Die oorsprong van Japannese animasie

Die reis van anime as 'n kommersiële en artistieke medium het lank voor die era van televisie begin. In die vroeë 20ste eeu het Japannese filmmakers eksperimenteer met kort geanimeerde films, wat sterk beïnvloed is deur Westerse en Europese pioniers soos Émile Cohl en Walt Disney. Die oudste oorlewende voorbeeld dateer uit 1917, 'n twee-minuut lange clip met die titel Namakura Gatana (The Dull Sword). Hierdie stille tydperk werke is op 'n klein begroting vervaardig deur klein spanne, dikwels onder leiding van 'n enkele kunstenaar. Junichi Kōuchi, Seitarō Kitayama en Ōten Shimokawa word algemeen erken as die stigters van binnelandse animasie.

Die Tweede Wêreldoorlog het die animasie tydelik na propaganda verskuif, maar die naoorlogse besetting het die toneel vir 'n kreatiewe ontploffing gewy. Dit was gedurende hierdie herbouperiode dat die manga-kunstenaar Osamu Tezuka sy verhaalgedrewe strokiesprente begin publiseer het. Tezuka het Disney bewonder en verlang na die vervaardiging van animasie, maar Japan se verslegte ekonomie het volledige lengte-funksies onprakties gemaak. In 1961 het hy Mushi Production gestig, en die volgende jaar het die studio Astro Boy aan Fuji Television gelewer. Dit was Japan se eerste weeklikse 30-minuut-animasie-reeks, en sy produksieekonomie is gebou rondom beperkte animasie tegnieke, hergebruikelde selle en teater kinematografie truuks het die anime-bloudruk vir die hele televisie-industrie geword.

Pionierstudio's en die televisieera

Toei-animasie en die fabrieksstelsel

Voordat Mushi Production, Toei Animation (toe Toei Dōga) het reeds die land se eerste ware animasie montering lyn gevestig. In 1958, Toei vrygestel Hakujaden (Die verhaal van die wit slang), Japan se eerste kleur langverlengde animasie film. Die maatskappy het honderde tussenpers en kleurskrywers gehuur, navolg die Disney-ateljee stelsel. Toei se vroeë films verdien internasionale fees erkenning en opgelei 'n generasie van animators, insluitend twee stil jong mans met die naam Hayao Miyazaki en Isao Takahata, wat later die kreatiewe ruggraat van Studio Ghibli sal vorm.

Toe televisie in die 1970's ontplof, het Toei na weeklikse aksie-reekse gewend. Dit het Mazinger Z (FLT:1) (1972), wat die gedreven reuse-robotgenre gekodeer het, vervaardig en later Shōnen Jump-treffers soos Dragon Ball (FLT:3), Sailor Moon (FLT:5) en One Piece (FLT:7) aangepas. Toei se sakemodel: Simultane produksie van verskeie langdurige reekse, swaar gebruik van herbruikbare voorraadbeelde en onverbiddelike merchandising-tye het 'n stabiele finansiële masjien geskep.

Tatsunoko-produksie en die kuns van kleur

Tatsunoko Production is in 1962 deur manga-kunstenaar Tatsuo Yoshida gestig en het vinnig bekend geword vir sy lewendige kleurpalette en dinamiese aksie-koreografie. Vroeë treffers soos Speed Racer (1967) en Science Ninja Team Gatchaman (1972) het die Amerikaanse en Europese gehoor deur middel van sindikasiesooreenkomste aan die Japannese aksie-reeks bekendgestel. Tatsunoko se ontwerpfilosofie het alles beïnvloed, van superheld tot mecha-ontwerpe vir die volgende drie dekades.

Die Goue Eeu: Mecha, Realisme en die OVA-boom

Die laat 1970's tot die 1980's het 'n ongekende uitbreiding van anime se tematiese omvang gesien. Wetenskapfiksie, filosofiese nadenke en volwassene-georiënteerde verhale het die eenvoudiger goeie versus slegte verhale van vorige dekades verplaas. Hierdie "goue era" is aangedryf deur 'n florerende Japannese ekonomie, 'n passievolle fan kultuur en 'n nuwe verspreiding medium: die oorspronklike video-animasie (OVA).

Mobile Suit Gundam en die geboorte van 'n werklike robot

Toe Yoshiyuki Tomino en Sunrise (toe Nippon Sunrise) in 1979 uitsaai Mobile Suit Gundam in 1979, was die reeks aanvanklik 'n ratings teleurstelling en het dit vroeg kanselleer. 'n Begeerte fan letter veldtog, 'n suksesvolle samestelling van film trilogie en die bekendstelling van Bandai se plastiek model kits het dit in 'n kolossale franchise verander. Gundam het van die tradisie van onbeswaagbare superrobotte gebreek, die masjiene behandel as massaproduksie wapens van oorlog wat deur getraumatiseerde soldate gepeil word.

Sunrise het die formule verdubbel met reeks soos Armored Trooper Votoms en Space Runaway Ideon. Die ateljee het 'n reputasie opgebou vir noukeurige meganiese ontwerp, in samewerking met industriële ontwerper Kunio Okawara en later Hajime Katoki. Met verloop van tyd het Sunrise die onbetwiste reus van mecha geword, wat in alternatiewe Gundam-tydlyn uitgebreid en kruisingsuks soos Cowboy Bebop (1998) en Code Geass (FLT:7)) (2006) geproduseer het.

Gainax en die Otaku-rewolusie

Gainax is in 1984 gestig deur 'n groep universiteitswetenskapfiksie-aanhangers, waaronder Hideaki Anno, Yoshiyuki Sadamoto en Takami Akai. Hul debuutprojek, die OVA Daicon IV openinganimasie, was 'n indrukwekkende fanproduksie wat tegniese ambisie ver bo die wat studente verwag het om te produseer, getoon het. Hul eerste kommersiële film, Wings of Honneamise (1987), was 'n opwindend geanimeerde alternatiewe-geskiedenis-drama wat sy beleggers amper bankrot gemaak het, maar die volgende kritiese lof en 'n permanente kultus verdien het.

Die mees transformerende werk van Gainax het egter in 1995 met Neon Genesis Evangelion aangekom. Anno's dekonstruksie van die mecha-genre het 'n gemengde Kabbalistiese simbolisme, sielkundige ineenstortings en diep persoonlike angs. Die finale aflewerings van die program, voltooi met 'n beperkte begroting, het so omstrede geword as wat hulle ikonies was. Evangelion se kommersiële sukses het bewys dat laatnag-anime (gewysig op jong volwassenes eerder as kinders) uiters winsgewend kan wees. Dit het ook 'n nuwe multimedia-model geïmplementeer: 'n omstrede TV-eind, twee teaterfilms wat die klimaks herbeeld het, manga-tydings en 'n handelsryk wat voortgaan om uit te brei. Gainax se latere jare is deur bestuurstoestande geteister, maar sy alumni-ateljee (Khara) het 'n nuwe eksperimentele gees (Hiro) aangeneem.

Madhouse en die wêreldwye kunsfilm

Madhouse is in 1972 deur voormalige Mushi Production-animasie (waaronder Osamu Dezaki en Masao Maruyama) gestig en het homself onderskei deur regisseurgedrewe, kinematografiese werke. Die studio het die manga aangepas in visuele pragtige films en OVA's wat die grense van die medium verskuif het.

Madhouse het internasionale erkenning behaal met Katsuhiro Otomo se AkiraFLT:0F:0F:0F:0F:0AkiraFLT:1 (1988), 'n cyberpunk-epopie wat met handgeskilderde besonderhede op 'n begroting wat nog nooit in Japanse animasie gesien is nie. Dit het as 'n toegangsfilm vir die Westerse gehoor gedien, wat getoon het dat anime 'n wetenskapfiksie-spektakel kon lewer wat met live-action-blockbusters meeding. Later het Madhouse Satoshi Kon se verwarrende films vervaardig (One:0F:0F:0F:0F:0F:0F:0F:0F:0F:0F:0F:0F:0F:0F:0F:0F:0F:0F:0F:0F:0F:0F:0F:0F:0F:0F:0

Studio Ghibli en die kuns van die teatermeesterstuk

Geen bespreking van die geskiedenis van anime produksie kan die hut-agtige studio in Koganei wat die wêreldwye animasie hervorm het, oorskakel nie. Na die kommersiële mislukking van hul eerste oorspronklike film, The Castle of Cagliostro (FLT: 1), het Hayao Miyazaki en Isao Takahata Studio Ghibli in 1985 saam met produsent Toshio Suzuki gestig.

Ghibli se produksie metode was bekend as handwerk. Miyazaki het nie volledige draaiboeke geskryf voordat die animasie begin het nie; hy het sekwensies geskryf terwyl die film ontwikkel het, soms het hy hele plotlyne in die middel van die produksie verander. Hierdie benadering was duur en tydrowend.

Takahata se parallelle loopbaan by Ghibli het skerp verskillende meesterstukke geproduseer, waaronder die brutale anti-oorlogsdrama Grave of the Fireflies (FLT: 0) (1988) en die akkerverfvisueel eksperiment The Tale of the Princess Kaguya (FLT: 3). Ghibli se insis op voltydse, betaalde werknemer-animators (eerder as vryskutters) in sy vroeë dekades was 'n direkte uitdaging vir die industrie se norme, wat bewys het dat stabiele werk meer artistieke kwaliteit kan lewer.

Die moderne landskap: Digitale gereedskap, stroom en globalisering

Die digitale oorgang en die ontevredenheid daarvan

Teen die vroeë 2000's het anime-studio's van tradisionele sel-animasie na digitale kompostering begin beweeg. Die proses het ingesluit om handgetrekte sleutel-animasie in sagteware te skandering, kleure digitaal toe te pas en agtergronde en effekte in lae te komposteer. Kyoto Animation, wat in 1981 gestig is as 'n subkontrakteur vir sel-afwerking, was 'n vroeë aanneemster van interne digitale pyplyne.

Ufotable, 'n relatief klein studio in Tokio, het digitale kinematografie nog verder gedruk. Hul aanpassing van Type-Moons Fate/Zero (2011) en die filmtrilogie Fate/stay night: Heavens FeelFLT:3 het 2D- en 3D-elemente gemeng met duiwelende kamerabewegings, gloeiende deeltjieffekte en komplekse kompositiefaknieke wat gewoonlik vir speelfilms gereserveer word.

Die digitale oorgang het egter ook die gaping tussen groot studios en die leër van klein subkontrakteurs vergroot. Arbeidsvoorwaardes het versleg namate skedules saamgeperste en streaming platforms steeds meer inhoud geëis het. Die tragiese brandbestryding van 2019 op Kyoto Animation se Studio 1 was 'n verwoestende slag vir die bedryf, wat die lewens van tientalle talentvolle personeel geneem het en 'n hernuwe gesprek oor werkerveiligheid, geestesgesondheid en volhoubare produksie-snelheid veroorsaak het.

Die revolusie in stroomreëls en die impak daarvan

Die bekendstelling van toegewyde anime streaming platforms Crunchyroll (2006), Funimation (nou saamgesmelt), en later Netflix s aggressiewe lisensiëring en produksie arm fundamentel verander hoe anime word befonds en versprei. Produksie komitees, histories saamgestel uit Japannese uitgewers, TV-stasies en merchandise vervaardigers, het begin om buitelandse streaming reuse as equity vennote verwelkom. Hierdie stroom van kapitaal het meer riskant projekte moontlik gemaak, soos Netflix s s s s s s s s s s s s s s s s s s s s s s s s s s s s s s s s s s s s s s s s s s s

Terselfdertyd het die druk om algoritmes te voer tot 'n oorversadigde mark gelei. Meer as 300 TV-lengte anime-reekse word nou jaarliks vervaardig, baie met draadlose produksie skedules. Studios soos MAPPA, wat in 2011 deur die voormalige Madhouse-produsent Masao Maruyama gestig is, het 'n simbool van hierdie tweeledige realiteit geword. MAPPA het visuele pragtige werke soos Jujutsu Kaisen FLT:1 en die finale seisoen van FLT:2 Aanval op Titan FLT:3 gelewer, maar klokkenluiders en animators op sosiale media het brutale krunch en alarmerende omsetwerk gedokumenteer. Die bedryf se afhanklikheid van vryskut animators wat per animasie betaal word, bly dikwels sonder royalties, 'n dringende stelselmatige kwessie.

Landmarkreeks deur die dekade: 'n Produksie-opname

  • Die 1960's: Astro Boy (Mushi Pro) het die TV-anime produksie-pipelyn uitgevind, insluitend die bank-stelsel van hergebruikte transformasie-sekwensies.
  • FLT:0 1970s: FLT:1 [2] Lupin die Derde: Deel 1 [3] (Tokyo Movie Shinsha, met Miyazaki / Otsuka) kombineer volwasse humor en gestileerde aksie, hoewel die graderings aanvanklik swak was.
  • Die 1980's: Macross (Studio Nue & Tatsunoko) het die idol plus mecha-formule gedefinieer; die Dragon Ball (Toei) het die shonen-gevegstruktuur aangepas wat dekades lank die manga-aanpassings sou oorheers.
  • Die 1990's: Sailor Moon het die magie meisie-genre vir wêreldwye uitvoer herleef. Pokémon het 'n onstuitbare media-franchise geskep wat video speletjies, kaartspeletjies en uitsaai oor kontinente sinkroniseer.
  • FLT:0 2000s: FLT:1 Fullmetal Alchemist: Brotherhood (Bones) het getoon hoe 'n getroue heraanpassing na 'n anime-oorspronklike einde wêreldwye aanhangers kon bevredig; 'n donker thriller wat 'n poort anime vir miljoene deur YouTube-klippedeelings geword het.
  • Die film 'Mugen Train' het die hoogste inkomste behaal Japannese film ooit, gedryf deur 'n deeglike visuele spektakel 'Box Office Mojo, Demon Slayer: Mugen Train' ('FLT: 9).
  • FLT:0 2020s: FLT: 1 Chainsaw Man (MAPPA) 'n aanhangers-favoriete manga aangepas met 'n unieke film-styl produksie komitee wat die tradisionele TV-uitsending norme omseil; Oshi no Ko (Doga Kobo) 'n anime oor die vermaaklikheidsbedryf wat wydverspreide bespreking van sy temas veroorsaak het.

Die Indiese Renaissance en die Nuwe Kunstiese Stem

Terwyl die makro-tendense mega-franchises beklemtoon, het die afgelope dekade ook 'n lewendige onafhanklike animasiebeweging geïkubeer. Studio Colorido (A Whisker Away), Science SARU (gestig deur Masaaki Yuasa en Eunyoung Choi, wat nou 'n nuwe Dandadan-aanpassing vervaardig) en Studio Bind (spesialelik vir Mushoku Tensei geskep is) verteenwoordig 'n middelgrootte boutikoperasie met genoeg hulpbronne om kenmerkende visuele identiteite te kweek. Science SARUs vloeibare, squash-en-streek benadering tot karakteranimasie, verfyn in Ponging the AnimationTFLT:7]] en Die GalaxyTFL:9 wat nie vir produktiwiteit hoef te offer nie, toon die kuns doeltreffendheid.

Eksperimentele regisseurs soos Naoko Yamada (A Silent Voice, Liz and the Blue Bird, FLT: 3) het getoon dat gebrekkige, formeel inventiewe filmmaak selfs in die hoë-volume stelsel kan floreer. Yamada se werk by Kyoto Animation, wat fokus op mikro-uitdrukkings en fisiese ruimte, het die emosionele woordeskat wat beskikbaar is vir anime regisseurs uitgebrei.

Die ekonomiese motor: Produksie-komitees en kruismedia

Om die geskiedenis van anime se produksie te verstaan, is dit nodig om die seisaku iinkai (produksie komitee) -stelsel te erken. Sedert die 1990's word die meeste anime deur konsortiums van uitgewers, TV-stasies, platafdrukke, speelgoedmakers en streamingdienste befonds. Elke vennoot dra kapitaal in ruil vir 'n aandeel in intellektuele eiendom (IP) en 'n deel van die inkomste uit die verkoop van skyfies, merchandise, musiek en oorsese lisensiëring.

Hierdie stelsel verminder die risiko vir die animasie-studio, maar ook die boonste kant daarvan. Baie ateljees bly kontrakteurs, wat slegs die produksiekoste verdien terwyl die komitee wins maak uit langstaande franchise-inkomste. Kreatiewe beheer word dikwels onderhandel, met die manga-uitgewer wat asimmetriese mag het.

Die toekoms van anime-produksie

Die eerste is die integrasie van kunsmatige intelligensie gereedskap vir die tussen-animasie en agtergrond generasie is aktief ondersoek, hoewel artistieke vakbonde en direkteure bly versigtig. Tweedens, globale koproduksie is opkomende studios soos MAPPA en Science SARU nou roetine veld aanbiedinge van Netflix en Disney.

Ten slotte brei die definisie van anime uit as internasionale ateljees reeks vervaardig wat sterk beïnvloed word deur die Japannese visuele taal, soos Avatar: The Last Airbender en die komende FLT:2 Lazarus deur Shinichirō Watanabe en MAPPA in samewerking met Adult Swim.

Vir verdere verkenning van spesifieke studio-geskiedenis, bied die Wikipedia-geskiedenis van anime 'n uitgebreide tydlyn, terwyl Fulton-Sakugabooru-Sakugabooru-Sakugabooru-Sakugabooru-Sakugabooru-Sakugabooru-Sakugabooru-Sakugabooru-Sakugabooru-Sakugabooru-Sakubooru-Sakubooru-Sakubooru-Sakubooru-Sakubooru-Sakubooru-Sakubooru-Sakubooru-Sakubooru-Sakubooru-Sakubooru-Sakubooru-Sakubooru-Sakubooru-Sakubooru-Sakubooru-Sakubooru-Sakubooru-Sakubooru-Sakubooru-Sakubooru-Sakubooru-Sakubooru-Sakubooru-Sakubooru-Sakubooru-Sakubooru-Sakubooru-Sakubo-Sakubo-Sakubo-Sakubo-Sakubo-Sakubo-Sakubo-Saku