागर कर सकती है। इस अवधि में जापान में एक व्यापक सांस्कृतिक आंदोलन के साथ मिलकर समकालीन दर्शकों के लिए मूल कला रूपों को पुनः प्राप्त करने और पुनः व्याख्या करने के लिए शामिल किया गया।

आज, ऐसे उपकरणों का उपयोग shamisen, koto, shakuhachi], और taiko]] अब एक नवीनता नहीं है। यह एक संवेदी अनुभव में रूट एनीमे साउंडट्रैक के लिए एक सचेत निर्णय का प्रतिनिधित्व करता है जो प्राचीन एक बार और भविष्यवादी है। पुराने और नए की यह मिश्रण आधुनिक अनिवासी संगीत या पश्चिमी एनिमेशन के सबसे पहचानने योग्य विशेषताओं में से एक बन गया है।

The Instrumental Palette: चार स्तंभों की परंपरा

प्रत्येक पारंपरिक साधन एक अलग timbre, सांस्कृतिक प्रतीकवाद और ऐतिहासिक वजन किया जाता है। संगीतकार उन्हें ध्यान से एक दृश्य की भावनात्मक और कथा मांगों से मेल खाने के लिए चुनते हैं। जबकि पारंपरिक उपकरणों के दर्जनों मौजूद हैं, चार एनीम साउंडट्रैक में विशेष रूप से प्रमुख हो गए हैं।

Shamisen: पंच और व्यक्तित्व

]shamisen एक तीन खंडित lute है जिसमें उज्ज्वल, पर्क्यूसिव हमला होता है। इसका शरीर पशु त्वचा से ढका हुआ है, और यह एक बड़ी plectrum के साथ खेला जाता है जिसे एक bachi कहा जाता है। ऐतिहासिक रूप से geisha प्रदर्शन, काबूकी थियेटर और लोक संगीत से जुड़ा हुआ है, शम्मसेन उत्सव ऊर्जा से लेकर गहरे दुख तक सब कुछ व्यक्त कर सकता है। एनीमे में, इसकी तेज, स्टेकाटो टोन अक्सर तनाव, हास्य, या सांस्कृतिक जड़ता के क्षणों को कम करने के लिए उपयोग किया जाता है।

योको कानो जैसे संगीतकारों ने प्रसिद्ध रूप से ग्राउंडब्रेकिंग तरीकों में श्मिसन का लाभ उठाया है। के लिए साउंडट्रैक में Samurai Champloo ] (Edo-era जापान में सेट एक श्रृंखला लेकिन हिप हॉप सौंदर्यशास्त्र के साथ प्रेरित), शम्मसेन टर्नटेबल स्क्रैच और बीटबॉक्सिंग के साथ दिखाई देता है। परिणामस्वरूप फ्यूजन एक गीमी नहीं है; यह सक्रिय रूप से ऐतिहासिक सेटिंग को फिर से परिभाषित करता है जबकि इसे आधुनिक दर्शकों तक सुलभ बना देता है। दर्शकों के लिए पारंपरिक जापानी संगीत के साथ परिचित नहीं है, शम्मसेन एक प्रवेश बिंदु बन जाता है, इसके विशिष्ट आवाज को अनदेखा करने के लिए।

कोटो: ग्रेस और वायुमंडल

koto एक तेरह-स्ट्रिंग वाला zither है जिसमें एक इतिहास हज़ार वर्षों में वापस फैल गया है। इसकी स्ट्रिंग्स आइवरी या प्लास्टिक पिक्स के साथ गिर गई हैं, एक तरल, कैस्केडिंग ध्वनि उत्पन्न करती है जो ध्यानात्मक और राजसी दोनों हो सकती है। अक्सर पश्चिमी वीणा की तुलना में, कोटो परिवेशी बनावट बनाने में असाधारण रूप से अच्छा है, जो पानी के प्रवाह, समय के मार्ग या शांत अंतर्विभाजन का प्रतिनिधित्व करती है।

एनीमे में, कोटो अक्सर प्राकृतिक सुंदरता या भावनात्मक रहस्योद्घाटन के दृश्यों में दिखाई देता है। Mushishi] का साउंडट्रैक श्रृंखला के ट्रैंक्विल, अलौकिक वातावरण को प्रतिबिंबित करने के लिए कोटो जैसी टोन पर भारी निर्भर करता है। यहां तक कि जब संश्लेषण या नमूना किया जाता है, तो कोटो का सार पहचानने योग्य रहता है। संगीतकार भी शास्त्रीय जापानी साहित्य या अदालती रोमांस के लिए एक कनेक्शन को इंगित करने के लिए साधन का उपयोग करते हैं, जैसा कि ] राजकुमारी कागुया के Tale को घेरे हुए ध्वनि के लिए एक बहुमुखी क्षमता बनाता है।

Shakuhachi: सांस और खालीपन

]shakuhachi एक अंत उड़ा बांस बांसुरी है जिसका मूल रूप से ध्यान के लिए जेन बौद्ध भिक्षुओं द्वारा उपयोग किया जाता है। इसकी सांस, कभी-कभी कच्चे स्वर में गहरा अकेलापन, आध्यात्मिक लम्बी अभिव्यक्ति और अस्तित्व की अभेद्यता - जापानी सौंदर्यशास्त्र में गहरा जड़ना। चांदी के बांसुरी के पॉलिश टिम्ब्रे के विपरीत, शाकुहाची सूक्ष्म पिच मोड़ और हवादार शोर को गले लगाती है, जो संगीत वाक्यांश के एक आवश्यक हिस्से के रूप में मौन का इलाज करती है।

एनीम संगीतकार तब शकुहची को बदल देते हैं जब उन्हें रहस्य, प्राचीन शक्ति, या भावनात्मक भेद्यता को निकालने की आवश्यकता होती है। साधन के प्रतिष्ठित वायल punctuates अनगिनत चरम क्षण, लेकिन यह न्यूनतम मार्ग में समान रूप से शक्तिशाली है। स्पिरिटेड अवे के लिए पौराणिक स्कोर एक आत्मा की दुनिया के माध्यम से प्रोटागोनिस्ट की यात्रा को रेखांकित करने के लिए Shakuhachi लाइनों का उपयोग करता है जो दोनों enchanting और खतरनाक है। ध्वनि कुछ आयुहीन और अदमित है, जो कि Shinto animism और प्रकृति की छिपी ताकतों को जोड़ने के लिए।

Taiko ड्रम: पावर और पल्स

]Taiko] लकड़ी की छड़ों के साथ खेला बड़े जापानी ड्रम के एक परिवार को संदर्भित करता है। Ensemble taiko ड्रमिंग, या kumi-daiko, एक गतिशील प्रदर्शन कला है जो 20 वीं सदी के मध्य में उभरा और तब से वैश्विक घटना बन गई है। ड्रम गरज, visceral लय का उत्पादन करते हैं जो एक युद्ध के मैदान के आरोप में दिल की धड़कन से सब कुछ नकल कर सकते हैं। शारीरिक रूप से मांग और दृश्य शानदार, ताको प्रतीक साम्य शक्ति और प्राइमल ऊर्जा।

एनीम एक्शन अनुक्रम अक्सर तनाव और नायकवाद को बढ़ाने के लिए टैको को तैनात करते हैं। तेज़ कटौती और विस्फोटक एनीमेशन के साथ पाउंडिंग बीट्स को सिंक्रनाइज़ करते हैं, जिससे एक सिंक्रनाइज़ सेंसरी हमले का निर्माण होता है। Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba में, ऑर्केस्ट्रल स्कोर को टॉको द्वारा युद्ध के अनुक्रमों के दौरान प्रबलित किया जाता है, जो एक स्पर्शनीय, अर्थपूर्ण शक्ति में अलौकिक युद्धों को ग्राउंड करता है। ड्रम भी त्योहार दृश्यों में दिखाई देते हैं, तुरंत जगह और परंपरा की भावना स्थापित करते हैं। कोडो और यामाटो जैसे समूह दुनिया भर में टैको को लोकप्रिय बना दिया है, और उनका प्रभाव ध्वनि प्रतिमान्य शक्ति रिकॉर्डिंग में महसूस किया गया है।

समकालीन शैली के साथ फ्यूजन

बस एक कोटो को पॉप बीट पर रखने से एक कम्पेलिंग परिणाम की गारंटी नहीं मिलती है। सबसे सफल आधुनिक एनीमे साउंडट्रैक पारंपरिक उपकरणों को इलेक्ट्रॉनिक, रॉक और हिप हॉप तत्वों के साथ बातचीत में समान भागीदारों के रूप में मानते हैं। इसके लिए दोनों संगीत प्रणालियों की एक परिष्कृत समझ की आवश्यकता होती है।

एक दृष्टिकोण में नए हार्मोनिक संदर्भों में पारंपरिक धुनों की व्यवस्था शामिल है। एक शमीसेन झिलमिलाहट को गिटार हुक के रूप में माना जा सकता है, जो विरूपण के साथ संतृप्त हो सकता है या देरी पेडल के माध्यम से चला सकता है। कोटो के ग्लिसांडो को एक लो-फाई हिप हॉप बीट में चुना जा सकता है, जैसा कि विभिन्न एनीमे-प्रेरित ऑनलाइन समुदायों में सुना जाता है। शकुहाची के निरंतर नोट एक हंटिंग पैड प्रदान करते हैं जो एक संश्लेषण को प्रतिस्थापित करते हैं, जबकि एक टैको पहनावा को डिजिटल जाल ड्रम के साथ एक हाइब्रिड लय अनुभाग बनाने के लिए स्तरित किया जा सकता है जो प्राचीन और साइबरनेटिक दोनों को महसूस करता है।

कुछ प्रोडक्शन पारंपरिक संगीतकारों को आधुनिक chord प्रगति पर सुधार करने के लिए आमंत्रित करके आगे बढ़ते हैं। यह सहयोगी दृष्टिकोण उनमें अनचाहे क्षेत्र में धक्का देते हुए उपकरणों की अखंडता का सम्मान करता है। परिणाम एक साउंडट्रैक है जो एक शांत, एकल शकुहाची ध्यान से एक पूर्ण-उड़ा हुआ ऑर्केस्ट्रल रॉक ट्रैक तक ले जा सकता है जो कि टैको फटने के साथ पूरा होता है, सभी एक ही एपिसोड के भीतर। यह तरलता दर्पण मोबाइल की अपनी शैली-ब्लेंड कहानी कहने वाली है, जहां कॉमेडी एक पल में त्रासदी में स्थानांतरित हो सकती है।

एनीम साउंडट्रैक में उल्लेखनीय उदाहरण

स्पिरिट्स्ड Away (2001) - संगीतकार: Joe Hisaishi

Hayao Miyazaki की कृति अक्सर एक पानी के बहाने के क्षण के रूप में उद्धृत किया जाता है पारंपरिक उपकरणों के लिए एनीम संगीत में। जो हिसाशी के स्कोर के लिए Spirited Away Shakuhachi का उपयोग करता है और कोटो न केवल सजावटी स्पर्श के रूप में बल्कि केंद्रीय विषयगत तत्वों के रूप में। मुख्य विषय, "एक ग्रीष्मकालीन दिवस" एक पियानो नींव पर आराम कर सकते हैं, लेकिन इसके सबसे अधिक सकारात्मक क्षण कोटो arpeggios द्वारा रंगा जाता है जो नोस्टलगिया और नुकसान को उखाड़ने में मदद करता है।

समुराई Champloo (2004) - संगीतकार: Nujabes, फैट जॉन, फॉरेक् स ऑफ नैचर

इस श्रृंखला ने एक लो-फाई हिप हॉप साउंडट्रैक के साथ ईदो-अवधि दृश्यों को फ्यूज करके एनीमे संगीत को क्रांतिकारी बदलाव किया। जबकि प्रमुख शैली वाद्य हिप हॉप है, शम्मेन अक्सर उपस्थिति बनाता है, विशेष रूप से ट्रैक में "शिकी नो यूटा" MINMI द्वारा प्रदर्शन किया गया। व्यवस्था एक पारंपरिक जापानी धुन को गर्म, पीट-संचालित उत्पादन में लपेटती है, जिससे एक गीत बना दिया जाता है जो एक त्योहार चैंट और एक आधुनिक आर एंड बी एकल की तरह महसूस करता है। शो के रचनाकारों ने समझा कि शम्मसेन का लयिक हमला ड्रम ब्रेक के नाली से मेल खा सकता है, जिससे ऐतिहासिक संलयन को बाद में एक सीमित संगीत की आवश्यकता होती है।

Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba (2019-) - संगीतकार: Yuki Kajiura, Go Shiina

ब्लॉकबस्टर श्रृंखला एक व्यापक ऑर्केस्ट्रल स्कोर का उपयोग करता है जो टैको ड्रम, शाकुहाची और परंपरागत लोक संगीत से प्रेरित स्वर chants द्वारा प्रेरित है। युद्ध विषयों को बिना किसी टैको पैटर्न से प्रेरित किया जाता है जो एनीमेशन की तीव्रता को प्रतिबिंबित करता है। अधिक सोम्बर क्षणों में, शकुहाची ट्राज्डी और बलिदान को कम करने में प्रवेश करती है, जो कि राक्षस-स्लेइंग एक्शन को अभेद्यता और पारिवारिक बंधनों के गहरे विषयों तक जोड़ती है। साउंडट्रैक की सफलता ने लाइव टैको प्रदर्शन में नवीनीकृत रुचि को प्रेरित किया है और यहां तक कि वीडियो गेम स्कोर को प्रभावित किया है। एकीकरण वर्तमान में महसूस करता है क्योंकि पारंपरिक तत्व आधुनिक सिनेमा में बुना हुआ नहीं है।

मुशी (2005-2014) - संगीतकार: तोशिओ मसूदा

Mushishi एक अलग पथ लेता है। इसका परिवेश स्कोर सूक्ष्म वाद्य बनावट पर निर्भर करता है, कोटो और शाकुहाची के साथ अक्सर विशाल, रहस्यमय जंगलों और अनदेखी जीवन बलों की भावना पैदा करने के लिए रिवरब में स्नान किया जाता है। यहां कोई बमबारीक ड्रम अनुभाग नहीं हैं। इसके बजाय, संगीत सांसें, नाजुक प्लुकेड नोटों के साथ सह-अस्तित्व करने की अनुमति देती हैं। यह न्यूनतम दृष्टिकोण श्रृंखला के दार्शनिक विषयों के साथ संरेखित होता है और यह दर्शाता है कि पारंपरिक उपकरण शांत, समकालीन स्थानों में उच्च-अष्ट्र कार्रवाई में प्रभावी रूप से बाहर निकल सकते हैं।

संगीतकारों और संगीत व्यवस्थाओं की भूमिका

हर यादगार साउंडट्रैक के पीछे एक रचनात्मक टीम है जो संगीत जगतों को पुल करती है। योको कानो, जो हिसाशी, यूकी काजीरा और हिरोयूकी सॉनो जैसे संगीतकारों ने पारंपरिक उपकरणों को शामिल करने के लिए प्रत्येक अद्वितीय तरीकों को विकसित किया है। कानो, अपनी शैली-तरलता के लिए जाना जाता है, अक्सर इसे एक भविष्यवादी सेटिंग में तैनात करने से पहले एक साधन के ऐतिहासिक संदर्भ का अध्ययन करता है। हिसाशी, एक शास्त्रीय रूप से प्रशिक्षित पियानोवादक, उन लोगों को लिखते हैं जो समय-समय पर महसूस करते हैं, जिससे उन्हें एकल कोटो और पूर्ण ऑर्केस्ट्रा दोनों के अनुकूल बना दिया जाता है।

एक कुशल व्यवस्थाकर्ता को यह समझा जाता है कि एक शम्मेन केवल पियानो लाइन नहीं खेल सकता है; इसके मुहावरे स्लाइड और percussive हमलों को सम्मानित किया जाना चाहिए। पारंपरिक संगीतकारों के साथ काम करते समय, व्यवस्थित अक्सर सुधार के लिए अंतरिक्ष छोड़ देता है, जिससे कलाकार को प्रामाणिक गहने लाने की अनुमति मिलती है जिसे पश्चिमी शीट संगीत में उल्लेख नहीं किया जा सकता है। यह सहयोगी प्रक्रिया संगीत को एक पीला अनुकरण की तरह ध्वनि से रोकता है और इसके बजाय जीवित परंपरा को कैप्चर करता है।

इसके अलावा, रिकॉर्डिंग प्रक्रिया स्वयं ही मायने रखती है। एक ताको ड्रम के पूर्ण प्रभाव को कैप्चर करने के लिए विशेष माइक्रोफोन तकनीकों की आवश्यकता होती है, और एक शकुहाची की सूक्ष्म सांस की आवाज़ को समाप्त होने के बजाय संरक्षित किया जाना चाहिए। उच्च बजट वाले एनीमे प्रस्तुतियों में शीर्ष वाद्यविदों के साथ स्टूडियो सत्रों में निवेश किया जाता है, यह पहचानने के लिए कि ध्वनि की प्रामाणिकता सीधे दर्शकों के विसर्जन में अनुवाद करती है।

सांस्कृतिक प्रामाणिकता और वैश्विक रिसेप्शन

एनीमे साउंडट्रैक में पारंपरिक उपकरणों का उपयोग सांस्कृतिक प्रामाणिकता और प्रतिनिधित्व के बारे में सवाल उठाता है। जापानी दर्शकों के लिए, ये ध्वनियां मौसमी त्योहारों, धार्मिक अनुष्ठानों और राष्ट्रीय पहचान से बंधे अर्थ की परतें ले जाती हैं। एक टैको लय एक ग्रीष्मकालीन आतिशबाजी प्रदर्शन को याद कर सकता है, जबकि एक शकुहाची मेलोडी एक जेन गार्डन को बुला सकता है। जब ये उपकरण एक काल्पनिक सेटिंग में दिखाई देते हैं, तो वे एक पहचानने योग्य ध्वनि परिदृश्य में काल्पनिक दुनिया को जड़ देते हैं।

अंतरराष्ट्रीय दर्शकों के लिए, अनुभव अलग लेकिन समान रूप से शक्तिशाली है। कई प्रशंसक पहले कोटो या शमीसेन को एनीमे से सामना करते हैं, और संगीत जापानी संस्कृति की खोज के लिए एक प्रवेश द्वार बन जाता है। ऑनलाइन समुदाय ध्वनिट्रैक को अलग करते हैं, शेयर ट्यूटोरियल करते हैं, और यहां तक कि प्रशंसकों को पारंपरिक उपकरणों को सीखने के लिए प्रेरित करते हैं। हालांकि, विदेशीता का जोखिम है, जहां वास्तविक संगीत एकीकरण के बिना उपकरणों का उपयोग सतही रूप से "जापान" संकेत करने के लिए किया जाता है। सबसे अच्छा मोबाइल स्कोर इस जाल को पारंपरिक ध्वनियों के इलाज से बच जाता है, न केवल स्टीरियोटाइप।

अकादमिक प्रवचन ने भी ध्यान दिया है। शोधकर्ता इस घटना को "सांस्कृतिक संकरीकरण" के उदाहरण के रूप में इंगित करते हैं, जहां वैश्विक मीडिया प्रवाह अमूर्त विरासत के संरक्षण और पुनर्स्थापन को सक्षम बनाता है। जो दर्शकों को कभी भी लाइव होगाकू कॉन्सर्ट में भाग नहीं ले सकता है, वे अभी भी अपने पसंदीदा पात्रों और कहानियों के माध्यम से इन उपकरणों के लिए एक गहरी भावनात्मक संबंध विकसित कर सकते हैं। इस तरह, एनीम पारंपरिक जापानी संगीत के लिए एक अप्रत्याशित राजदूत बन जाता है।

भविष्य के रुझान और विस्तार उपकरण

जैसे एनीमे उत्पादन बढ़ता है, पारंपरिक उपकरणों का पैलेट विस्तार हो रहा है। जबकि शमीसेन, कोटो, शकुहाची, और ताको स्टेपल बने रहते हैं, संगीतकारों को कम सामान्य उपकरणों जैसे biwa] (A lute epic storytelling में इस्तेमाल किया), hichiriki (एक भेदी स्वर के साथ एक डबल-रीड उपकरण) और विभिन्न क्षेत्रीय लोक उपकरणों की तरह पता लगाने की शुरुआत की है। बिवा, इसके नाटकीय कथाओं के साथ, ऐतिहासिक काल्पनिक श्रृंखला में दिखाई दिया है, जबकि हिचरी एक अतिविश्वासिकता को घेरा देता है।

तकनीकी प्रगति भविष्य को भी आकार देने वाली हैं। उच्च गुणवत्ता वाले नमूना पुस्तकालय अब पारंपरिक ध्वनियों के साथ प्रयोग करने के लिए स्वतंत्र संगीतकारों के लिए आसान बनाती हैं, हालांकि प्यूरीवादियों का तर्क है कि लाइव प्रदर्शन की बारीकी अपरिवर्तनीय है। एआई-सहायता प्राप्त रचना उपकरण उभरने शुरू होते हैं, इस बारे में सवाल उठाते हैं कि कैसे एल्गोरिदम पारंपरिक संगीत रूपों में नकल या नवाचार कर सकते हैं। उपकरण के बावजूद, सांस्कृतिक रूप से विशिष्ट साउंडट्रैक की मांग को वैश्विक स्ट्रीमिंग प्लेटफॉर्मों को मोबाइल सामग्री में निवेश करने की संभावना है।

अंतरराष्ट्रीय कलाकारों के साथ सहयोग एक और फ्रंटियर है। जापानी उपकरणों पहले से ही पश्चिमी पॉप, फिल्म और गेम स्कोर में दिखाई दिया है, और एनीमे साउंडट्रैक क्रॉस-सांस्कृतिक आदान-प्रदान की सुविधा की संभावना बढ़ रही है। एक शमीसेन लैटिन ताल पर अकेले हो सकता है, या एक टैको पहनावा एक के पॉप प्रभावित ट्रैक को रेखांकित कर सकता है। इन प्रयोगों, जब संवेदनशीलता के साथ किया जाता है, तो ताजा, रोमांचक संगीत संकर बना सकते हैं जो परंपरा और नवाचार के बीच सीमाओं को और अधिक धुंधला कर सकते हैं।

निष्कर्ष

आधुनिक एनीमे संगीत में पारंपरिक जापानी उपकरणों का एकीकरण एक उदासीन प्रवृत्ति से कहीं अधिक है। यह एक जीवंत, विकसित करने वाला अभ्यास है जो कहानी कहने को समृद्ध करता है, सांस्कृतिक सगाई को गहरा करता है, और पारंपरिक ऑर्केस्ट्रल सूत्रों से परे सोचने के लिए मजबूरियों को चुनौती देता है। चाहे हिप हॉप ट्रैक में एक शमीसेन की तेज रोइंग के माध्यम से, एक अलौकिक नाटक में एक शकुहाची की hushed सांस, या युद्ध स्थल में टाइको के गरजत रोअर को आकार देने वाली इन ध्वनियों ने दर्शकों को कलात्मक विरासत की शताब्दियों तक कनेक्ट किया, जबकि अनचा क्षेत्र में एनीम संगीत को धक्का दिया। चूंकि दुनिया भर में दिलों को पकड़ने के लिए सबसे प्रिय भूमिका निभाती है।