Aastakümneid on termin "anime" kujutanud elavaid tegelasi, pühkivaid narratiive ja visuaalseid uuendusi.Kuigi arvukad pealkirjad on aidanud kaasa keskmise ülemaailmsele tõusule, on kaks 1980. aastate filmi žanri määratlevate maamärkidena, mis kujundasid animatsiooni igaveseks: Katsuhiro Otomo "FLT:0]" Akira ] (1988) ja Hayao Miyazaki "FLT:2"Nausicaä of the Valley of the Wind (1984). Need teosed ei ole ainult lummatud vaatajaskonnad Jaapanis, vaid ka tõestavad, et iga filmi puhul on võimalik saavutada kunstilist korruptsiooni, mis on võimalik, mis on oma kunstilist mõjuvõimu, mis tõestab, mis suudaks omada, mis suudaks oma kunstilist mõjuvõimu, mis suudaks omada, mis suudaks omada, mis suudaks oma kunstilist mõjuvõimu, mis suudaks, mis suudaks omada, mis suudaks omada, mis suudaks omada, mis suudaks oma kunstilist mõjuvõimu, mis suudaks, mis suudaks omada, mis suudaks omada, mis suudaks omada, mis suudaks omada

Küberpungi Milestone'i tegemine: Akira

A Daring Production

Kui Katsuhiro Otomo hakkas kohandama oma laialivalguvat mangat ]Akira animeeritud funktsiooniks, seisis ta silmitsi monumentaalse väljakutsega: koomiks ei olnud kaugeltki valmis. Noor ajakiri] oli 1982. aastast 1990. aastani, lõpuks ulatus lugu kuus massiivset mahtu. 1988. aastal valminud film kompresseerib ja reimagines murdosa sellest materjalist, kondenseerides keerulise narratiivi järeleandmatuks kahetunniseks kogemuseks. Tootmisstuudio Tokyo Movie Shinsha kustutas enneolematu eelarve ¥1 miljardit (um-mode) (um kui analoogne ülevaade), mis võimaldab peaaegu et igast hilisemat publik saaks harvestada 16 000, 8-mol, mis oleks peaaegu et saavutada retriiliselt harv, mis oleks harveline, mis oleks üle maailma, mis oleks peaaegu et ulline, et oleks üle maailma, et saavutada ulline ülevaade, mis oleks ul...

Peamine uuendus oli otsus salvestada dialoog enne animatsiooni, mida tuntakse eelhindamisena. See võimaldas animaatoritel sünkroonida suuliigutusi märkimisväärse täpsusega, andes tegelastele naturalistliku kohaloleku, mida käsitsi joonistatud filmides harva esineb. Geinoh Yamashirogumi skoor, traditsioonilise gamelani sulatamine, budistlik laulmine ja futuristlik süntesatsioon lõid visuaalid teispoolsusepärasesse helimaastikku, mis jääb jahmatavalt toimivaks aastakümneid hiljem.

Tehnoloogiliste Hubris'e joonis ja teemad

Tegevus toimub 2019. aastal – tolle aja kauges tulevikus – Akira ] näeb Neo-Tokyot kui laialivalguvat, neoonkuivat metropoli, mis on ehitatud 31 aastat varem algse linna hävitanud kataklüsmi kraatrile. Süžee järgneb jalgratturite jõugu juht Kanedale ja tema lapsepõlvesõbrale Tetsuole, kellel tekib pärast kokkupõrget salapärase psüühilise lapsega hirmuäratavad telekine võimed.

Otomo nägemus on tohutu kriitika institutsionaalse ülbuse ja tehnoloogilise kinnisidee dehumaniseerivate mõjude kohta. Selle asemel maalib see maailma, kus autoritaarne kontroll, mis kehastab kolonel Shikishimat, käsitleb nii psüühilisi lapsi kui ka Tetsuo õitsevat katastroofi kui varasid, mida tuleb juhtida, mitte elusid, mida tuleb kaitsta. Teismeliste mäss ja identiteedi otsimine läbi narratiivi: Kaneda trotsiv bravado vastandub Tetsuo meeleheitlikule valideerimisvajadusele, rivaale, mis eskaleerub apokalüptilisteks mõõtmeteks. Filmis maalib maailma, kus autoritaarne kontroll ja vokaliseerub vaid kui filosoofilise mõtteviisilise vokaalilisuse, vohamise, vohamise, vohamise, vohamise, vohamise, vohamise, vohamise, mis viib ellu.

Visuaalne ja heliline mõju

Otomo kaubamärgi ülidetailsed taustad – labürindi alleed, gargantuaalsed staadionid ja ikooniline neoonvõra – loovad küberpunkide esteetika, mis võlgneb nii palju Jaapani linnade levikule kui Lääne sci-fi proovikividele nagu Blade Runner ]. Legendaarne mootorratta tagaajamine, mis avab filmi, mille särav punane sabavalgus triivib läbi öö, on üks kõige tsiteeritud ja keelduv värvimine orgaanilisest ajaloost, mis on peaaegu hävitatud, peaaegu et hävitada.

Heliriba tõstab atmosfääri müütiliseks territooriumiks. Geinoh Yamashirogumi kooriseaded ja löökdroonid imbuvad psüühilisi duelle iidse, rituaalse gravitatsiooniga, elektroonilised lahkhelid peegeldavad aga linna enda lagunemist. Kujutise ja heli abielu lõi animatsioonis sünergia uue võrdlusaluse, mis inspireeris režissööre Rintarost Wachowski õdede-vendadeni.

Nausicaä Tuuleorust: Miyazaki ökoloogiline eepik

Enne Ghiblit

Hayao Miyazaki oli juba teinud endale nime telesarjade ja mängufilmide animaatori ja lavastajana, kui ta alustas isiklikku kirgprojekti: manga pealkirjaga „FLT:0] Nausicaä Tuuleorust ], mis on järjestatud ajakirjas Kujutlus ] alates 1982. aastast. Laialdav eepika, mida Miyazaki jätkas kirjutamist ja joonistamist üle kümne aasta oma filmikarjääri jooksul, sai 1984. aasta filmi aluseks Topcraft (stuudio, mis peagi arenes legendaarseks Studio Ghibliks), kohandus ainult filmi originaali, mis on taastatud ja täielikult, kuid mis on täielikult, täielikult, täielikult, täielikult, täielikult ja täielikult, täielikult, täielikult, täielikult, täielikult, täielikult, täielikult ja täielikult, täielikult, täielikult, täielikult, täielikult, täielikult, täielikult, täielikult, täielikult, täielikult, täielikult, täielikult, täielikult, täielikult, täielikult, täielikult, täielikult, täielikult, täielikult, täielikult, täielikult, täielikult, täielikult ja täielikult, täielikult, täielikult, täielikult, täielikult, täielikult, täielikult, täielikult, täielikult, täielikult, täielikult, täielikult, täielikult, täielikult, täielikult, täielikult, täielikult, täielikult

Postapokalüptiline tähendamissõna

Tuhat aastat pärast "Seitse tulepäeva" – kataklüsmiline sõda, mis purustas tööstuslikku tsivilisatsiooni – jääb inimkond elu külge Dekai mere äärtel, mürgine seenemets, mida valvavad hiiglaslikud, segmenteeritud putukad nimega Ohmu. Film tutvustab Nausicaä, väikese Tuuleoru printsessi, valdkonda, mida hoiavad elamiskõlblikud meretuuled tuuled, mis tõrjuvad välja tungivad eosed. Nausicaä on võrratu tuulerats, teadlane, kes salaja kasvatab metsast mittetoksilisi taimi, ja äge patsipatsifist, kelle hirm ulatub kõige rohkemateni, sealhulgas inimesteni.

Konflikt puhkeb, kui militaristlik Tolmekia impeerium tungib orgu, püüdes taaselustada Hiiglase Sõdalase – bioloogilise relva seitsmest päevast –, et puhastada mürgine džungel ja nõuda planeet inimkonnale tagasi. Miyazaki keeldub pidamast igat kildkonda puhtalt kurjaks. Tolmekialased tegutsevad ekslikust soovist taastada kadunud maailm; Ohmu on õrnad, kui seda ei provotseerita; džungel, mis pole kaugeltki mitte mõistusetu katk, puhastab mürgitatud pinnast. Nausicaä teekond muutub meditatsiooniks teise mõistmisele, keeldumaks lihtsast vihkamise teest, isegi kui tema enda rahvast ähvardab, et peatada omaenese Kristuse-taoline enesetee-taoline enesetee-taoline võrdne äratamine, et lõpetada omaenese armastusega seotud valede jagamine, mis on kõige ohtlikumõtegudeks tunnistamine, mis on kõige enam, mis on vastastikuses-tegudeks, et ühe omaenese armastuseks, et ühe omaenese armastuseks-tegudeks-tegudeks-tegudeks-tegudeks-te

Animatsioon kui luule

Kus Akira (FLT:1) paisutab meeli linnakaosega, Nausicaä] kutsub vaatajat mahajäetud ilu maailma. Miyazaki armastus lennunduse vastu infundeerib iga hilisema lennustseeni: Nausicaä purilennu, Möwe, swoops ja hõljub kaalutuses, mis tunneb vabanemist gravitatsioonist endast.Kõrgestusmeri koos oma iridesseerivate eoste ja katedraalilaadsete seente koosseisudega saavutab tumeda, lummutatud esteetika.Taustalustu-talu, mis on loodud tema väikeseks, et ta saaks oma väikeseks, väikeseks, väikeseks, väikeseks, väikeseks, väikeseks, väikeseks, väikeseks, kui ta saaks oma muusikaliseks, väikeseks, väikeseks, väikeseks, väikeseks, kui ta saaks, kui ta koos oma muusikaliseks, koos omaks, väikeseks, väikeseks, mõgiliseks, mõgiliseks, koos omaks, mõgiliseks, mõmiseks, mõlguseks, koos omaks, kui ta saaks, koos omaks, mõ

Isegi filmi vägivalla kujutamine teenib suuremat eesmärki. Hiiglase sõjamehe lagunemisjärjestus on tuumaõudusest jahutav nägemus, mis on võetud otse Miyazaki lapsepõlvemälestustest sõjast. Ometi ei jää film kunagi jõhkrusele omaenese pärast; iga julmus on raamitud sammuks sügavama mõistmise või traagilise läbikukkumise poole. See esteetilise armu ja kompromissitute temaatiliste kaalupositsioonide tasakaal ]Nausicaä ] on nii kunstiteos kui ka moraalne argument.

Vastuolulised nägemused: tehnoloogia vs loodus

Kuigi mõlemad filmid on sama kümnendi produktid ja neil on postapokalüptiline lõuend, osutavad nende filosoofilised kompassid otsustavalt erinevates suundades. ]Akira uurib eetilistest piirangutest eraldatud tehnoloogiliste ambitsioonide katastroofilisi tulemusi; teadlased ja kindralid, kes manipuleerivad psüühilise energiaga, vabastavad jõu, mis sõna otseses mõttes neelab Neo-Tokyo. Linn ise on monument iniminsenerluse hubrisele, konkreetsele organismile, mis lõpuks oma vastuolude raskuse all kokku variseb.

Nausicaä ] seevastu väidab, et tõeline katastroof oli inimkonna katse looduses domineerida tehnoloogiaga.Seitset Tulepäeva esitletakse omamoodi algse patuna ja ülejäänud fraktsioonid kas püüavad seda viga korrata, relvastades Hiiglase Sõdalase või võitlevad kangekaelselt mürgise džungli vastu. Nausicaä pakub kolmanda tee: õppida kooseksisteerima muutunud maailmaga, mõistma selle mehhanisme ja leidma tervenemist pigem ühenduse kui jõu kaudu.Tehnika ei ole oma olemuselt kuri - Nausicaä puriger on käsitöölise meisterlikkuse väljendus - kuid see peab teenima revolutsiooni, mida juhib ta universumist: FLT:2.[5]

Jutuvestmise stiilid peegeldavad neid teemasid. Otomo suund on propulsiivne ja agressiivne, kasutades kiiret lõikamist ja ballistilist liikumist, et anda edasi kontrolli alt väljuv maailm. Miyazaki tempo on meditatiivsem, võimaldades pikkadel vaikuse ja maastiku lõikudel edastada kogu ökoloogia väärt teavet. Mõlemad lähenemisviisid on osutunud tohutult mõjukaks, pakkudes joonist pärast joonist nii järgmistele põlvkondadele animaatoritele kui ka live-action- filmitegijatele.

Kunstlikud ja tehnilised uuendused, mis raputasid tööstust

Nende kahe filmi tehnilisi saavutusi ei saa ülehinnata. ]Akira ] alustas sünkroniseeritud eelskooritud dialoogi kasutamist täispika anime jaoks, praktika, mis hiljem sai standardiks mõnes lavastuses, kuid oli sel ajal praktiliselt ennekuulmatu. õhuke liikumislubatud cels maht, mis purustas televisioonis nii levinud piiratud animatsioonivormi; tänavad, mis olid täis mässavaid kodanikke, iga iseseisvalt liikuv inimene, vaidlustasid just idee, mida käsitsi joonistatud animatsioon võiks kujutada. Filmi sügav, rikas värvipalett - eriti selle punase värvipalett - Kaneda kasutamine, visuaalselt flare kogu ps - koheselt kogu psüühiline.

]Nausicaä arendas taustamaali kunsti. Maastikud ei ole pelgalt taustad, vaid aktiivsed loos osalejad. Toksiline džungel oma kolossaalsete seensammastega ja triivivate eostega nõudis keerukat tähelepanu detailidele, kihistades läbipaistvaid värve niiske, mürgise atmosfääri simuleerimiseks. Lennujärjed tuginesid mitmetasandilistele kaameraefektidele, et simuleerida sügavust, ennetades digitaalseid tööriistu, mis hiljem muudaksid sellise liikumisrutiini. Miyazaki nõud tuule näitamiseks – rohu, kattevarjude ja staatilise tööstuse gliidiga – mis on omal reaalselt olemas, mis on nende elukvaliteedilt, mis on võimalik saavutada, et nad saaksid elada, mis on üheselt, mis on üheselt määratletud.

Ülemaailmne vastuvõtt ja kaduv mõju

Akira efekt Lääne kinos

Enne Akira, anime Läänes oli sageli taandub tugevalt toimetatud lasteprogrammeerimine või varjatud hilisõhtune kaabel teenindusajad.[LT:] Filmi Jaapani teatriväljaanne 1988. aastal ja sellele järgnenud rahvusvaheline levitamine VHS-is ja laserplaadil kultiveeris kirgliku kultuse, mis plahvatas teatri taasavastamisega 2001. aastal Küberpunki kujutised teavitasid otseselt Hollywoodi blokeerijaid: vedela metalli katsed FLT:2 [[Terminaator 2], FLT:3 intensiivne tegevus, FLT: Matrix, Flt: Fo-D-D-Cha-modd, mis on kõik, mida kasutatakse visuaalselt, CLT-D-D-D-D-D-D-D-D-Cowy-d, Clin, Celt:Fa-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-D-

Nausicaä ja Ghibli pärand

Nausicaä] jõudis lääne publikuni drastiliselt toimetatud versioonis pealkirjaga Tuule sõdalased, mis lõikas märkimisväärse osa narratiivist ja nüristas ökoloogilist sõnumit.[9] Miyazaki pettumus selle räpase vabastamisega viis otse Studio Ghibli range "ei lõika" maailma poliitikani rahvusvaheliseks levitamiseks. Aja jooksul, nagu järgnevad Ghipabli filmid nagu , "FLT:6 Printsesss Mononoke[7], mis on saanud drastiliselt redigeeritud versioonis, sisaldab "FLT:2" "Tuulemõhõrja" [[FLT:], mis on tuntud kui "Inimene" (FLT:[10], mis on tuntud kui "Inimeline mälestusmärk: "Inimene" (Fäne" (FLT: "Inimene") "Inimene: "Inimene" (Fäblik: "Inimene" (") "Inimene: "I

Miks need filmid on õpilaste ja õpetajate jaoks olulised

]Akira ja Nausicaä on rikkalikud tekstid meediauuringutele, kirjandusele ja isegi eetikale. Need näitavad, et animatsioon ei ole žanr, vaid vahend, mis suudab uurida samu sügavaid küsimusi nagu klassikaline kirjandus.Jutustavalise struktuuri, visuaalse kirjaoskuse või kultuuridevahelise kunsti õppekavade kujundajajatele pakuvad need filmid kihilist sisu, mis premeerib korduvat vaatamist. ]Akira ] saab kasutada arutelu tekitamiseks tehnoloogilise eetika, poliitilise korruptsiooni ja trauma kujutamise üle;äl avatud naisfilosoofia, naiste eetika, avatud traditsioonilisess, geoloogide, geoloogide, naiste rollis.[LT:6ängetes.

Lisaks akadeemilisele kasulikkusele jäävad mõlemad filmid vaimustavateks kogemusteks. Nad keelduvad vaatajaid üleolevalt kohtlemast, usaldades neid maadlema ebamäärasuse ja moraalse keerukusega. Kaasaegse anime alustekstidena kapseldavad nad meediumi võime ühendada meelelahutus sügava sotsiaalse kommentaariga. Loojate põlvkonnad laenavad jätkuvalt oma visuaalsetest sõnavaradest, kuid keegi pole veel dubleerinud unikaalset ambitsioonide, kunstilisuse ja jultumuse segu, mida Otomo ja Miyazaki ekraanile tõid. Nende tänane vaatamine ei ole nostalgia akt, vaid kino piiramatute võimaluste tunnistajaks ole meeldetuletus, et animatsioon, kui see on parim, võib maailma muuta.